導語：如何才能寫好一篇羅密歐與朱麗葉簡介，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

篇1

[關鍵詞]影像視角；電影《羅密歐與朱麗葉》；主題

把原著作品改編為影像化的視聽語言是當前電影史上的巨大飛躍，電影改編是基于忠實原著的基礎上而又突破原著的故事模式，通過全新的視覺對文本主題進行重新解讀。透過改編電影，我們能進一步挖掘其凸顯的主題元素，從而有利于我們進一步解讀文學與電影之間的關系。要把經典文學巨作轉化為現代化的語境，同時也要呈現出影片的深厚思想主題，這無疑是對電影創作者的巨大挑戰。其中一個關鍵環節就是要立足于原著的主題元素，并對其進行創新和詮釋。因為主題元素是文學和電影中的主要內涵，所以提取文本中的主題元素，并對其進行豐富和創新，才能再現原著中的精髓。

一、莎劇《羅密歐與朱麗葉》及其電影改編

莎士比亞創作的戲劇作品《羅密歐與朱麗葉》是一部洋溢青春色彩的悲劇，故事背景放置在16世紀的意大利，當時兩大家族存在根深蒂固的矛盾和仇恨，但兩家的兒女卻在一次舞會中一見鐘情，并決定私訂終身。羅密歐為了報朋友的血海深仇而將朱麗葉的兄長殺害了，這一行為遭到了親王的流放。同時朱麗葉的父親向朱麗葉施加壓力，強迫她嫁給帕里斯，在這種情況下神父給朱麗葉吃了一種假死藥，并秘密通知羅密歐趕回來與之相見，而當羅密歐匆忙趕回墓穴的時候并不知道朱麗葉是假死，所以他也為了追尋愛人而去當場就自殺了。當朱麗葉醒來的時候看到羅密歐已經沒有氣息的時候，她毫不猶疑選擇了自刎，兩人都為了愛情而付出了生命。失去了兒女的父母才真正領悟了仇恨只會帶來永不停息的死亡，最后兩家的仇恨終于消除了。

戲劇作品《羅密歐與朱麗葉》成為一部永恒的經典之作，從16世紀至今，劇作不斷地被搬上銀幕舞臺，分別改編為歌舞劇、音樂劇和電影等。其中1954年由意大利導演的同名電影在很大程度上忠實了原著的精神和主題內涵，并再現了原著的舞臺特色，無論是人物的對白還是故事表演，都與莎劇保持一致。而在1996年改編的電影《羅密歐與朱麗葉――后現代激情篇》則把故事背景移植到當代，從現代文化語境的視角出發探尋一些熱議話題和精神渴求，這一次的改編在很大程度上克服了莎劇的舞臺特色，凸顯出一種真實性和生活化，借助浪漫主義的手法來凸顯羅密歐與朱麗葉的真摯情感。1992年公映的芭蕾舞劇《羅密歐與朱麗葉》則通過音樂和舞蹈兩種豐富的藝術形式來詮釋這個浪漫的愛情故事，并凸顯出暴力與愛情兩大主題。除此之外，1962年導演的《西區故事》也在很大程度上汲取了《羅密歐與朱麗葉》的內容，使其具有典型的美國式特征。縱觀多次的電影改編，《羅密歐與朱麗葉》始終都圍繞著愛情、死亡與暴力三大主題展開故事的敘述，并引起了廣大觀眾對時代的解讀和解構母題的現代化意義。

二、改編電影《羅密歐與朱麗葉》的電影主題

（一）愛情

眾所周知，電影《羅密歐與朱麗葉》的主題始終都圍繞男女主人公的浪漫愛情而展開故事的敘事，而主人公的愛情產生方式是“一見鐘情”，所以改編電影《羅密歐與朱麗葉》的立足點就從“見”開始，凸顯出男女主人公在視覺上的凝視，影片中描寫了當男主人公羅密歐初次見到朱麗葉的時候就忍不住贊揚她的美麗與高貴，并把原著中涉及的火炬、白鴿等視覺詞匯構建成為電影藝術的視聽畫面。四部改編電影在詮釋愛情主題的過程中都著重突出男女主人公在視覺上的凝視，甚至把原著中的單向凝視轉化為兩人的相互對望，從而在那一剎那則產生了情感的交流。1996年改編的后現代激情版則安排男女主人公在魚缸前相見，并點燃了愛情的火苗。但在當時的封建社會中，羅密歐與朱麗葉的自由戀愛并不受到雙方家庭的認同，在他們的愛情之間還隔著門第、財富、身份等方面的界限，但是他們的愛情是純潔而又真誠的，所以一見鐘情的愛情也成為文學創作中的經典模式。

正因為羅密歐與朱麗葉的愛情是不摻雜任何世俗因素的，所以電影改編則立足于這一點突破了原著對主要人物的身份設定，在芭蕾舞劇《羅密歐與朱麗葉》中著重圍繞著一個貴族小姐與街頭痞子之間的愛戀，羅密歐始終都穿著破舊的衣服，說話油腔滑調，是一個典型的街頭青年。而朱麗葉則是一個舞臺上的公主，她無視那些打扮光鮮的貴族，而是注視著穿著不正、英俊爽朗的羅密歐。從中無疑可以看出俊美的外貌和身強體壯的身軀則成為相互吸引的因素，而其他是強制附加的因素。一見鐘情的愛情確實很浪漫，但也難以抵抗現實的拷打，人們往往會用理性的態度去看待這一段愛情，所以電影改編則通過一個后現代的深化故事來詮釋這個唯美的愛情，強化影片的愛情主題。

（二）死亡

在西方的文學史上，愛情與死亡是永不消亡的主題，男女主人公的愛情往往會以死亡的方式終結。莎翁的《羅密歐與朱麗葉》就是其中的經典案例，在莎翁筆下，愛情的最高境界就是為愛犧牲，所以原著中描寫了羅密歐誤以為朱麗葉已經死去了，他也選擇為愛而去，跟隨朱麗葉的靈魂一起漂泊，拋棄這副空洞的軀殼，抗拒世俗的鉗制，在這里安息永遠陪伴著她。

在表現“死亡”主題上，電影改編基本上都是根據原著來構建男女主人公為愛而殉情的死亡結局，但在1962年的《西區故事》中則突破了原著的死亡模式，影片中的男主人公并不是殉情，而是被別人狠狠打死了，而女主人公手中握著搶，她沒有因為愛人的死亡而自殺，雖然她的內心已經近乎絕望了，但仍然活下來了，這一死亡結局的構建是電影改編的一個亮點，因為它站在不同的視角重新詮釋了愛情與死亡的藝術內涵，影片關注生命，重視人生價值的體現，所以讓女主人公活下來了，這不僅是尊重生命的表現，也寄予了人性化的創作思想，女主人公獨自活著的悲痛并不少于死亡的結局，在一定程度上來說孤獨地活著需要承擔失去愛人的悲痛更加悲壯、令人感動，這是一種根植于心底的痛，是支撐生命的精神寄托，在女主人公心中成為一段美好而又傷感的回憶。如同另一部經典電影《泰坦尼克號》也對活著的愛情回憶展開了美好的編制。事實上，電影《羅密歐與朱麗葉》在深化死亡主題的過程中，對傳統意義上的愛情悲劇進行了重新審視，殉情的方式并不是惟一見證愛情的方式，愛情并不一定要通過死亡來證明。殉情，展現出來的是死者對愛情追求的勇氣；活下去，則凸顯出生者對生命的堅守，隱忍心中的苦痛，拖著一副破碎不堪的軀殼孤獨地活在這個沒有希望的人間。

（三）暴力

隨著社會的發展，暴力始終都是一個備受關注的社會問題，無論是孩童之間的打鬧還是家國之間的對抗，人類的暴力行徑一直在持續，并成為文學藝術上的焦點主題。莎劇的《羅密歐與朱麗葉》的暴力往往與愛情、死亡聯系在一起，而電影改編則在此基礎上進行了強化，著重深化了暴力主題。四部不同的改編電影在開頭部分都刻畫了街頭暴力的場景，而且暴力的場面愈加激烈。原著中描寫了兩個家族之間的仇恨，所以對暴力的描寫主要集中在兩家仆人的紛爭中，暴力也沒有得到進一步的深化，但在1954年改編電影《羅密歐與朱麗葉》中則把暴力的場景進行了渲染，突出了影片的暴力主題。原著中冤家對決在1996年改編電影中則演變為激烈的街頭槍戰，兩個家族分別代表了黑社會的兩大對頭，而且人物出場的時候都會佩戴槍支。但改編電影中塑造的男主人公羅密歐是一個穩重的青年，他并不會參與到暴力中，即使是最后出手殺人也是迫于無奈的情況下。表現暴力主題最具創新的改編電影的當屬《西區故事》，影片對暴力的強化幾乎超過了對愛情主題的刻畫，甚至故事的結束也是通過描寫暴力追殺的場景。另外，電影改編也在一定程度上對暴力進行了批評，原著中描寫了羅密歐的殉情情節被改編為在歌舞場景中男主人公被人槍殺，這一結局的設置顯然體現出在人類的世界中時常發生暴力、戰爭，所以創作者借此呼吁人類應該愛好和平，寄予了構建和平世界的期望。

與原著相對比，改編電影《羅密歐與朱麗葉》著重凸顯了暴力主題，通過塑造一個個殘酷的暴力場景來說明暴力給人類帶來的災難。暴力往往都是出于內心中積攢許久的仇恨，在原著中的結尾部分，莎翁通過朱麗葉父親的口吻來闡述了暴力的根源來自于仇恨，而在改編電影《西區故事》中也特寫了瑪莉亞對仇恨的認識，影片中描寫了瑪莉亞手中舉著槍，對兩個暴力幫派仇恨地說他們都是殺人的兇手，她也可以殺人，但是她心中對這些人已經沒有仇恨了。從中就可以得知瑪莉亞對仇恨的認識更具現實意義，她指出的仇恨是人類社會中存在的普遍心理因素，只要產生了仇恨的心理就很容易驅使個體去殺人，瑪莉亞的話語道出了暴力產生的根源，即人類心中存在仇恨的意識。因此，要減少暴力的發生就要讓人類消除心中的仇恨，并尋找一種方式去和解心中的不悅，從而營造一個和平的生活環境。影片中也進一步描寫了當兩個敵對幫派聽了瑪莉亞的話都放下了武器，兩個派別的關系也得到了緩和。

三、結語

綜上所述，對原著《羅密歐與朱麗葉》的電影改編在一定程度上更具現實意義，電影把原著中的愛情、死亡和暴力主題實現了升華。莎劇之所以能經由多次的電影改編，關鍵是這部戲劇中的主題元素具有超越時代的共性，它反映出當前人類共有的心理特征，而電影改編正是抓住了這一特性對主題元素進行深化，從而在心理上與觀眾實現共鳴。四部改編電影都抓住了原著的愛情、死亡和暴力主題，并對主題元素進行豐富和詮釋，通過影像化視聽語言呈現出一段浪漫而又雋永的經典故事。

[參考文獻]

[1] 莫小青.繼承與顛覆――談莎士比亞的《羅密歐與朱麗葉》的電影改編[J].世界電影，2003（04）.

[2] 黃金金.在顛覆中傳承經典――魯霍曼電影版《羅密歐與朱麗葉》后現代主義探析[J].考試周刊，2012（18）.

[3] 張世君.《羅密歐與朱麗葉》與電影改編的關鍵元素[J].當代電影，2004（03）.

篇2

【關鍵詞】羅密歐與朱麗葉;遮蔽;本真狀態

在伊甸園中,亞當和夏娃看到蛇后有了恐懼,“蛇對女人說:‘神豈是真說不許你們吃園中所有樹上的果子嗎?’女人對蛇說:‘園中樹上的果子,我們可以吃;惟有園當中那棵樹上的果子,神曾說,你們不可吃,也不可摸,免得你們死。'。蛇對女人說:‘你們不一定死,因為神知道,你們吃的日子眼睛就明亮了,你們便如神能知道善惡。’”[1]蛇的預言中蘊含了人的自由地承擔,隱含的是人的主體性的發現,即薩特所說“存在先于本質” [2]。羅密歐與朱麗葉有了愛情后便有了恐懼。“恐懼不同于害怕和類似害怕的那種概念,那些概念涉及某些確定的東西,而恐懼所涉及的是由可能性而產生的、作為可能性的自由的現實。”[3]亞當與夏娃是因為有了“眼睛明亮”的可能性而恐懼,而羅密歐與朱麗葉則是因為有了愛情而恐懼。前者為耶和華所不允許,后者則為現世的仇恨意念所不允許。兩者都是意念的作用力,從真理狀態達到了人類存在的重演,“重演毋寧是當下時代對曾在此的可能性的應答。這種應答保持可能事物的可能性質,從而為當下時代開啟新的生存。”[4]亞當與夏娃和羅密歐與朱麗葉在真理的向度上達到了同構。對于羅密歐與朱麗葉來說,仇恨的意念是與耶和華等同的。他們所開啟的都是人類共同的東西:走向人的自由與自由的人。“當薩特在《存在與虛無》中討論自由時,他以為自由具有一種構成性的意義。”[5]

亞當與夏娃的被逐是因為吃了智慧樹上的禁果,羅密歐與朱麗葉是因為有了愛情才有了如此的境遇。他們因愛情而進入了本真的無善惡狀態,因此提伯爾特的死并沒有使朱麗葉要殺死羅密歐。愛情是兩個人處于陌生狀態中的相知,羅密歐與朱麗葉是對愛情的追求,他們有家的可能。羅密歐與朱麗葉對家的反叛,恰恰是對家的追尋。這兩個家是有顯著區別的,前者是世俗社會中的,后者則是伊甸園中的。人由血緣的自然關系進入情感的自然關系,伊甸園中的亞當與夏娃是本真狀態中的愛情,走出伊甸園后的亞當與夏娃和他們的后代們則創造了意念,也被賦予更多意念性的東西,包括善惡本身。

愛情果總有吃完的時候,被丘比特射中的心也總有流完“血”的時候,這時就是愛情的終結。在《羅密歐與朱麗葉》劇中,莎士比亞沒有將悲劇拖延到世俗生活之中,而是將悲劇提前,使生活的悲劇提高到了生命的悲劇,悲劇是在愛情中開始的。而魯迅的小說《傷逝》則是愛情延續到婚姻,在一種社會的掙扎里完成的悲劇。

遮蔽是從兩個家族的累世宿怨開始的,劇中的開場詩就揭示了兩個家族處于自我遮蔽的狀態。兩個家族的人籠罩在仇恨之中,但他們并沒有實在的體驗,仇恨和宿怨只是虛擬的,它只存在于過去的某個空間中,是一個靜止的瞬間。它本身并不能流傳到后世,只是一個處于消逝狀態的瞬間。而時間也是意念性的,是虛擬出來的,它使仇恨得到了蔓延和記憶。作為時間是不存在的,人類創造出來的只是一種記憶的方式,它已經脫離了空間,也是虛擬的,不是本真的存在。它排斥了人的個體,只剩下人的血緣群體。人類自身的本真感覺已經在時間的抽象里被抽象掉。“子曰:吾十有五而志于學,三十而立,四十而不惑,五十而知天命,六十而耳順,七十而從心所欲,不逾矩。”[6]孔子的話完全是他所處的空間里的感覺,是此在時間中的存在,這是一種機緣,只在孔子此在的那一刻中有這種感覺。在以后的時代里,這樣的空間性已經被完全抽象,沒有了自我的感覺,只剩下抽象的時間“十有五、三十、四十、五十、六十、七十”和它們所對應的意念“志于學而立、不惑、知天命、耳順、從心所欲不逾矩”。人只有此在才是本真的,宿怨對于此在的我來說只是意念,它不是經驗之物。戲劇中的假面舞會是個隱喻,是對人們處境的隱喻,假面是人們自我遮蔽的遮蔽之物。在舞會上,提伯爾特之于羅密歐的仇恨仍是意念的作用,也是自我的遮蔽。而羅密歐與朱麗葉則“看穿”了面具,揭去了遮蔽之物,才有了本真的感覺,因此,他們獲得了愛情。

羅密歐與朱麗葉仍舊稱呼對方為“仇人”、“仇敵”,但它們作為意念在他們身上的遮蔽作用已經去除了。本真的感覺去除了意念,去除了遮蔽,才有了兩個人的愛情。自然之愛超越了世俗的意念。

列維?布留爾的《原始思維》也同樣看到了這一點,“原始人把自己的名字看成某種具體的、實在的和常常是神圣的東西。”《羅密歐與朱麗葉》劇中的兩個家族籠罩在這種思維中,他們的仇恨與他們的姓氏凱普萊特和蒙太古緊密相聯。血緣的權力掩蓋于其下,已不為人覺察,處于遮蔽狀態的人,只有服從這種血緣的權力,“自我處于權力的監禁之下” [7]。前遮蔽狀態是“一種監視的目光,每一個人都在這種目光的壓力之下,都會逐漸自覺地變成自己的監視者,這樣就可以實現自我監禁”[8] 。于是,人進入了自我遮蔽的狀態之中,“人被拋入一個滲透到社會每一個角落的權力網絡當中” [9]。而羅密歐與朱麗葉已經拋棄了這樣的思維,打破遮蔽后擁有的是此在的本真感覺。這樣的感覺與他們的行為一致,在行動的向度里獲得自由,他們最后的自殺,是對脫離意念的自由的詮釋,是通向海德格爾的“本真的向死存在”。海德格爾定義本真的向死存在為:“先行到死,看清楚了喪失在常人之中的日常存在,不再沉陷于操勞和操持,而是自立于自己的生存策劃種種的生存的可能性,面對由畏敞開的威脅而確知他自己,因負重而激起熱情,解脫了常人的幻想而更加實際,在向死的存在中獲得自由。”[10]

在原始狀態,“有些專門割取敵人腦袋的人是一些極真誠和極忠實的人,還有些人懷著虔誠之心和責任感施行著殘酷的儀式,或者帶著正直的信念去殺人。原始人同我們一樣急于珍視某種道德態度。他們的善同我們的善一樣好,他們的惡同我們的惡一樣惡,只是善惡的表現形式不同而已,而道德判斷的過程是一樣的。”[11]這是意念對人的遮蔽,這種遮蔽是對人的禁錮,與把人投入監獄中一樣,他們創造了精神的統治和肉體的毀滅。所以提伯爾特殺死邁丘西奧完全是意念的作用力,事實上這兩人之間并沒有實在的“仇恨”的感覺,完全是所謂的“宿怨”的蔓延。這樣看來,人在一定程度上,仍受原始意識的籠罩。也即榮格所說,“因為它們割裂了我們世界那井然有序的進程,使任何事物都似乎變得可能了。它們對我們的影響表現了原始心理還并沒有消亡。”[12]與意念緊密關聯的是權力,或者說意念所掩蓋的是權力,被意念所遮蔽的實質是某種權力的作用在起作用。這種意念的權力在劇作中也無處不在,“權力是處于彌散狀態的東西,權力無所不在,不是說它(下轉第57頁)(上接第56頁)包容萬物,而是說它來自各方。權力不是一個機構,不是一種結構,也不是我們具有的某種力量。”[13]所以凱普萊特對朱麗葉激烈的拒婚言是意念遮蔽下的權力的爆發,它將意念的權力本質瞬間顯露在我們面前,權力是現象內里的構成,這恰與福柯的理論相符合,即權力對生命的占有和管理的表現之一是對肉體的規訓。

莎士比亞的劇中總是有一些人充當預言家的角色,這是劇作家的暗示,也是生活的必然。但預言與人的不能阻止厄運之間又形成了悖論。預言本身是人對生活的瞬間的感悟,而瞬間本身是人的本真狀態,因為人的真實與自由只在此在的瞬間之中。“在愛因斯坦的相對論之后,新科學帶來這樣的證據:除三維世界,即我們感官的世界之外,還存在著第四維,即時間維,以及第五維,即精神心理維。人們已經證明有可能感受尚未發生的事件。人們為我們展現了新的前景,使我們認識到精確科學與直接宗教的密切關系。”[14]人是一種不斷消逝的存在,預言本身成了生活的一種存在可能。預言是鏡子本身,人只能在鏡子里看到自己而不能有所作為,所作為的只是自我的掩飾、化妝,其實質是自我的遮蔽。

羅密歐瞬間感受的頓悟和他對生的此在的感知,已經上升到哲理的向度。只是人對此在的瞬間的感知是稍縱即逝的,很快又被新的意念和欲念所遮蔽,真理只是此在的瞬間為人所擁有,在下一個瞬間,它已經消逝。

戲劇是一種人類命運的隱喻,即人類是在碎片化的瞬間里獲得生命的,打破了歷來的決定論,莎士比亞發現了人類在未來的歷史中的生活狀態和精神狀態,當然這只是劇作家在戲劇創作中偶然打開的,它并不代表劇作家對人類未來的認知,只是一種此在的瞬間。由此,劇作與生活形成了不同的空間里的同構,一樣是對真理的洞見和達到。劇作無疑是電影的前身,現代文明是一個碎片化的文明,電影則是最碎片化了的人生的集合,是瞬間的極端化。瞬間顯現的是命運的可能性,并最終成就了命運。

【參考文獻】

[1] 彭小燕著.《存在主義視野下的魯迅》,[M].北京:北京大學出版社,2007.

[2][5][8][9] (挪威)G?希爾貝克,N?伊耶著.童世俊,郁振華,劉進譯.《西方哲學史》,[M].北京:商務印書館,1997.

[3](丹麥)克爾凱郭爾著.劉繼譯.《恐懼的概念》,[M].北京:商務印書館,1997.

[4][10] 陳嘉映編著.《存在與時間讀本》,[M].北京:生活?讀書?新知三聯書店,1999.

[6] 樓宇烈.《論語注》,[M].北京:中華書局,1994.

[11][12] 榮格著.蘇克譯.馮川校.《尋求靈魂的現代人》,[M].貴陽:貴州人民出版社,1987.

[13] 李銀河著.《福柯與性-解讀福柯性史》,[M].濟南:山東人民出版社,2001.

篇3

［關鍵詞］文學名著；電影改編；教學功能；綜合能力

課題項目：本文系南通大學外國語學院研究項目。

英語文學作為人文教育的重要組成部分，不僅在語言和文化方面給學生提供了鮮活的文本資料，而且可以培養學生的辯證分析能力和批判思維能力。正如美國哈佛大學英語系兼比較文學系主任詹姆斯·安格爾稱，經過時間檢驗的經典文學作品可以“拓展一個人的靈魂”，并給他帶來“終生的(審美)愉悅”。(2008:6)然而，文學教育的效果一時不那么明顯，因此往往被一些短視和功利的教育者和學習者所忽視。在市場經濟大潮的猛烈沖擊下，在擴招帶來的激烈競爭下，在高等教育長期與市場脫節造成的嚴峻的就業壓力下，象牙塔中的很多大學生開始重技能輕人文，熱衷于追求四六級、口譯或BEC等在勞動力市場上含金量較高的證書，文學經典在他們看來成了沒有“錢途”的雞肋。不少高校一再壓縮文學課的課時，無法引導學生細讀品味；有些教師授課時空有激情而不講究教學方法，很難激發學生的興趣，因此文學教育逐漸式微，陷入越來越尷尬的境地。

一些文學課教師在感到憂心焦慮的同時，開始求助于名著改編影視這種現代化手段來挽回學生對于文學經典的興趣。的確，電影觀摩是學生喜聞樂見的教學方式之一。在我院的劉儀華教授關于英美文學必修課的問卷調查中，有65%的學生表示對此有濃厚興趣。(2008:138)而筆者2008年對于選修英美女作家與作品這門課的222位學生所做的調查中，高達88%的學生最歡迎這種方式。(2010:127)不排除相當一部分學生避重就輕，怕苦畏難，在細讀文本領略文字的美和對經典進行“快餐式”消費之間選擇了后者，但也有學生在欣賞完電影后自覺找到原著來讀，甚至把它作為畢業論文的研究對象來立題。“一部成功的電影會促使文學原著的暢銷，甚至使其成為文化熱點”，(王松林、李洪琴，2003：24)現在的“90后”大學生瘋狂追捧的《哈利·波特》系列和《暮光之城》系列正是典型的范例。當上一部電影留下一個懸念，觀眾如果等不及在續集中看“下回分解”，就會去找原著揭秘。在正式的中文譯本出版發行前，網上已經流傳了很多“哈迷”和“暮迷”自愿分享的譯文，可見只要有興趣的驅使，貌似很難的文學作品也不見得就啃不下去。

對于教授英美文學課程的老師來說，電影是他們苦心孤詣引導學生重新接受文學經典的“墊腳石”，主要是為了調動學生的興趣和加深學生對作品的理解。然而筆者認為應該從基礎英語的教學開始，更充分地發揮電影的功能。

在傳統的課程設置上，大一大二是基礎英語學習階段，學生接受的主要是聽說讀寫的語言訓練，然而教師往往發現學生在需要表達的時候言之無物，頭腦空洞。到了大三大四的高級英語學習階段，學生開始接觸文學、語言學、跨文化交際之類專業知識，教師這時又發現學生理解經典名著有語言障礙和文化障礙。名著改編電影正好可以解決兩個階段脫節的問題。系統充分地利用電影教學手段，可以全方位地提高學生的綜合能力。

在傳統的語音課上，教師往往以學生的發音標準化為己任，其實語言作為交流的工具，達到交際的目的才是最主要的。學生如果只是接受英式或美式的標準發音，會影響他們對其他地域和階層的人群發音的理解。日本人、印度人、俄國人、阿拉伯人說起英語常常會帶有本民族語言的口音，而他們和以英語為母語的人交流也沒有問題。在英語國家里，不同的人群也會因為身份、職業、性別、種族、年齡等因素帶有不同的發音。因此，很多接受標準化發音訓練的中國學生到了國外，聽起千差萬別的發音時覺得無所適從，而他們說英語時，得到的評價常常是標準而沒有特點。教師可以播放電影的片段讓學生了解不同的人說話的方式，組織學生分角色扮演，然后舉行小組配音比賽，通過競爭機制提高學生參與的主動性和積極性。

學生如果只是發音標準無懈可擊，而在需要交流的時候無話可說，那也只能淪為學舌鸚鵡而已。在口語課堂上進行分組討論的時候，教師往往發現有些學生不愿意開口。教師提供的一些抽象的話題難以引起他們的興趣、激發他們的靈感、誘導他們表達的欲望。播放名著改編的影視可以給他們增加不少鮮活的話題，讓他們熱衷于討論劇中的人物、情節和主題。教師可以組織學生進行辯論，訓練他們用翔實的材料去充實自己的觀點，用嚴密的邏輯去反駁他人的觀點。

聽力上的問題未必完全是技巧性的，有時是文化性的。筆者在教授聽說教程的時候發現：即使詞匯和語音沒有任何障礙，學生也不能理解一個簡單句子的含義，原因就在于文化背景的隔閡。書上講到韓國民族信佛教的家庭和信基督教的家庭對圣誕節的接受大相徑庭，前者根本不承認這個節日的存在，后者則用傳統的韓國食物慶祝。學生對這段聽力很難理解，因為我國缺少基督教氛圍，圣誕節只是一個商業化的噱頭。在欣賞了改編自狄更斯的同名小說《圣誕頌歌》這部影片后，他們對圣誕精神有了具體的認知，也明確意識到這個西方節日的宗教屬性。

筆者在批閱學生作文時發現，學生很少會用到曾經閱讀的內容。他們常常讀歸讀，寫歸寫，把兩者完全分裂開來。不管是精讀還是泛讀，很多學生的閱讀習慣往往是碰到一個生詞就停下來查字典，教師在教學過程中也在很大程度上偏重于單詞和詞組的使用，對文章主題的理解和結構的把握卻一帶而過。這樣下來，學生對讀過的文章內容沒有印象，記憶里只剩下單詞和例句，寫作的時候也聯想不到課本里現成的引言和實例。然而，很多學生卻往往對很久以前觀看過的某個電影片段記憶猶新，在作文中也經常引用。筆者建議用電影作為學生寫作的資料庫，給他們提供不竭的鮮活材料。

蔣靜儀主編的《閱讀教程》第一第二冊中每個單元都有一個Reading Salon，推介兩本文學名著供學生閱讀。比如第一冊的第一單元推薦的是《簡·愛》，而此單元的主題是親子關系。關于這部小說學生或多或少了解一些內容，但一般對童年簡·愛同情憐憫，而對成年簡·愛贊賞欽佩，并沒有關注兩者間的有機聯系。筆者要求學生在觀看電影時重點思考簡·愛的童年對她成年后的性格的影響。在寫作觀后感的時候，很多同學發現了簡·愛年幼時她的舅母一家對她精神上和肉體上的虐待和她后來不顧社會地位的懸殊和傳統禮儀的束縛勇敢地向羅切斯特表白愛意之間的內在聯系：正因為從小就在一個缺愛的環境中成長，簡·愛對愛的渴望才如此不顧一切。

到了高級英語學習階段，英美文學的必修課和選修課上涉及了大量的作家和作品，教師限于課時只能蜻蜓點水，學生也因此只能走馬觀花。對于文學作品本身沒有感性的認知就很難形成鮮明的印象，而名著改編的影視作品正好可以彌補這個不足。在兩三個小時中，學生就能領略一部作品的故事情節的發展脈絡和主要人物的性格特點。在教授“英美女作家和作品”這門選修課時，筆者在課上穿插了諸如《諾桑覺寺》《時時刻刻》《奧蘭多》等名著改編電影的欣賞和討論，讓他們見識到除了《簡·愛》《呼嘯山莊》《傲慢與偏見》《亂世佳人》等他們熟知的名著之外，還有很多“次著名”的文學經典也值得研究。每一部電影筆者都會給學生提示關鍵點——奧斯汀在《諾桑覺寺》中所諷刺的哥特式文風在電影中的呈現，《時時刻刻》中三代女性對命運的反思和生死的抉擇，《奧蘭多》中所表現的伍爾夫的雙性同體思想——讓他們邊觀看邊思考，而不只是耽于視聽享受。

電影改編有三種類型，一是移植型，即電影盡量忠于原著；二是再解釋型，即電影對原著進行個性化的解釋甚至評論；三是模仿型或再構思型，即電影對原著的故事結構和人物進行別出心裁的徹底改寫或模仿和諷仿。(王松林、李洪琴，2003：22)比如1968年版佛朗哥·澤菲雷里導演的《羅密歐與朱麗葉》不僅布景和服裝符合16世紀意大利維羅納的特點，男女主角的年齡也都接近原著，就是經典的移植型。1996年巴茲·魯赫曼導演的《羅密歐+朱麗葉：后現代激情篇》雖然沿用莎士比亞的臺詞，卻讓羅密歐與朱麗葉穿越到了當代時代美國佛羅里達州的維羅納海灘，他們家的世仇也成了兩個對立幫派間為了爭奪地盤而導致的械斗和槍戰，這屬于再解釋型。1961年的歌舞片《西城故事》借用莎翁原著的基本架構，卻把羅密歐和朱麗葉的名字換成了托尼和瑪利亞，臺詞也換成了現代語言，并通過歌舞去呈現，是再構思型的杰出代表。與第一種相比，第二種和第三種具有更強的創造性和藝術性，因此更適合作為學生畢業論文研究的對象。

自2007年以來，筆者一直擔任畢業論文的指導工作，所指導學生通常只涉獵過古典文學。筆者通常建議他們比較影視改編和經典名著在人物、場景、情節等方面的異同，然后再得出孰高孰低的結論。每年都會有不少優秀文學作品被搬上舞臺，除了傳統文學經典(如莎士比亞和奧斯汀的作品)之外，還有現當代的得獎作品(如獲諾貝爾獎的耶利內克的《鋼琴教師》和獲布克獎的拜厄特的《占有》)或暢銷作品(如尼芬格的《時間旅行者的妻子》和鄺麗莎的《雪花和秘密的扇子》)。學生可以選擇古典名著的影視改編，也可以選擇現當代的熱門作品的翻拍，以便在浩如煙海的文學評論中找到一個新鮮獨特的切入點。迄今為止，筆者指導學生撰寫了《小說〈傲慢與偏見〉與其2005年電影改編版之比較》《小說〈名利場〉與其2004年電影改編版之比較》《后現代版的莎士比亞——比較1961年的〈西城故事〉和1996年的〈羅密歐+朱麗葉：后現代激情篇〉》《被隱藏的文本——比較拜厄特1990年的小說〈占有〉和2002年的電影改編》《成功乃失敗之母——比較2002年電影版〈認真的重要性〉和1895年的原著劇本》和《從小女孩到大女人——比較劉易斯·卡羅爾的小說〈愛麗絲漫游仙境〉與2010年蒂姆·伯頓的電影改編》共6篇畢業論文，學生在比較之后往往會發現：雖然影視有原著所不及的感官沖擊力，但是由于時間所限，必然在大量刪改中損失原著的廣度和深度，有時導演還會為了電影的商業價值犧牲原著的藝術價值。

在基礎英語階段，名著改編電影不啻為豐富課堂活動，提高學生語言能力的靈丹妙藥；在高級英語階段，名著改編電影依然是學生親近名著的有效手段，但教師必須引導學生在閱讀原著基礎上對其進行批判性的思考，最終形成自己獨立的價值判斷。

［參考文獻］

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［3］ 黃立豐.關于大學英語專業文學課的調查與思考［J］.湖北廣播電視大學學報，2010(02).

篇4

［關鍵詞］ 《發條橙》；“異化”；悲劇；問題

改編自英國作家安東尼•伯吉斯同名小說的影片《發條橙》，自問世以來就備受爭議。其中大量的暴力和性的內容使其在許多國家遭遇禁演，在英國更是被禁演達30年之久，直到影片導演庫布里克辭世之后，它才得以與英國觀眾見面。

作家伯吉斯曾經在《再吮發條橙》一文中說過，“我想沒有必要提醒讀者，書名的意義是什么。發條橙本身是不存在的，但老倫敦人用它作比喻。其寓意比較怪異，總是用來形容奇怪的東西。”［1］在電影中，主人公亞歷克斯就是這樣一個裝了發條的橙子，表面上是一個充滿汁水、生命力旺盛的有機體，實際上卻是一個被安裝了發條的機械怪胎。亞歷克斯原本是一個生命力飽滿的年輕人，他憑借人性和原始生命力的沖動行事，主動地選擇做一個惡棍，但是卻因此觸犯了社會規則，最終被意識形態所改造和規劃。在亞歷克斯身上，我們看到的是人與異己社會的強烈對峙，亞歷克斯以其特立獨行的方式來反抗所謂的文明社會，但是即使他用盡全身力氣也無法沖破文明的樊籠，最終不可避免地被社會意識形態所規劃，然而按照社會需要所改造的人卻又無法融入社會，個人始終處于與社會格格不入的境地。這就是影片《發條橙》的悲劇性之所在。

一、人與異己社會的對抗

在西方文學史上，把文明和社會看作是人的異化產物的觀點由來已久。從英國古典政治經濟學到霍布斯，從費爾巴哈到馬克思，“異化”一詞的內涵經歷了多次詮釋和演繹。異化的哲學含義首先是由費希特確定的，“即主體在自己的發展過程中，由于自身的活動而產生出自己的對立面，這個對立面作為一種外在的、異己的力量與主體對立。”［2］人類創造了社會和文明，但是社會和文明卻日益成為一種外在于人類的獨立力量，束縛人類的發展，與人類主體相對立。在西方文學史上，許多作家都對“異化”主題進行了深刻的表現和探索，《發條橙》即是反思該主題的又一力作。

在傳統文學和電影中，“人與異己文明的關系總是通過一些相對固定的模式（人物、情節等）體現出來。社會或者是冷酷無情地挫傷了年輕人的奮發努力，或者是讓老年男女遭到慘無人道的拋棄；或者是阻止不同階層的人相愛，或者是讓兄弟反目，親人為敵相互殘殺。”“作家們往往把善良、富于感情、正直等美德賦予屬于個體的人，而把文明、社會等塑造成一種邪惡的體系，一架摧殘人的美德和人性的惡魔機器。”［3］203人與異己文明的對立主要表現為崇高的個人與惡魔般的文明、社會體系之間的對立。例如電影《羅密歐與朱麗葉》，作者賦予了羅密歐和朱麗葉極為真摯的感情――愛情，但是這種崇高的感情卻因為家族仇恨而被禁止和摧殘，即使羅密歐和朱麗葉的抗爭以失敗告終，他們的毀滅也帶有悲劇性的崇高和壯烈。而在《發條橙》中，導演庫布里克則給我們展示了一種新的個人對抗異己社會的方式――以對“壞”的選擇來對抗“好”的社會。

在充滿暴力與性的未來社會里，亞歷克斯和他的同伴無惡不作，毆打醉酒的乞丐，與其他流氓團伙斗毆，婦女，謀殺“貓夫人”……然而，亞歷克斯并不認為自己的行為有何不妥。在他看來，他不過是依據本能欲望行動，泄欲是他活著的意義，作惡則是他的個性和生命力之所在。在影片中，除了亞歷克斯的卑劣行徑之外，讓我們印象深刻的還有無處不在的古典音樂，尤其是貝多芬的交響曲，始終伴隨著亞歷克斯的行動，貫穿于電影始終。羅曼•羅蘭在他那本著名的貝多芬傳記中這樣描寫盛年的貝多芬：“他完全放縱他的暴烈與粗狂的性情，對于社會、對于習俗、對于旁人的意見、對一切都不顧慮。……所剩下的只有力、力的歡樂，需要應用它，甚至濫用它。”［4］在這層意義上，亞歷克斯與貝多芬有著驚人的相似，不顧他人的意見，只憑性情行事，只不過貝多芬將激情融入了音樂，而亞歷克斯的個性和生命力則外化成了卑劣行徑。亞歷克斯并非不知道自己的所作所為有多惡劣，但是他依然主動選擇放縱激情和欲望，做一個惡棍，因為他不想被動地被體面的社會選擇做一個好人。“他的壞，恰好是他的個性所在，是一種極端的對自由和人性的追求。”［3］207亞歷克斯正是以對“壞”的選擇，以對自由和人性的極端追求，來對抗“好”的異己社會。

二、“異化”的悲劇

亞歷克斯用一種極端的方式來反抗異己社會對人的壓迫和窒息，但是就算他用盡了全身力氣，也難以沖破文明的桎梏，不可避免地被意識形態所改造和規劃。在殺死“貓夫人”之后，亞歷克斯被警察抓住并投進了監獄。為了早一點兒出獄，亞歷克斯主動要求嘗試一種新的科學實驗，接受改造治療。在治療過程中，醫生先是給亞歷克斯注射藥物，然后給他穿上束縛衣，用夾子夾住眼瞼，強迫他觀看各種暴力和的影片，讓他一見到女人就痛苦惡心，一見到打架斗毆就想吐。在完成一個療程以后，亞歷克斯當眾在舞臺上展現了一次治療效果。一個兇惡的男人對他百般挑釁和侮辱，但是身體的痛苦抑制了他毆打這個男人的沖動，“順從地”舔舐男人骯臟的鞋底。當一個的漂亮女人走上臺來，他腦中閃過的念頭“就是想把她壓在地上，和她抽送”，但是“突然惡心的感覺一閃而現”，他控制不住地嘔吐起來。亞歷克斯不再是一個能夠進行道德選擇的人，身體的痛苦抑制了作惡的欲望，他只能選擇向善，或者說，除了向善，他別無選擇。純粹的善取代了純粹的惡。隨著治療和改造的完成，亞歷克斯用對“壞”的選擇來對抗“好”的社會的行動的權利也被取消了，他無力再與這個異己的社會作抗爭，被迫成為這個體面社會所要求的良好分子，茍活于世。個人的抗爭在龐大的社會和文明面前，顯得如此微不足道。象征著人性和生命力的貝多芬交響曲，也從亞歷克斯曾經的最愛變成了難以忍受的魔音，人性和原始生命力被殘忍地了。

體面的社會按照自己的需要將亞歷克斯改造成了一個“好人”，然而諷刺的是，被改造成好人的亞歷克斯卻無法再融入這個體面的社會。當他是個為非作歹的小流氓的時候，他的生活沒有絲毫不適，相反，從某種程度上說，他比許多人過得更有激情，更稱心如意。可是，當亞歷克斯作為好人重返社會的時候，他反而無法正常地生活。當他回到家里時，發現自己的房間已成為他人的臥室，連自己作為兒子的身份也被侵占，父母疼愛他人勝過喜愛自己。當被老乞丐毆打時，身體的痛苦使他無力還手。當被以前的同伴溺水時，他也不再有以前的兇狠，只能默默承受。當被作家亞歷山大折磨時，他也別無他法，只能選擇終結生命。在他與社會之間，無端多出了一道無法逾越的屏障，將他隔離在社會正常生活之外，把他逼得走投無路。

面對異己社會的壓迫，作為個體的人不得不掙扎和反抗，然而在龐大的社會體系面前，個人的抗爭又是那么微不足道，根本無法撼動社會和文明的根基，因此，個體不可避免地會遭受失敗的結局，被納入社會意識形態的整體框架。當社會以強權的形式改造了個體以后，個體卻反而不能融入社會，無法正常地生活。作為個體的人與異己的社會和文明，始終處于這種格格不入的境地。個體在強大的異己社會面前無所適從，找不到出路。

三、存在的問題：對抗方式的合理性

面對異己的社會和文明，亞歷克斯采取了一種新的方式來與之抗衡，他的悲劇也不禁讓人扼腕嘆息，但是這里面也存在著一個不可忽視的問題：亞歷克斯采用的方式是否合理。亞歷克斯以放縱自己的欲望，以對“壞”的選擇的行動來反抗社會，表面上看來沒有什么問題，但是如果仔細思考一下，我們不禁要問，難道因為反抗的對象是龐大的異己社會，他的胡作非為就能夠被接受和包容嗎？難道因為他的結局是悲劇的，他之前犯下的罪行就能一筆勾銷嗎？難道他對自由和人性的極端追求只能以作惡的方式來實現嗎？

在影片里，導演有意將觀眾的注意力引向后半部分，即亞歷克斯接受治療及之后的遭遇，強調亞歷克斯的悲劇結局，以此來強化影片的主題思想。而對于前半部分亞歷克斯的卑劣行徑，導演則采用了一種美化的方式來展示，以致許多觀眾都對亞歷克斯的遭遇深表同情，而忽視了他之前的罪惡。《發條橙》被認為是“暴力美學”的代表作之一。所謂暴力美學，就是“以美學的方式，詩意的畫面，甚至幻想中的鏡頭來表現人性暴力面和暴力行為”［5］。與暴力美學相關的一類作品有著共同特征，“那就是把暴力或血腥的東西變成純粹的形式。”［6］在影片中，亞歷克斯的暴力和都是以舞臺化的形式表現出來的，仿佛那只是一場游戲，不是真正的施暴。例如，比利男孩在一個破敗的劇場折磨一個可憐的女子，就像一臺正在演出的舞臺劇，之后雙方的斗毆也像是在表演，夸張的肢體動作，配合歡快的芭蕾舞序曲，對觀眾造成強烈的沖擊。導演有意讓觀眾跳出影片，制造出一種圍觀的效果，將施暴表現為一場游戲，把暴力本身消解為純粹的形式美感。又如，亞歷克斯在折磨作家時，一邊優雅地唱著《雨中曲》，一邊野蠻地施暴，他對作家的踢打，更像是配合樂曲的舞蹈動作。在這里，音樂原有的道德凈化力量成了亞歷克斯實施性與暴力的點綴。導演用非常規的肢體動作和音樂的普世道德力量沖淡了亞歷克斯施暴的罪感。

對于為什么要以疏遠和美化的方式來解決暴力問題，庫布里克解釋說：“這大概是因為，不論在原著還是在電影里，故事都是由Alex敘述的，所有事情都通過他的觀察得到的。由于他對于自己做了什么有自己獨特的視角，這或許會對疏遠暴力有一定作用。”［7］在筆者看來，這可能只是一個借口，或許正是因為導演庫布里克看到了亞歷克斯采取的方式是不合理的，才用疏遠和美化的方式來消解亞歷克斯的邪惡，將施暴轉化為游戲，用這種“投機取巧”的形式掩蓋影片存在的問題。事實上，對人性和自由的追求，不一定非要以作惡的形式表現出來；激情和生命力也不是只能通過實施暴力來釋放。亞歷克斯完全可以像貝多芬一樣，將人性和生命力融入音樂之中，或者通過其他體面的、道德的途徑來對抗異己的社會和文明。

四、結 語

作為個體的人與龐大的異己社會和文明總是處于格格不入的境地，而個體的抗爭總是會被社會的強權所消解。在異己社會面前，不是每個人都擁有亞歷克斯的反抗精神。但是，即使反抗的激烈如亞歷克斯，也無法逃脫被社會規劃的命運，這就是電影《發條橙》要為我們展示的現代悲劇。

［參考文獻］

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［6］ 郝建.“暴力美學”的形式感營造及其心理機制和社會認識［J］.北京電影學院學報，2005(04).

篇5

【關鍵詞】幼師英語教學 英語話劇表演 有效運用

【中圖分類號】G【文獻標識碼】A

【文章編號】0450-9889（2014）02B-0107-02

近年來，社會對學前英語教育越來越重視。由于幼兒學習新語言的接受能力極強，家長們也越來越注重培養孩子從小學習英語。幼師學生將來肩負著培養幼兒英語學習的重任，社會對幼師畢業生的英語專業知識和文化素養的要求也越來越高。然而，現實中大部分報讀幼師的學生，文化基礎尤其是英語基礎相對較差，學習能力有限，很多學生往往更注重彈唱跳演這些才藝的學習，輕視文化課的學習。盡管幼師學校英語教學面臨一定的尷尬，但也并非無計可施。通過比較分析，幼師學生與其他中職學校學生最大的區別是：幼師學生有音樂、舞蹈和表演方面的特長，在英語學習中較其他中職學生多一分優勢。本文根據幼師學生的這一特點，通過分析英語話劇表演的概念及優點，探索幼師英語課堂中有效運用英語話劇表演的教學方式，寓教于樂，寓學于樂，激發學生學習英語的興趣，培養優秀的幼兒英語教師。

一、英語話劇表演及其優點

所謂英語話劇表演，是指以英語對話為主的戲劇表演，主要敘述手段包括對話和獨白，還可以使用音樂、歌唱、道具等來輔助表演，通過創設具體生動的場景，激起學生學習英語的熱情，從而引導學生從整體上理解和運用語言。普通課堂上的話劇表演并不完全等同于電視節目上的戲劇表演，課堂話劇比較輕松、隨意，可有人指導，也可自己摸索。話劇表演在英語教學中有以下優點：

第一，能夠充分調動學生的英語學習興趣。很多中職學生的表演欲和集體榮譽感都很強，一旦有表現的機會都想給教師和學生留下好印象。他們會傾盡全力做到最好，發揮自己的潛能，積極參與到課堂上來，使課堂教學組織形式由枯燥單調變得豐富多彩，生動有趣。

第二，有利于提高學生口語表達能力，糾正錯誤發音以及提高聽力。話劇表演首先要求學生看得懂，明白劇情的來龍去脈，口語相對弱的學生會主動請教口語好的學生，糾正錯誤發音。在對話表演的過程中，觀賞者努力傾聽表演者的對話。對學生來說，這比直接聽著念課文有趣多了，無形中也提高了聽的能力。通過話劇表演，學生在聽、說、讀、譯、記等方面都得到鍛煉，從而提高交流與交際能力。

第三，幫助學生樹立信心，提高膽量。在表演的過程中，學生會達到忘我的狀態，不知不覺地忽略了觀眾，盡情地享受表演。實踐證明，隨著在眾人面前表演和說話的次數增多，學生逐漸變得開朗、大膽起來。

第四，有利于培養學生的創新能力、動手能力及團體協作精神。英語話劇表演在英語教學中的運用有利于開發學生的潛能，這種教學活動形式，使教師與學生有全新的感受，學生不僅參與程度高，而且學習熱情高漲，對知識的理解和領會更深刻，發揮極大的主動性和創造性。比如對文段對話的修改，對劇本的編寫，對各種情境的創設及人物表情動作的把握，對道具的制作及運用，學生通過查找相關資料，增強動手能力，改變過去教師一味灌輸知識的狀態，還給學生屬于自己的舞臺。

第五，有利于增強學生的個人魅力，培養學生的藝術審美能力與鑒賞能力。在表演中，學生會盡力演好自己扮演的角色，努力向觀眾傳達他們所詮釋的人物角色和人物心理，有助于學生表演能力的發展。通過觀賞同學的表演，根據自己對劇本人物的剖析，對表演者進行評價，交流心得，有利于培養學生的審美能力與鑒賞能力。因此，在教學中，教師可以選取一些精彩的片段讓學生進行課本劇表演和對話，或者指導學生自主選擇劇本文段，把英語融入自己的表演中，在表演中學習英語，在學中取樂，樂中學習。

二、英語話劇表演在幼師英語教學中的有效運用

并非每一授課內容都適合采用話劇表演，因此，教師首先應指導學生選擇合適的課文片段進行表演；其次，成立小組相互協作查閱資料，劇本定型，再讓學生推選表演角色；再次，指導學生根據劇本進行表演。為保障話劇表演在幼師英語教學中得到有效運用，應做好以下幾個環節：

第一階段：動員階段。在此階段，教師應盡最大的努力調動全班學生參與活動，讓學生切身體會到表演對于個人的成長及英語學習的重要性和實效性。根據學生的特點以及對英語的掌握程度進行分配形成小組，4至6人一組，分好組選出小組長，小組長通常是英語口語基礎和協調能力優者為上。

第二階段：準備階段。在此階段，如何選取合適的劇本很關鍵。英語教材中，我們會發現許多“劇本”，只要是兩個人以上的對話就可以成為一個很好的劇本。或者在網絡上有很多適合學生的實際水平，同教材內容有聯系的劇本，還有個別有才華的學生甚至自己會編寫英語劇本。本文中闡述的話劇表演例子就是學生在網絡上自主查找選取的材料。以“荊軻刺秦王”（ The man wants to kill the king ）、“音樂之聲”（the sound of music）、“同桌的你”（my deskmate）、“羅密歐與朱麗葉”（Romeo and Juliet）等文段為例，學生對所選文段進行研讀，也可根據實際表演的需要適當地增減角色及修改對白。學生在課余時間查找資料，研究角色，尋找或制作相關道具，自主討論分配角色進行排練。

第三階段：表演階段。學生表演時充分發揮個人才能，展現不同的風采。同一個小品各組之間的表演風格也不盡相同，比如“荊軻刺秦王”文段比較搞笑，有些同學喜歡英式發音，有些喜歡采用美式發音，各種風格摻雜在里面，表演荊軻的學生還自主用紙制作了匕首，秦王貼了胡須，學生夸張的表演，引來陣陣歡笑。“音樂之聲”中學生選取了有歌曲舞蹈The Lonely Goatherd的文段，表演富有趣味性和藝術性。而話劇“同桌的你” 選取的音樂采用了自作的簡易英文版“同桌的你”， 由組員演唱。故事通過回憶讀書時期同學間搞笑的片段，又表演出了主人公的同桌畢業后成為鄉村教師救助孩子的動人事跡，催人淚下。又如在“羅密歐與朱麗葉”的片段里，學生對原來的故事結局進行了修改，改成兩人殉情后化做蝴蝶。這些都是學生的二度創作。值得注意的是，在學生表演的過程中，教師要很好的統籌整個局面，因為對于這些英語水平還比較局限的學生而言，出錯或者怯場忘詞都是難免的。

第四階段：評價階段。學生都在乎別人的看法與評價，表演者需要得到他人的肯定來樹立自信心，或者得到他人的指導改進自己。沒有表演的學生就是觀眾，要求學生認真觀看， 參與到評價表演的活動中來，有利于培養學生的參與意識與鑒賞能力。最后教師要及時糾正學生的錯誤發音，并作出最后的評定。值得強調的是，雖然大部分學生的英語說得比較生硬，但在教育中，我們都能體會到賞識教育比批評教育的作用更大。在老師的表揚和激勵下，學生會更加堅定地朝著這個方向前進。

實踐表明，英語話劇表演的運用，為幼師英語教學打開了一個新的局面，但由于受到課堂時間限制，課余需要較多時間進行準備等一些客觀因素的影響，教師在教學過程中不能為了提高學生學習興趣而一味地采取這樣的戲劇表演法，教學時所選擇的表演必須是合情合理，目的明確，可行性強的，應該根據教學內容，適時適當地運用，不能濫用。當然更重要的是要針對學生對英語掌握的程度選擇不同層次的活動，在有效的情境中吸引學生積極參與語言活動，才能夠達到學生愉快地用英語進行交流的目的。

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篇6

［關鍵詞］ 影視服飾； 藝術特征； 表意功能； 文化內涵

長期以來，無論是理論建設還是實際創作，對電影中服裝造型的研究都沒有引起人們的關注與重視。20世紀80年代以來，電影語言的現代化發展得到了質的飛躍，電影藝術對于視覺風格的營造也越來越重視，在觀眾欣賞到的電影中，服裝的地位越來越突出，在電影實踐探索的過程中也向觀眾交了一張滿意的答卷。我國大陸影片《秋菊打官司》《大紅燈籠高高掛》都曾榮獲威尼斯電影最佳服裝設計獎，華語電影《臥虎藏龍》也曾榮獲奧斯卡最佳服裝設計獎，這些獎項都讓我們看到，一部電影的服裝造型設計和它的藝術特征都對電影整體的風格產生催化的作用。服裝作為電影中人物造型的重要手段，它除了是電影創作中的一個必不可少的環節之外，還像場景、節奏、光效、鏡頭等其他造型語言一樣在電影中承擔著表意功能，從而向觀眾呈現出極高的審美意義與藝術價值，在現階段的許多影片中，服裝造型已突破了以往的傳統表現方式，其造型語言逐漸向現代風格轉變。

一、影視服飾的藝術特征

（一）審美特征

電影對服裝美學價值的要求越來越高，服裝也逐漸成為許多電影中吸引觀眾視線的一個閃光點，尤其是服裝的獨特個性和呈現出來的裝飾美都是設計師們一直追求的。影片《花樣年華》中，女主角張曼玉總共換了23件旗袍，影片中的她是一名冷香端凝的已婚女子，從開頭到結尾，她的身體都被那23件花團錦簇的旗袍包裹得密不透風，華美的旗袍令人炫目，片中的她因不同的旗袍顯得時而憂郁、時而悲傷、時而雍容、時而大度，她每穿著一件旗袍都顯示出她內心的情感，雖然旗袍不間斷地換，但她身上成熟柔美的氣息是無法換掉的。電影《無極》中的服裝造型所呈現出來的是一種“形式美”，造型師通過對圖案、色彩的運用來給服裝寓意，從而刻畫出人物的性格與細節特征，豐富鏡頭畫面的變化。電影中男主人公的服裝色彩采用的是紅色調，他所穿的盔甲是紅色的，以此凸顯他的高大威猛，盔甲上所繡的圖案是條紋狀的，代表著他沉穩的性格，他的服裝造型在沉穩中透著艷麗，其整體色彩和諧統一。影片中女主人公正值豆蔻年華，穿的是白底繡花裙，純白的底色中透著粉粉的暖意，體現出的整體造型纖細柔美，亭亭玉立。電影中男女主人公的服裝造型與色彩截然不同，形成剛柔與紅白、深淺、濃淡的鮮明對比，通過色彩的反差與服裝的形式美感沖擊著觀眾的視覺神經，產生既對立又統一的視覺效果。

（二）表意特征

表意功能指的是電影中服裝造型的一種思維方式，它體現了設計者對電影中故事情節、時代背景、人物形象的主觀理解，并通過服裝這一表現形式將其中蘊涵的象征、隱喻呈現在觀眾眼前，服裝是電影語言不可或缺的有機組成部分，尤其是它所呈現出來的色彩有著象征和隱喻的表意功能。改編于莎士比亞著名戲劇作品《羅密歐與朱麗葉》的電影中，男主人公羅密歐家族的穿著多為冷色系的深綠色、藍色和紫色，象征著這是一個古老久遠卻已經沒落的家族，而女主人公朱麗葉家族的穿著則多為暖色系的紅色、橙色和黃色，象征著這是一家狼子野心的暴發戶。電影《英雄》中，設計者用顏色代表著各種情懷，白色是美麗的死亡，藍色是最崇高的較量，紅色是最炙熱的生命，綠色是最寧靜的回憶，黑色是最博大的胸懷，它們充分發揮了服裝色彩在影視作品中的作用。影視劇《倚天屠龍記》中，那些被男主人公張無忌領導的明教魔頭令我們印象深刻，為了對得起魔教的稱號，設計者將他們的服裝色彩大多采用深綠色，暗示著這些“魔頭”內心的陰暗與歹毒，女二號周芷若的服裝色彩最初是明亮的暖色，但從她繼承峨眉派掌門人后由善變惡，因此設計者也將她的服裝色彩由明亮變成灰暗，由暖色變成冷色，呈現出她角色性質的轉變。

（三）流行特征

服裝的流行元素是促進人們進行消費的一個重要特征，可以說，服裝因流行而存在。在許多被人追捧的經典電影中，其中服裝造型的設計往往作為時尚的風向標，引領著時裝潮流，而這些服裝的潮流也通過電影中人物造型的華麗服裝呈現在觀眾眼前。電影《潘多拉的盒子》中扮演露露的路易絲?布魯克斯在電影中的造型風靡全球，緊跟而來的純潔與魅惑并存的齊眉波波頭成為時尚潮流，引領大眾。電影《上帝創造女人》中碧姬芭澤首次將樸素簡單的工裝女裙穿得美艷動人，變身性感尤物。著名導演阿爾弗雷德?希區柯克拍攝的電影中，女演員大多選用金發女郎，她們都有著矜持的外表，同時也有著外表掩飾下的撩人欲望；她們都擁有冷漠的神情，卻同時擁有一顆火熱的心。

二、影視服飾的文化內涵

（一）影視服飾順應時代背景

服裝是人們日常生活中涉及個人組成的最為重要的一部分，而且它還是一種表現社會活動的形式，它能夠幫助觀眾了解和識別電影中時代與社會的變遷，通過電影中人物穿著服裝的款式與樣式，觀眾就能很容易地分辨出故事發生的年代。我們翻閱歷史就能看見上面記載了人類生命歷程的每一個瞬間，將服裝與歷史合二為一，一部宏大而意義深遠的史詩便誕生了。在人類發展的最初，用來記載歷史、將歷史傳承給后代的載體是書籍，人們將自身文明進程的腳步用生動的語言文字記錄下來，然而語言文字僅僅只是一種抽象、空洞的描述，它所產生的效果遠遠不及視覺化形象那么生動、豐富，在這方面，服裝就有著語言文字無法比擬的優越性，盡管現階段的服裝藝術還不是那么系統、那么嚴謹，但它能將影視作品中的人物形象由平面變為立體、由抽象變為具體。所以盡管經過了時間的沉淀，但仍然有許多歷史人物形象長期活躍在電影屏幕上、一直生活在社會人群中，這正是因為服裝不僅對人物的外形特征，甚至對人物的性格個性都能進行描述與深化，所以觀眾在銀屏上看到的“人”是粗獷的、飄逸的、癡情的、威武的、溫婉的,等等各形各色的人，服裝藝術將他們活靈活現地展示在觀眾眼前，如見真人。

（二）影視服飾里的中國傳統文化

服裝記載傳承著人類的文明歷史，中國的服裝史就是一部中國的文化史，它有形、有色、有聲。古時深衣、背子、襦裙的廓形都充分地描述出中國人的生活、步伐與激情，青、白、朱、玄、黃五種顏色更是涵蓋了宇宙中的金木水火土五種元素，這是中國人以自己獨特的思考觸角對哲學的闡述，除了滿足了人們外在的物質需求外，服裝還體現出華夏五千年的傳統文化，它是華夏民族在特定的時代大背景下各區域習性、風俗、心理等各種因素的綜合表現。在影視劇《貞觀長歌》《雍正王朝》中，對皇帝服飾上的圖騰要求十分嚴格，上面都繡著龍鳳圖形的花紋，龍頭繡在服裝的正面，龍身則盤旋成團而坐，這樣的圖騰具有一定的政治意義，它代表著皇帝能夠穩坐江山。除此之外，還有許多彎曲的線條繡在服裝的下擺，這些線條被稱為水腳，在這些水腳的上面繡著波濤洶涌的水浪，水浪的上方又有許多山石寶物，名謂海水江涯，它寓意著吉祥延綿不絕，同時還寓意著萬世升平和一統山河。除此之外，那些水浪也代表著平民百姓，唐太宗李世民曾說“水能載舟亦能覆舟”，在皇帝的服飾上繡上水波條紋，就是要時時刻刻提醒皇帝百姓的重要，民貴君輕才是治國之道。

（三）影視服飾中的西方傳統文化

古羅馬是著名的文明古國，古羅馬人的裝束一般是先穿上白色的麻布長袍――丘尼卡，再在外面披上寬敞的外衣――托加，托加產生于公元前六世紀前后，解釋為“和平時期的衣服”，它由古希臘時的希瑪申演變而來，只是后來人們將希瑪申的長方形改為了橢圓形，它代表了羅馬人民獨特的高貴氣質，只要看著人們身上穿著的托加，我們就能清楚地分辨出他們的身份地位如何，那時候的托加就好比如今現代社會中的名片，是人們身份地位的彰顯。在電影《埃及艷后》中，女主人公克麗奧佩?托拉穿著的丘尼卡多為顏色艷麗的紅色、黃色和紫色，整體造型也十分貼身，服裝在胸部位置有開衩設計，在顯示出她高貴身份的同時也凸顯出她對權力的貪婪欲望。男主人公凱撒的服裝多為紫色邊飾的托加，那是泰雅紫，供官員與祭司專用，代表著尊貴無比的身份地位，在克麗奧佩?托拉為他生的兒子小凱撒的身上也同樣穿著這樣的托加，充分體現出凱撒對兒子的疼愛，他希望兒子長大后能夠繼承自己所有的權力。

（四）影視服飾中的民俗文化

民俗文化是在特定的時代大背景下不同民族在民間逐漸形成的一種風俗現象，通常體現在道德評價、民間風俗和區域性的傳統民族節日等領域上，而人們在許多節日盛典上對服裝的穿著十分講究，如在祭祀哀悼時，人們穿著的服飾通常為黑白兩色；在婚嫁喜慶時，人們穿著的服裝通常為紅色；在民俗節日時，人們通常穿著繡有連年有余、龍鳳呈祥圖案的服裝，希望以此表達自己對吉祥的祝愿。不同時期的文化思潮也會對電影服裝中的民俗文化產生不同程度的影響，如儒家思想強調的是封建倫理綱常，所以在服裝的色彩上則強調表現出本色，在服裝的面料上表現為對簡樸的主張。此外，還有許多民間傳說、寓言和神話故事構成了設計者對服裝創新的靈感來源，在影視動畫《大鬧天宮》中，相比日本動畫和迪斯尼動畫的造型，影片中的神話人物造型的設計是完全不同的，它們彰顯的是華夏民族的個性魅力與獨特風格，其中孫悟空、玉皇大帝、巨靈神的造型設計都來源于華夏傳統文化中的京劇臉譜、門神、敦煌壁畫、彩陶等，這些都是服裝設計的靈感來源。

三、結 語

電影是一種文化需求，它是為了滿足人們內心對精神生活的追求而誕生的，一部好的電影向觀眾傳遞的不僅是一個故事情節或是它的藝術表現形式，更重要的是觀眾的精神體驗。在《京華煙云》《漢武大帝》《大明宮詞》等影視劇中，我們都能感受到好的服裝不僅能給我們帶來視覺上的審美愉悅，同時還能弘揚我國民族的氣度與精神。服裝本身就能體現出一個民族的精神，它作為影視語言的重要組成部分，在體現劇情背景、表達人物性格等方面都起著至關重要的作用，同時它也是社會文明發展的風向標，它在與電影的完美結合中向觀眾展現了中國文明的歷史發展軌跡。

［參考文獻］

［1］ 孫晴.影視服飾造型藝術淺論［J］.電影文學,2011(04).

［2］ 王諍.影視鏡頭中的服飾文化傳遞［J］.新聞愛好者,2010(05).

［3］ 鄧伍英,鄧美珍.影視服飾的文化符號及社會意義［J］.山東文學,2008(01).

［4］ 彭紅.電影服飾的美感探尋［J］.飾,2006,2(03).

篇7

摘要 《圣經》是全球范圍流傳最廣，印數最多的一本書，西方文學深受《圣經》的影響。但丁、莎士比亞和列夫?托爾斯泰的作品，都有著深厚的《圣經》情結。本文主要從這三位著名作家的作品中，來分析《圣經》對他們的文學創作所產生的深遠影響。

關鍵詞：《圣經》 但丁 莎士比亞 列夫?托爾斯泰

中圖分類號：I106 文獻標識碼：A

作為基督教的圣書，《圣經》是迄今為止世界上發行量最大、影響最廣的一部書，一向被認為是西方精神文明的主要支柱。自中世紀以來，《圣經》有“唯一的書”和“書中之書”的稱號，它滲透到上層建筑的各個領域，成為世界文化寶庫不可分割的一部分。它影響了西方各民族人民的信仰、道德、精神和文化生活。

在很多文學作品中，也能找到《圣經》的影子。《圣經》故事被文學創作不斷引用，《圣經》中所宣揚的仁慈、寬恕和博愛精神，也在很多文學作品中體現出來。但丁、莎士比亞和列夫?托爾斯泰是西方文學史上不同時代的三位大師，他們的作品被后世傳誦，而在他們的經典巨著中，也體現著《圣經》思想的影響。

意大利詩人但丁的長篇敘事詩《神曲》，被認為是世界偉大文學作品之一。全書分三部分：《地獄》、《煉獄》和《天國》，共14233行，分為100個詩章。書中描述但丁在羅馬詩人維吉爾的引導下，遨游地獄和煉獄，到達煉獄之巔時，又得到青年時的情人貝雅特里齊的引導，得見天國的美景。仔細閱讀《神曲》會發現，詩中多處提及了《圣經》人物亞當、亞伯拉罕、挪亞、摩西、大衛、耶穌、圣母、彼得等，對《圣經》中的說教、象征、啟示、福音等，均有詳盡的刻畫和展示。這部作品除了單純的文學意義外，還有寓言的意義。它所描寫的但丁的行程，就是但丁的靈魂的歷史，也就是他的心靈走向上帝的過程，給每個讀者作為規范，幫助他探索一條過道德生活的“直路”，以達到盡善盡美的境地。所以，但丁這部有著宗教哲理和神學韻味的文學杰作，其指導思想與《圣經》神學理論乃是一脈相承的。

莎士比亞的戲劇創作也與《圣經》有著密切聯系。這種聯系主要體現在兩個方面：一是莎士比亞作品對《圣經》典故的巧妙運用；二是《圣經》的觀念和精神（主要指仁慈、寬恕、博愛）對莎士比亞創作的巨大影響。

《威尼斯商人》是一部集中體現仁慈、寬恕和博愛精神的喜劇杰作。全劇以愛情和友誼為主題，貫穿著對真誠愛心的頌贊。安東尼奧是作家著力歌頌的人物，是一個心腸最仁慈的人，熱心為善、多情尚義。在法庭上，他堅持正義，甘愿照約受罰。面對苦難默默忍受，表現出耶穌基督那種死而無怨的美德。顯然，莎士比亞在這里，更多地以理想的基督徒為模型，塑造了安東尼奧這一藝術形象。同樣，在莎士比亞的早期悲劇《羅密歐與朱麗葉》中，那位幫助一對青年情侶結合的勞倫斯神父，就是仁愛的象征。劇作結尾時，正是由于他的勸說，兩個世代相仇的家族才言歸于好，這種寬恕與和解的基督教精神，與古希臘悲劇中冤冤相報的復仇觀念形成鮮明的對比。

莎士比亞在其作品中對《圣經》故事的引用之多，使他成為引用《圣經》典故的大師。莎士比亞通過閱讀《圣經》不僅獲得了他所需要的知識，顯然也領悟到了宗教改革家們的思想精髓。莎士比亞作品與基督教及其《圣經》的關系，早已為研究者們所關注。美國學者樊戴克曾經作過統計，莎士比亞的每一出戲劇引用《圣經》的平均次數是十四次。莎士比亞劇作常常由于恰到好處地運用《圣經》典故，而使人物形象更加形神兼備，情趣盎然，產生韻味無窮的藝術魅力。在《威尼斯商人》中，夏洛克因安東尼奧放債不收利息，致使自己壓低了高利貸利息，而視其為眼中釘、肉中刺。在第一幕第三場，夏洛克狡猾地借用《創世紀》中的典故為自己狡辯，神情活現地表現出為賺錢不擇手段的極度貪欲，暴露出他希望金錢“像母羊生小羊一樣地快快生利息”的深層心態。這樣，莎士比亞通過巧妙地運用《圣經》典故，突出了人物的性格特征。

19世紀俄國偉大的小說家列夫?托爾斯泰，也是一位虔誠的基督教徒。他的一生追求、他的所有著作，都與基督教信仰有著千絲萬縷的聯系。他的代表作三大長篇小說《戰爭與和平》、《安娜?卡列尼娜》及《復活》，書中都引用了《圣經》中的話來作為題辭。他在《復活》這部小說中嚴厲批判了沙皇專制制度下的官辦教會，認為官辦的教會玷污了基督教純潔的教義。他提倡一種清洗干凈的新型宗教，也就是托爾斯泰主義――宣揚寬恕和博愛，勿以暴力抗惡，提倡道德自我完善。他認為男女主人公聶赫留朵夫公爵和馬絲洛娃精神上的“復活”，正體現了基督教精神的“復活”和人性的復歸。公爵作為一個陪審官，當他在法庭上發現被告瑪絲洛娃，原來正是年青時代被他過的少女卡秋莎時，終于良心發現，開始了一系列的懺悔贖罪活動，最后得到了瑪絲洛娃的寬恕，感受到愛與善的力量。這就表明了《復活》這部長篇小說宣揚的是基督教的博愛精神。

通過對上述三位作家經典作品的分析，我們可以看到《圣經》對他們的創作產生的巨大而深遠的影響。這些影響在他們的作品中深刻地體現出來。因此，當我們欣賞這三位大師的作品時，很好地領悟《圣經》的精神能幫助我們更透徹地理解這些作品的深遠意義。同時我們也要看到，《圣經》是一座文學寶庫，一份寶貴的歷史資料。《圣經》帶給我們無窮的思想價值、文學價值和史學價值。可以說，不了解基督教《圣經》文化，就很難很好的了解西方文學的本質。

參考文獻：

[1] 姜華：《〈圣經〉對莎士比亞之影響》，《昌吉學院學報》，2008年第4期。

[2] 朱維之：《基督教與文學》，上海書店，1992年。

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[關鍵詞] 《圣經》；英美文學；影響

一、引言

英美文學是世界文學非常重要的一個組成部分，其具有《圣經》和希臘、羅馬神話這兩大傳統的根基，英美文學如果離開這兩大傳統根基那么就無從談起。其中，兩大根基之一的《圣經》對于英美文學的影響是非常巨大的，《圣經》是基督教的圣書，其由《舊約全書》和《新約全書》這倆個部分組成，自從中世紀開始就出現了“書中之書”和“唯一的書”的稱號，而且《圣經》在世界文學寶庫內也具有非常重要的地位，其在英美的流傳是非常廣泛的，而且具有非常深遠的影響。《圣經》是世界古典文庫非常重要的組成部分，其內容獨特、形式多樣、卷帙浩繁、意蘊深邃，其對于英美文學史的形成具有非常大的影響，可以這么說，如果沒有《圣經》，那么就要重新撰寫一部英美文學史。本文對《圣經》對英美文學的影響進行了探析。

二、在很多英美文學作品中都以《圣經》作為重要素材

在西方，尤其是英美等國的作家，在進行文學創作的時候常常以《圣經》作為重要的素材。長詩《貝爾武夫》是英國文學史上最古老的作品之一，在這部著作中就談到了上帝，而且說該隱的后裔含有妖怪格蘭代爾，而在《舊約全書?創世紀》章中就有該隱的故事，在《圣經》中說上帝創造出的第一個男人和亞當和第一個女人夏娃的兒子就是該隱，他因為嫉妒，誘殺了弟弟亞伯，這使他成為了世間的第一個罪人，因此在《貝爾武夫》中將嗜血成性的格蘭代爾說成是該隱的后代，這和《圣經》的精神和相符合的，因此可見《圣經》對英國文學著作的影響。類似于《貝爾武夫》這類以《圣經》作為素材的文學作品在英美文學中是非常之多的，比如彌爾頓的《失樂園》、惠特曼的《草葉集》中的《亞當子孫》等都屬于此類的作品，由此可見，《圣經》在英美文學的創作中發揮的巨大作用。

三、《圣經》中的詞句或人名被直接引用為英美文學作品的標題或者人物名稱

為了渲染作品的氣氛、奠定作品的基詞而直接援引《圣經》作為題目，在英美文學作品中的例子是非常多的。例如美國作家廉?福克納的作品《押沙龍，押沙龍》就是非常明顯的例子，其講述了一個具有雄心壯志的要發家立業的人，但其一生卻只是慘淡經營，人生較為示意，這是一個悲劇的故事。在這部作品中，作者福克納想要表明現代文明解體的根本原因是人的墮落，人心目中的恨壓倒愛，從這個角度來看，作者使用《圣經?舊約全書》中的“押沙龍”的名字作為其書名，其寓意可謂至深。在《圣經》關于押沙龍講述的也是一個悲劇的故事，福克納認為人性的丑惡是導致這種悲劇的主要原因，如果人性不進步，那么悲劇的故事就會重演。因此福克納援引《押沙龍，押沙龍》作為題目具有統領全篇的效果。

四、《圣經》的觀念和精神對于英美文學作品的創作具有重大影響

圣經》的觀念和精神對于英美文學作品的創作具有重大影響，例如，“替罪羊”在世界文學中反復的出現，被無數的作家使用，而這一文學原型就是源自一個宗教的典故。在《圣經》中說，上帝為了對亞伯拉罕的忠誠進行考驗，叫他將他的獨生子以撒帶到一個指定的地方，并將其殺了獻給上帝，而正當亞伯拉罕要將以撒用刀殺了之時，出現了一個天使對他進行組織，說“我現在知道了你對上帝的敬畏，在前面的林子有一只羊，你可以殺了羊來祭獻給上帝，亞伯拉罕將羊殺了代替以撒祭獻給力上帝，于是“替罪羊”這一文學原型就出現了，并且在后世的文學創作中被多次的使用，比如霍桑的代表作之一《紅字》中有白蘭這樣一個人物，其最終的回歸將替罪羊原型的主要特征很好的體現了出來，這也很好的體現了《圣經》對于英美文學作品的影響之深。再如，仁慈、博愛、寬恕的基督精神在《圣經》中始終鮮明的貫穿著，而偉大的文學家莎士比亞的著作將《圣經》中的博愛思想體現的非常鮮明，其作品《羅密歐與朱麗葉》被譽為“愛”與“美”的頌歌，另一部作品《威尼斯商人》也集中的體現了博愛、寬恕的精神，這也體現出了《圣經》對于英美文學的影響之深。

五、總結

《圣經》這樣巨著，其內容非常的豐富，而且文體多樣，其本身就體現出了非常高的文學成就，縱觀英美文學史，其很多地方都流露著《圣經》的身影，由此可見《圣經》對于英美文學的影響的影響之深，本文對《圣經》對于英美文學的影響的影響進行了探析，主要探討了很多英美文學作品中都以《圣經》作為重要素材、《圣經》中的詞句或人名被直接引用為英美文學作品的標題或者人物名稱、《圣經》的觀念和精神對于英美文學作品的創作具有重大影響這三個方面，其實《圣經》的影響更廣，需要我們進一步的探討。

參考文獻：

[1]謝莉.《圣經》對英美文學的影響.《文學教育（上）》.2012年5期.

篇9

ぃ酃丶詞］ 《諾丁山》；唯美；感悟

一、故事梗概

諾丁山，英倫一個美麗街區，有著午后溫暖的陽光和童話般愛情故事發生的浪漫土壤。 William經營著一家生意慘淡的旅游書店。自從離婚后，他的愛情生活一片空白，還要忍受行為怪異、不修邊幅的室友斯派克。Anna是美國著名的好萊塢影星，她的玉照出現在各個雜志的封面上，一舉一動都受到全世界的關注。在好萊塢呆膩了的她，來到異國他鄉的倫敦尋求刺激。 一個平淡無奇的星期三，Anna走進William的書店里，她優雅的姿態給他留下了深刻的第一印象。接下來兩人墜入愛河……

二、唯美的情感期盼

編劇理查-科蒂斯說過:“我有時躺在床上不能入眠，便會浮想聯翩：如果我到一個經常吃飯的朋友家里，帶了一個著名的人，麥當娜或其他人，情況會是怎樣的？我的朋友會怎樣反應？誰會裝酷？在吃飯期間會怎樣？他們事后會怎么說？這就是這部電影的切入點：一個普通人與一個著名的人不可思議地相遇，他們的生活會變得怎樣？”

或許大部分人認為影片中的愛情故事在現實中是不會發生的，因而大明星Anna普通卻唯美純真的愛情更令我們深深為之感動。本來以為像Anna 那樣的大腕明星多半會把愛情建立在利益和名譽之上，而她卻選擇了一個再普通不過的男人。以她的身份而言，她顯然是有很多選擇的。換做演藝圈其他女性可能不會這樣做，因為婚姻在一些女性看來是一個改變命運的機會，當然還是希望這樣的機會可以使她們扶搖直上。 Anna喜歡William,是因為他和他周圍的人活得真摯、淳樸、簡單、快樂。Anna是一個年輕貌美的電影明星，然而光環的背后是太多無奈和苦楚。 例如，影片中有一個情節展現的是William和Anna去餐廳小坐，聽到鄰桌有人正在高談闊論，對Anna進行評頭論足。有個家伙先是說Anna的氣質十分吸引人，后來就說她像大多數女演員一樣，十分隨便，人盡可夫。這對Anna是莫大的傷害。人們看到的只是她華麗表面的榮耀，而很少有人知道榮耀背后的辛酸。以至于在William妹妹的生日聚會上，當每個人說出自己的心酸故事以證明自己是最失敗者，Anna的真情表露卻被大家認為是一場精彩的表演而已。Anna內心渴望得到他人的尊重和愛，而不想只是成為人們茶余飯后的談資。正是這樣的大明星Anna， 和一個離婚了的、沒有任何“前途”的、被朋友戲稱為“軟蛋”的William相愛了。他們之間看似有著天壤之別， 但又有著共同之處，即都是渴望愛與被愛的世間凡人，因而也喚起了我們對于男女主人公唯美愛情的期盼。

三、唯美的心路歷程

電影《諾丁山》以其浪漫幽默的愛情故事、燦爛明朗的影片格調榮獲當年最佳愛情喜劇 。盡管只是個現實中根本不可能發生的美好童話，但是每次聽到朱麗亞•羅伯茨哽咽地說出 “Im just a girl standing in front of a boy,asking him to love her…”這句話時都會莫名其妙的感動。茫茫人海，相遇是緣，人生總有許多的邂逅和相識。愛需要勇氣來面對流言蜚語，每一朵愛情玫瑰的綻放都那么難能可貴，所以每一段愛情故事才會如此動人。

影片用藝術的模式演繹了很多我們或許經歷的情感歷程。當William在自己的書店,無意間看到紅極一時的明星Anna在他的書店，十分驚訝，他不敢相信自己的眼睛,更不會想到他們會再次相遇。William送走Anna后，出門去買了一杯飲料端著回書店，結果在街道拐角撞到了Anna，打潑的飲料弄濕了Anna的衣服。此時他們或許覺得這應該是上天安排的緣分。 William第三次見到Anna,他們已經決定開始一段感情。Anna來給William的妹妹過完生日后,二人偷偷進入一個私人花園，然后坐在花園里暢談著。花園里氣氛溫馨、恬淡，是我們最喜歡的。當William看到Anna被她美國的男朋友吻的時候,他的心都碎了。他不知道她有男朋友,很顯然他已經愛上她了。Anna因為風波無處可去，就來到了William家，他收留了她,然后二人的感情到達了。得知Anna來英國拍戲，William 興沖沖去找她，當聽到Anna對別人說自己只是她的一個普通朋友,William徹底地絕望了,然后悄悄離開了。 Anna回頭來找William,問他是否還愛著她,他的心已經死了,所以拒絕了她。 令我們慶幸的是影片最終向我們展示了一個完美的結局：男女主角相偎在他們曾經流連過的長椅上，女主角聳起的腹部說明兩人的結晶即將出生。

最重要的是影片展現的近乎完美的愛情感受。邂逅，生活中或許缺少，抑或沒有，但是電影向我們呈現了；愛情，生活中可能平淡，也可能絢爛，電影中我們體驗了。在諾丁山的一家書店，我們見證了什么叫怦然心動，平淡的生活因為這小小的一面之緣而變得激情。很多人可能抱怨影片中愛情只是童話，現實中不可能出現，那是因為自己的生活中就根本未曾擁有過這樣的激情。

四、唯美的音樂、對白

看慣了驚心動魄、蕩氣回腸的歐美電影，而此部《諾丁山》畫面舒緩，背景音樂意味深遠，對白真切、簡潔、幽默、感人，正是這部電影的經久不衰的魅力所在。如當William的妹妹第一次看到大明星出現在面前，“我X”脫口而出以及她獨具特色的裝束，使這個人物的生活層次與性格立刻鮮明了。貝爾夫婦不相信大明星會光臨寒舍，說道： “Can the most famous film star in the world fall for just an ordinary guy?”為影片增添了歡快的元素。朱麗亞•羅伯茨在平民的生日聚會上說出“I am just a girl,standing in front of a boy,asking him to love me”道出了她的很多無奈。這句話足以讓William悔悟自己錯誤的決定，勇敢地去追逐自己諾丁山之夢。 她和他都盼望有份真正的愛情，愛情面前，人人平等，不論民族，不分貴賤，所以既有西方羅密歐與朱麗葉經典之愛，也有東方梁山伯與祝英臺的傳世之愛。 影片中還有許多經典的電影對白，幽默至極，看后讓我們忍俊不禁。例如，朋友為了使William盡快從失戀的狀態中擺脫出來，為其介紹很多女友。一次在飯桌上，當他的生食主義女友談到蔬菜時，說道：“我們認為蔬菜和水果也有靈魂，所以我們不贊成烹飪，更不贊成直接從樹上摘取食物，我們只吃落在地上的食物。” 又如William拿著一束黃顏色的小花來到酒店找Anna，沒想到酒店里正在舉行記者招待會。助理問William是哪個報社的，他看到桌子上有一本介紹賽馬和賽狗的《馬與狗》雜志，靈機一動說自己是《馬與狗》雜志的。

電影里原創音樂及插曲Diane Warren的“From the Heart”、John McElhone的“In Our Lifetime”、Sharleen Spiteri的“In Our Lifetime”和Elvis Costello的“she”都是經典之作,不僅動聽而且與電影情節配合得很默契。William由于受到愛情打擊，悵然若失地走在街道上，這時一首爵士風格的音樂響起，伴著William失落的神情，走過秋冬春夏，這組畫面和鏡頭濃縮了William對愛由無奈到絕望再到勇敢面對的心路歷程。影片的每一首歌曲都已成為流行的經典。“she” 把本片的情感層次推向了一個嶄新的高度,使這部愛情喜劇讓大家在笑過之后仍有所回味,久久不能釋懷。“she”的演唱者英倫老生Elvis Costello也因此而成名,為億萬歌迷影迷所熟知。 “she”和“Notting hill”一度成為人們心中不可磨滅的經典。 聽著動聽的旋律,賞著唯美的畫面,品著一杯清茶，人生足以。

五、唯美的鏡頭畫面

該片導演和攝影深知“唯美”的感召力，創造了無數精美的畫面和令人難以忘懷的精彩鏡頭，唯美至極。這些溫馨、唯美的畫面讓人感動。感動源于心靈與心靈的融合，思想與感情的碰撞。

劇組選取了倫敦西郊有著異域風情的諾丁山為影片的外景地。 這里是多元文化的融合之地，富人與窮人、葡萄牙人和牙買加人與英國人共同生活在一起，是來自不同世界的人相遇并共存的理想之地。波多貝羅大街(Portobello Road)是諾丁山最著名的旅游商業街，經常有銷售民族裝飾、木雕制品和銀器用品等的特色小店遍布街邊，另外還有畫室、書店及花店穿插其中，成為一道多元文化氣息濃郁的獨特風景線。因而電影在一開始，導演就對諾丁山的波特貝露市場一通狂拍――賣鮮花的、賣水果的、賣蔬菜的、賣小日用品的、賣古董的、賣中國瓷器的、賣廉價首飾的。街道兩旁有好多小店，當然也包括William的小書店。

當大明星Anna和諾丁山小店主William同住事件被記者發現，Anna離William而去后，William悵然若失地穿過波特貝露市場，這時能看見一個個水果攤上草莓又紅又大，綠而粗的芹菜像素色的花在菜床上盛開，雨滴打在諾丁山的石塊街道上發出滴答聲， 短短的一段路程，從風起葉落飄雪又走到三月艷陽，濃縮了一年四季的變遷,真是美輪美奐， 更是貼切地表達了男主人公當時的心境。Anna在William的生日聚會上享受了平民生活的樂趣之后，與William闖入某私人花園，花園清幽與寧靜，美麗至極。William在極度失落的情緒下，緩步走出Anna居住的酒店，坐上一輛公交車，而車身上是大幅的Anna拍的電影廣告。導演和攝影知道觀眾有多么喜愛童話，多么向往童話般的愛情，所以把畫面拍得像童話一樣精美，讓人流連忘返，欲罷不能。

六、結 語

一部《諾丁山》讓觀眾體驗了劇中人愛的滋味，讓我們為愛而陶醉，為愛而癡狂。編劇巧妙的構思，導演唯美的設計，加上朱莉亞•羅伯茨和休•格蘭特出色的演技，將戲中角色刻畫得細致入微，是這部影片的魅力所在。但是影片更多的還是喚起了人們對唯美愛情的向往。愛情的真諦，莫過于讓所愛的人幸福。愛的最高境界，是一種不求回報、默默奉獻、無私的境界。當然，我們之所以感動，還因為現實生活中每個男人女人心中都有一個《諾丁山》式的愛情夢。

［參考文獻］

［1］ 曉茜.鐘情諾丁山［J］.綠色中國,2008(02).

篇10

［關鍵詞］ 經典；超越時空；至死不渝

電影是一門綜合性的大眾藝術，電影通過銀幕塑造審美化的典型、直觀的視聽形象,憑借生動形象的畫面和聲音，憑借直觀性和逼近生活的真實感，再現與反映現實生活。愛情是人類最美好的感情之一，是電影永恒的主題。“在天愿作比翼鳥，在地愿為連理枝”，這種生生世世天上人間的愛情故事，在電影界是備受青睞的一個題材類型，一百多年的電影史，給我們演繹著各式各樣的經典愛情。從20世紀四五十年代的《魂斷藍橋》《羅馬假日》到八九十年代的《布拉格之戀》《泰坦尼克號》，再到2000年后的《50次初戀》《天使愛美麗》，這一部部經典愛情影片為人們奉獻了一個又一個動人心弦的愛情故事。一部優秀的影片不僅能給人奉上一桌視覺的盛宴，最重要的是它能使人得到美的享受和精神上的陶冶。曾經讓1990年的好萊塢影壇為之轟動的電影《人鬼情未了》就是這樣一部當之無愧的經典作品，第一次看的時候收獲的是感動和震撼，第二次、第三次再重新欣賞，仍然是感動和震撼。

《人鬼情未了》是由美國導演杰里•朱克(Zucker Jerry)執導的一部愛情科幻影片，英文名字是ghost,還另有中文譯名《第六感生死戀》《幽靈》，《人鬼情未了》這個名字是最富有深意的，它印證的正是影片的主題――男女主人公之間那種超越生死、超越時空的愛戀之情。

影片中的主人公Sam和Molly是一對相親相愛的戀人。一天晚上他們看戲歸來，受到歹徒的搶劫。在搏斗中Sam中槍身亡，Molly悲痛欲絕。Sam變成了一個幽靈，卻發現朋友Carl是謀害他的主謀，目的是為了竊取銀行的巨款。如今Carl又對Molly展開了追求。為了保護Molly，懲罰兇手，Sam對Carl展開了報復。完成了心愿的Sam終即將前往天堂。在消失之前，Molly終于見到了顯出身形的Sam。兩人緊緊地相擁……單純就故事而言，這部影片并沒有什么特別之處，它的魅力之所以經久不衰，筆者認為就在于以下三點：一是它演出了真情，塑造了一段不圓滿但卻異常美麗的愛情故事；二是那段和影片同時成為經典的背景音樂，那是主人公生死愛情的見證，也是影片的一大亮點；三是主人公穿越生死愛情的紐帶――黑人靈媒Oda Mae Brown，這是影片的另一亮點。

魅力之一：陰陽阻隔不了愛情故事。這是這部影片的主題。Sam與Molly深深相愛，影片中，他們的每一個眼神、每一個動作都傳達著無限的愛意。在他們生前的愛情中，有一個片段給我的印象至深，Molly在深夜難眠的時候做陶器，Sam從后面伸過手來，滿懷深情地擁抱她，撫摸她，兩人共同塑造著新的作品，黏土從他們手中輕輕滑過，濃濃的愛意也從緊緊相扣的十指間緩緩流淌，這時，外面的一切已經不復存在，他們眼中只有彼此，他們盡情享受著相愛的甜蜜。這是影片中最具浪漫氣息和藝術氛圍的一幕。但是，美麗的東西總是不會太長久，Sam說： “當我感到快樂時，我最害怕的就是失去它。”越害怕失去的東西越是難以挽留，這句話，為他們的愛情設了一個轉折符號，為后來劇情的發展埋下了伏筆。槍聲響起，Sam追著匪徒遠去，然后轉身回來，卻發現Molly正抱著自己流血的身體――他，已經變成了一個幽靈，這一殘酷的現實預示著他們人間的愛情已畫上了句號，愛情的下一站，也就是整個影片的中心――人鬼的愛情故事即將上演。曾經看到過這樣一句描寫愛情的話：因為愛情常常是不可預知的，所以它的消逝很多時候也往往不以我們的意志為轉移，如果深愛過，則愛就永遠不會被我們忘記。也許正是因為這種愛情的轉瞬即逝、不可挽留而又不能忘記，它才能打動億萬觀眾的心。

莎士比亞有句名言:愛是一種甜蜜的痛苦，真誠的愛情不是永遠走一條平坦的道路的。那么Sam和Molly的愛情之路就不知道用什么詞來形容更合適了。陰陽相隔，他們欲愛不能，卻又情深義重。Sam死后，Molly想念她，常常一個人發呆，那種無助的眼神、悲凄的表情無不令人動情，而Sam，成為幽靈的他，看到心愛的人傷心卻無能為力無可奈何，他想說的話愛人聽不到，他想抓住她，卻次次撲空，想幫助她卻處處跌倒，這是怎樣的一種煎熬啊！這時我們看到的Sam臉上那種讓人痛徹心扉的焦灼。但愛情的力量是巨大的，這種力量讓死神也為之卻步。為了能幫助自己的愛人，他纏著火車上的幽靈，學會了接觸現實中的東西，這在以后的故事發展中，又起到了關鍵的作用，正是這種本領，讓他懲治了殺害自己的壞人，保護了自己的愛人，完成了在人間未了的心愿，走向了天堂。在離去之前最后顯形，和Molly的告別更是感人至深，那是真正的天人永隔。喜劇不一定來得美麗，而悲劇有時卻挾著華麗而來，讓你愈覺得美麗的破碎的心痛。這段超越時空的生死戀情，帶給我們的也許就是這種美麗的破碎的心痛。

魅力之二：主題曲Unchained melody。南京師范大學影視學科開拓人袁玉琴教授在她的《電影文化詩學》一書中說到：“電影作為一種綜合的視聽藝術，音樂是其重要的敘事手段，在電影眾多表意符號中，音樂具有獨特的表意功能，它對人的情感觸動最敏銳。一些微妙而復雜的情感或情緒，用畫面或語言文字(對白、獨白、字幕等)都難以表達，但用音樂表達起來卻十分準確……” “ oh,my love,my darling，ive hungered for your touch a long,lonely time and time goes by so slowly,and time can do so much …”這首歌的中文名字曾被譯為《永恒的旋律》。作為影片的主題曲，它在影片中一共出現了三次。第一次出現是那個最浪漫的情節片段――男女主人公一起制作陶器，這段音樂的出現，給本來就浪漫的畫面更增添了一份浪漫的情調。在這里，音樂的聽覺形象和畫面的視覺形象天衣無縫地融合在一起，把男女主人公那種柔情蜜意表達得淋漓盡致。主題曲的第二次響起是在Sam附在通靈者Oda Mae Brown身上和Molly相會時，音樂播放的是同樣的旋律，而兩個相愛的人卻是陰陽相隔，兩個人那種痛苦、深情的擁抱，那種對愛人的呼喚與渴望，都凝聚在那一句“Ive hungered for your touch a long”。第一次纏綿是甜蜜的、充滿幸福感的，而這次卻充滿了凄涼、陰冷的味道，這時音樂成了一種媒介，讓人們的思維在時空中來回穿梭，再一次把這段超越時空的戀情推向。樂曲最后一次出現是在影片的結束，當柔和的天堂之光籠罩了Sam,Molly抬起臉，眼中滿含著淚水，目送Sam漸行漸遠，那種留戀、痛苦和絕望，配上那段如泣如訴又華美凄迷而且只保留了旋律的音樂，給人以痛徹骨髓的凄涼，留下的是永恒的眷戀和不朽的經典……“人世間還有比這更讓人心碎的場面嗎？” 這也許是很多觀眾看到此處的感覺吧。

美國著名電影作曲家赫爾曼說過：“音樂實際上為觀眾提供了一系列無意識的支持。它不總是顯露的，而且你也不必要知道它，但它卻起到了應有的作用。”在《人鬼情未了》中，主題曲就起到了這樣的作用，Unchained melody的每一次出現都恰如其分地表現了電影的主題，讓這段超越時空的戀情更加感人。有人曾經這樣說過，不知道是 Unchained melody成就了這部電影，還是這部電影捧紅了這曲Unchained melody。

魅力之三：生死戀情的紐帶――靈媒Oda Mae Brown。男女主人公天人相隔，但又深愛著對方，渴望那種超越生死超越時空的相遇，所以靈媒Oda Mae Brown的出現是《人鬼情未了》中不可或缺的一筆，她為陰陽相隔的一對戀人搭起了一座鵲橋。影片中Oda Mae Brown靠裝神弄鬼而賺取錢財，起初她是自私的，她開始對Sam的幫助也是被迫的，她初次去見Molly遭拒絕時轉身就走，這個動作活靈活現地表現出了她的不情愿；面對400萬的支票，她毫不掩飾她對錢的熱愛之情，但在Sam的催促下，她還是戀戀不舍地捐出了那400萬。最終Sam和Molly的那種至死不渝的愛深深感動了她，喚起了她內心的愛心和善良，她開始心甘情愿地去幫助他們，并且義無反顧，連她最討厭的鬼魂附身她也肯為他們去做，也正是因為有了她的幫助，陰陽相隔的一對戀人在訣別之前才得以相見。她的每一處表演都入木三分，讓人捧腹大笑又讓人感動不已。有了她，男女主人公的生死戀情才得以續演,她是人鬼情的紐帶。另外，她的出現給悲劇影片增添了幾分喜劇色彩，給這一段隔世情緣添上了精彩的一筆。

《人鬼情未了》為我們演繹了一段讓每一個人感動的隔世情緣，肉體雖然陰陽相隔，但精神卻能相通，愛情卻能永恒的故事，再加上優美的音樂，怎么能不令人動情呢？古今中外，這種凄美纏綿的愛情故事不知道打動了多少人的心，又有多少人為情而生，為情而死，恐怕難以說得清了。《莊子•盜跖》里那個為愛情抱柱而死的尾生是中國歷史上第一個有記載的為情而死的青年；雙雙化蝶而去的梁山伯與祝英臺，留給世人的是一段哀婉、一聲嘆息；羅伊和馬拉那段閃電般成熟起來，卻讓一個人因為愛對方而獻出了所有，讓另一個人把這份愛永遠地放在自己的心里的愛情，也不會因故事的結束而消逝；羅密歐與朱麗葉這個被戲劇大師莎士比亞在400多年前用喜劇的形式改編出來的愛情故事，也早已在歷史的長河中沉淀為一部偉大的愛情史詩……他(她)們像《人鬼情未了》一樣，演繹著世間的愛情傳奇。熾熱的愛情，連死亡也要為它讓道，這就是愛的力量。

列寧說曾說過：“對于我們來說，在一切藝術樣式中，最重要的就是電影。”他肯定了電影對人們產生的重要影響。那么像《人鬼情未了》這類經典的影片，它的魅力更是無窮，它用一段經典的愛情故事唱出了人生的悲歡離合，起起落落。銀幕落下，留給人們的是永遠的感動和震撼……

［參考文獻］

［1］ 蒲震元，李勝利，等.電影批評：返向21世紀［M］.北京：北京廣播學院出版社，2002.

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