導語：如何才能寫好一篇瞬間永恒，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

篇1

凍結你的剎那芳華

像絢麗的流星滑落天際

只為那美麗的心愿

雨花石的故事

你的溫度

刻畫在那緊握的瞬間

二

綻放的是你絕美的芳顏

曇花一現

勇氣和決心在此刻顯得那般壯烈

幽谷清泉

只待你回眸的瞬間凝淚

眷屬一段紅塵

三

野草一般頑強

枯萎的瞬間

只為來年的春晨

為你千世輪回

篇2

太陽越出水平面的一瞬,火紅火紅,人的心都要跟著跳動,追著它跑.好美!流星劃過天際的剎那,閉上眼睛,滿心都是虔誠的祝福,希望明天會更好.好美!

母親節那天,媽媽捧著一束夾著女兒得意的成績單的康乃馨,淚流滿面時,我只想世界在這一刻定格。

達芬奇好厲害,她讓蒙娜麗莎的微笑成為永恒的美麗,我卻用心靈的照相機捕捉住了人間的美麗。

(二)

生命,是個奇跡,也像個瞬間。

有的人,他們讓瞬間成為了永恒,像葉欣,像王晶,像魯迅,像小平,像恩來,像桑蘭,像......他們讓山河為之驕傲,讓大地為之自豪,讓人民為之感動。

就如拿破倫說的那樣,"天才注定要像流星一樣燃燒自己,照亮所處的年代"。

踏著偉人的足跡,我多想也用青春和激情來詮釋生命的意義,讓瞬間創造出永恒。

(三)

愛情,始于心靈瞬間的撞擊。

于是,心口清泉丁冬。

平靜/含蓄/溫和成為愛之弦為之撥動的主題,細水長流.......

"我知道的最浪漫的事情,就是和你一起慢慢變老,一路收集點點滴滴的歡笑,等到以后坐著搖椅慢慢聊。我能想到最浪漫的事,就是和你一起慢慢變老,老到哪兒也去不了,你依然把我當成你手心里的寶......"

是啊!執子之手,與子偕老.好美!

篇3

自20世紀80年代中期，《小演員》、《北方姑娘》等一批肖像作品問世以后，楊飛云先生不經意間成為了新世紀中國承襲西方古典藝術傳統的集大成者。而《十九歲》、《喚起記憶的歌》等一批作品的誕生，更豐富了他肖像藝術里的精神內涵。近年來，他對于其人物繪畫里的靈魂精神，又有了更加深入的體認。聽他談藝，如同清風掠過心靈，于循規蹈矩間激發了許多人對于藝術的熱情，看他作品，更能感受到造物的勃勃生機。

賀文慶：（以下簡稱賀）

一般來說，許多的人都是從肖像入手，進入人物畫藝術殿堂的，那么，它們之間是一種遞進關系，還是分屬于繪畫是那個的不同領域？從嚴格意義上怎樣去界定一幅作品是一幅肖像作品？

楊飛云：（以下簡稱楊）

我自己認為肖像畫和人物畫是沒有嚴格區別的，只是題材內容所著眼的點稍有差別而已。如果說《蒙娜麗莎》是達?芬奇筆下一個市民的形象，而德拉克洛瓦的《自有引導人民》不也可以說是19世紀真氣自由的法蘭西人民的集體肖像嗎？硬要去取分意義不大。

但是從藝術分類學上看，人物畫的內容承載的信息要多一些。它本身也是包含了除肖像外的所有的人物繪畫領域，如風情畫、主題性繪畫等等，人與物、人與人在畫面上發生了一種關系，這種關系的組合有的是一個特定的情節，有的是一個生活的片段。當然，無論是肖像還是人物畫在創作中都會注入畫家個人的情感，個人的審美指向。它如果說一定有什么區別的話，我認為肖像畫更多的是挖掘對象本身。在創作過程中，畫家更強烈地強調了其個人獨特的感受。在實施的過程中，是將對象從某一特定的環境中抽離出來，挖掘熱的本質特性，強化天然屬性、個性和精神性，不強調情節性，然后以其獨特的視點學養能力和藝術水準將其升華，畫家將情感深度、心靈品質賦予了肖像或者通過肖像反映出來。其實，許多德畫家在畫肖像的時候，更多的是在和自己的內心對話，而這種近距離的觀察，畫家更能貼近的感受對象本有的氣息。所以，我認為一件肖像作品是更能反映一個畫家的心靈，一個生命對另一個生命的直接體驗。

賀：談到油畫肖像，首先想到攝影，人像攝影在今天無論是從材料上看，還是從手段上看，都是發展了，那么，您覺得一個畫家用油彩這樣的材料去畫肖像，它在當下存在的價值在哪里？

楊：對這個問題從一點上看就已很能說明問題，在人像攝影盛行的今天，仍還有人在畫油畫肖像，社會也還需要它。

藝術是和現象打交道，但現象不是藝術的本質，照相機消除了作品與現實間的距離。工業化時期，當有了照相機之后，就寫實藝術的前途問題，一大批人有過激烈的爭論，但肖像藝術還是因其超越現實的功能而生存了下來。記得吳冠中先生在開放初期，曾在一次美院的講座上說：“倫勃朗在某種意義上起了一個照相機的作用。”暫且不去評價他這句話的片面性。他的這句話明顯是針對17、18世紀歐洲的肖像藝術傳統，有兩點卻被他說中了。其一，那時候，肖像畫主要是有錢有位的人請畫家所作。因為人都有一個追求永恒的內在需要，而畫一張自己的肖像，這種影像的留存也部分滿足了人的這一目的。其二，沒有一個人不是希望被畫家美化，畫家如果能夠抓住定購者美好的一面在畫面上加以升華，這又同時滿足了人的另一種內在審美的需求。

從情感的切入點上看歷史上大師或當下紛呈的肖像畫面貌，是否能說明一個肖像畫創作中的風格問題？

楊：這不是是否可以說明的問題，而只能這樣去分析。

人的獨立價值是西方神學和文化學的重要內容，是不容抹殺的。簡單地說，這世上肯定找不出一個性情、志趣等各種精微情感絕對相同的兩個人。體現在繪畫活動中，每個人都在自覺不自覺地創造一種屬于自己的藝術風格。

從一個畫家的主觀方面看，他的審美趣味、生活經驗、文化教養、藝術修養和個性等都對風格的形成有著直接的影響。從這種意義上說，畫家展示出的風格面貌，乃是其全部人格的具體體現。從客觀方面看，一定歷史時期的社會風尚、政治、經濟、文化方面的傾向，以及由此而形成的對傳統的態度也對一個畫家的個人風格的形成產生一定的作用。雖說畫家的個人風格的形成有可能是一個漫長的過程，但一旦形成，就具有穩定性，反過來對畫家的創作也會起指導的作用。也可以這樣說，它具有那種把一個畫家的個中才能引導向一個既定目標的力量，而這種力量促使一個畫家在觀察和體驗生活的時候有其獨特的視角，然后，用這一獨特的視角形成的話語方式構思或完成一件作品。

一個畫家作品的風格是它的一個在藝術上真正被客觀化、社會化的自我，也因此而有可能以藝術的名義獲得社會的認可，其作品也會因其獨特秉性所賦予的獨創性而成為人類文化傳統中的一部分。

我始終認為，畫家是身處歷史之中，畫肖像也好，畫其他也好，都不能回避或多或少要受到社會思潮和藝術思潮的影響。當這種影響使得一批畫家的作品呈現出相似的特征時，就形成了所謂的流派，或者說流派意義上的風格。比如說古典主義和象征主義，無論是在形式、內容，還是價值取向上就不難理解它們之間的差異了，而同樣古典藝術里即使是同時代的藝術家因其個人的獨特性，在面貌山也是有較為明確的差異。而當畫家的個人風格和某一流派的風格如果是非常有意義的，它就承上啟下，成為人類美術歷史發展過程中獨立的環節。

一個人個性風格的形成是有一個必然因素的。我們今天看倫勃朗、委拉斯凱茲、荷爾拜因和丟勒的肖像，他們都是人類自有繪畫以來所建立起的一座座精神豐碑，可你讓倫勃朗去畫丟勒的那樣一種感覺的畫，他肯定也畫不了，畫得了也畫不出水平。不是因為別的，因為倫勃朗就是倫勃朗，丟勒就是丟勒。

賀：人追求永恒的本質和肖像藝術的產生有必然的聯系嗎？談的時候，您可否從藝術史這個點切入并有一點拓展，這樣不僅理解起來清晰一些，對晚學者也會有一些實質性的幫助。

楊：你問它們之間是否有必然聯系，我認為有，這點是絕對的。我們現在知道，西方有史可查的人物畫是從古埃及開始，在這個被我們稱為人類文明發源地之一的地方。當時人人都是虔誠的宗教信徒，是什么原因不得而知。他們相信“靈魂不滅”，認為肉體死后，只要尸體保存的好，靈魂就可以得到永生。他們把大量的精力花在修建廟宇和陵墓上。在對其進行裝飾美化的過程中，產生了為數眾多的墓室壁畫。其中人們也發現了大量畫在棺木上的“肖像”。它的制作方式今天許多方面人們不得其解。但有一點是可知的，從史料上看，他們繪制肖像的目的是服務于死者對永恒存在的期待。

古希臘時期，其神話中“神人同形同性”的特點使神具有人的面貌和情感。古希臘式的古典美學價值推動了肖像藝術的進一步發展。在對永恒存在的渴望和追問中，在對神靈的頂禮膜拜中，肖像和人體藝術成為探究宇宙神圣秩序，寄托人們理想、思想的重要工具。

與希臘人的有限、靜止而神圣的宇宙觀截然不同，基督教的宇宙觀是一種超絕的宇宙觀。所謂超絕（Transcendent）是指宇宙本身被全知、全能的造物主從虛無中創造出來，在被創造物（宇宙和人）與創造者（上帝）之間，有一種超然而斷絕的關系，后者絕對優于前者。

《圣經》認為凌駕于世界之上至高無上的美是上帝，他是一切美的源泉。但我們稍加留意就會發現，《圣經》在開篇“創世紀”中說神按著自己的形象造了人，之后就從來不提及上帝的形象，而總是用曠野上、在云端中的聲音來代替。但是，人類追求永恒的愿望與上帝和人類超絕的鴻溝，卻被耶穌基督這一人神兼備的形象接續，這就是“道成肉身”。上帝之“道”通過耶穌基督化成了人類的“肉身”，而人類也能夠通過信奉耶穌基督重領上帝之“道”獲得拯救。于是在西方藝術中，渴望表現上帝的呼聲越來越強烈。后來，為了順應人贊美上帝的心聲，在基督教史上，制定于公元325年的尼西亞信經明文規定可以用人的形象表現基督，它的理論根據其實是“道成肉身”的觀念。從而打破了希伯來宗教中“不可制作偶像”的絕對戒律。也由此我們才能理解西方的肖像藝術甚至是整個西方藝術史的獨特面貌和發展軌跡。一方面，制作圣像的傳統與希臘古典美學的“形式”觀念合流，作為條件之一促成了后來的文藝復興運動。另一方面，在尋求象征性地表現上帝神圣力量的過程中，西方藝術杰出地發展了光和色彩，油畫肖像至此才是有血、有肉、鮮活的面貌。這也說明了為什么研究、學習西方從文藝復興這個階段切入就大體上能承上啟下對西方藝術有所了解。因為在文藝復興的肖像藝術中，是將人賦予了一種神性的光輝，有了肯定現實生活的積極意義。肖像藝術也是在此時有了空前的發展。

賀：從歷史上看您指出了肖像藝術的起因和存在的意義。那么，您反復提到的“神圣價值”它有什么樣的屬性，它又是怎樣具體地在畫面中體現出來的？

楊：我認為之所以被稱為“神圣價值”，它是有一個至善至美的標準的。人只能仰望，努力地去接近這個價值目標，但永遠也不可能具有這樣一個完備屬性的境界。

“神圣價值”不是人定的，《圣經》里將圣靈的果子是圣潔、溫柔、善良、公義、信實、節制、寬容......這些我理解就是人身上神圣的品質，在模特兒身上發現并賦予在自己的畫面上就是找到了這個“神圣價值”，至于欣賞，那是觀眾的事。但是，一個人窮其一生去追求也不可能這樣完全，因為人性的罪惡感，所以人才有一種希望借助藝術提升自己形象、完善自己人格的原動力。

無論中國還是西方，早期的藝術都是服務于一種超然的、神性的事業。在后來，藝術家把人的形象理想化，去渴望接近那完美的神，來表達自己內心的仰望、贊美的志趣。發展到近代，由于生產力的發展，熱的審美視域有了更大的拓展，從仰望神到關注神的創造。肖像藝術也就逐漸成了一個獨立的門類。文藝復興時期最大限度地挖掘和贊美了人身上的榮光之美。無數優秀的藝術家也從人身上發現了神性的光輝，在表現的過程中間接地贊美了全能的上帝。

賀：您早期的肖像作品里，能看出您是深受文藝復興藝術的影響，而在您后期的作品里，似乎又更注意從源頭上去追尋，是什么促使您關注的點發生了轉移？

楊：這有點說來話長。上大學的時候，通過一些畫冊對文藝復興的藝術有了粗淺的了解。1984年在國內有看了一個《羅浮宮二百五十年》的展覽。第一次見到了一些大師的原作，很喜歡、也立下志向去追隨。1986年我到非洲去給吉布提總統畫像，回國的時候我想辦法繞道經過了巴黎，第一次系統地見到了羅浮宮賀奧塞博物館等地的藏品。其中有許多文藝復興大師們的精品，我一下就將視線鎖定在了這一區域。因為從視覺上我更喜歡文藝復興時期西方古典藝術里那種富有理想、結構嚴謹、切實可信、深入精微的樣式。回國之后，在這方面就做了一些研究。《北方姑娘》、《十九歲》、《抱玩具的姑娘》、《靜物前的少女》等都基本上是順著這一思路完成的一些作品。

1989年第二次出國是先到的美國，回國之前，也是順道去了歐洲，這次的時間充分一些。歐洲的一些大博物館也幾乎全看了，長了不少見識。這個時候，我受到自己內心和一些外在環境的影響，也希望在畫面上有一點改變，希望自己在古典的樣式里面揉進一些和自己貼近的、現實性的因素。因為那種單純樣式上的東西已不能使我激動了。同時，它也很難喚起我對于繪畫的熱情。帶著這種思考，這期間我畫了《喚起記憶的歌》、《瞬間的靜止》、《夏》、《那時我們正年輕》等一批帶點探索性的作品。其實我一步步地走到今天是很自然的一個過程，我從沒有刻意去求變求新，一切都是順應自己的內心。而每當我在藝術上尋找新的支撐點時，我沒有放棄自己前面的積累。所以經歷了1989年的第二次出國，我在關注文藝復興繪畫的同時，視線也拓展到了印象派、印象派以前和后來的象征主義、結構主義的作品。不再封閉自己，而是比較注意從其他的流派里尋找滋養自己的養分。我要強調的一點就是，1990年回國至今，西方的人文主義思想對我的影響是很大的，在我系統地對西方美術史和西方繪畫所走過的歷程作了一些研究之后，我似乎找到了支撐西方繪畫和我今后要走的道路的根基。

賀：在您的肖像畫里，你今天更看重什么？

篇4

一瞬間的感動，一瞬間的改變，一瞬間的呵護，當然還有一瞬間的悲痛……

痛，到底是什么？次次難受，默默流淚，聲聲怨恨？還是內心的波折，那片漣漪久久不能平靜？

痛，是傷人的？還是感人的？

永恒是真實的？還是假意的？

痛跟永恒之間到底會有怎樣的內在聯系呢？

因為痛，所以才會刻骨銘心；因為痛，才會成為永恒的記憶；因為痛是在那一瞬間產生的，所以痛是屬于一瞬間的。

痛是傷人的，永恒是真實的，就好比那一克拉的眼淚，不管用怎樣的修飾詞，淚永遠是屬于真實的

我的心是痛的，不管我怎樣掩蓋，不管我怎樣隱瞞，那記事本是可以改變任何幻想的，那字里行間痛，那墨香的痛，痛的好難過，痛的淚止不住的流。

痛夠了，哭煩了，留下的是什么？一串串悲憐的痕跡，還有呢？沒了，或許還有昨天那回憶，但，

那是回憶時所能感受的的幸福嗎？

篇5

只不過，那樣簡單，還是在自己的世界里，看著你的敵人和對手，同時也是你的朋友，在挫折和磨難中，一次又一次地突飛猛進。

我們都不記得，這到底是一種怎樣的堅強力量，也許他們不喜歡，但是絕大多數人都認為，這是不太一樣的道理。

他們所利用的每一次機會，都顯得那么刻意，又經不起推敲。

只要時間長了，我們都會清楚，這到底是一種讓人清楚地，還是導致別人迷茫的錯誤事跡，這些都是沒有太大的道理。

如果，我一直都在這里，思考著那些不被自己想起的回憶，哪怕這個過程，經理起來，太難，也都是義不容辭的。

篇6

——題記

今天整理我的書桌，不經意間，碰掉了一本書，一張紙片從書頁中飄落下來，是一張照片，我愣了愣，拾了起來。一張笑臉如花般在我眼前綻開，我心里頓時涌上一股暖流。

那張在我記憶深處的笑臉，永遠都是那么明亮燦爛。

這張照片上的人是妍。

那年夏天，我去鄉下度假。初來乍到，人生地不熟的，也有點不知所措。那時，妍就來了，她拉起我的手，咯咯的笑聲傳得很遠。她問：“你是從城里來的吧？”我木納地點點頭。她沒有說什么，就拉著我朝林子里跑去。

我倆很快成為了好朋友。

妍帶我到林子里采野果子吃。她在樹上面摘，我在下面撿，結果不過癮，我也爬了上去。于是我和她一起做在樹干上吃，吱溜吱溜的，津津有味。

妍帶我到小溪邊去捉魚蝦蝌蚪和小螃蟹。卷起褲腳，把腳丫子浸入冰涼的水中，結果捉得渾身濕透。然后妍帶我到田間奔跑，她說要追尋風的足跡，讓風把我們的衣服吹干。

“你喜歡什么？”我問她。“攝影。”她開心地答道。

妍說，攝影可以保存下自己喜歡的東西，并且還是免費的；妍說，攝影可以從一個你自己最喜歡的角度把美好的事物留下來；妍說，攝影可以讓瞬間完成永恒……

我倆玩累了，坐在樹干上吃著龍眼。“如果你有一部照相機，你會拍什么？”我問她。

妍說，她要拍下火紅的楓葉，因為它的飄落是一種凄清的美；妍說，她要拍下彩虹，因為它的出現是一種夢幻的美；妍說，她要拍下流星，因為它的滑落是瞬間的美，她再次說了，她想讓瞬間完成永恒……

讓瞬間完成永恒……我喃喃重復。

“我還要拍下你。”妍突然笑著對我說。“為什么？”我驚異。“因為我想留住你，”她天真地笑著說，“因為你在我生命里并不是匆匆過客而已，你在我心中是永恒。”我愣了，而妍卻笑了。

那天下午，我要回城了，妍來送我，她給了我一張照片，那是她生日的時候在照相館照的。后來，她哭了，在我面前，她第一次哭了……

篇7

很多同學家里都有數碼相機，出游前一天一定要檢查一下存儲卡是不是在相機里、存儲卡的空間夠不夠、電池是不是充足電了等。我的習慣是先試拍一張，確定相機沒問題了再放進要帶的包包里。如果等別人都擺好了姿勢你才開始翻包包，最后還一臉苦笑地說“相機忘在床頭柜上了”，那多浪費別人的表情啊！

拍好照片的第一個要求是拍清楚。好多人在拍照時只用大拇指和食指捏著相機，就像在“秀”京劇旦角的蘭花指。動作雖然很優雅，但卻很難拿穩相機，容易把照片拍虛。正確的做法是雙手握住相機，保持機身穩定，然后先把快門按下一半，注意觀察屏幕上的對焦標志。當標志由紅變綠時，相機會發出“滴”的一聲，這就代表對焦成功了。這時再把快門按到底，保持不動，一直等到“咔嚓”聲結束，一張照片就算拍攝完成啦！

光把照片拍清楚是不夠的，還得把照片拍漂亮，所以照片的構圖也是很有講究的。你拍“班花”的時候，如果照片中她的頭上“長”出了電線桿，估計你得吃她一記粉拳。拍照的時候要注意變換角度，避開不必要的景物。拍合影的時候要注意別把某人的半張臉、半個頭給“切”掉了。咱是拍快樂的郊游大片，可不是拍恐怖片呀！拍別人奔跑的姿勢要注意在前方留一定的空間，拍往上跳的姿勢要在畫面上部留一些空間，這樣拍出來的照片看起來更協調。

篇8

并不為了與其永恒。

因為尋求瞬間的震憾，

然而并無值得經意，

一切都順理成章。

其實葉那飄亦富哲理，

瞬間的脫離，

永恒的孤寂，

孤寂本不真切，

只因摻進了情，

變得無可厚非。

我已語無倫次，

生命——瞬間及永恒，

瞬間？永恒？

篇9

——題記

我班轉進了一個“傻子”

小學二年級，我班轉來一個總愛“傻笑”的同學。大家從那刻就開始議論他是不是腦子不正常。一開始，我還阻止同學們這么說；可后來，他自己也說：“嘿嘿，你們說我傻，我就傻唄！”無奈，既然他已經“承認”了，我又有什么借口替他辯解呢？

往后的半年學習生活中，他的行為雖然純樸，但在我們心中，那些都是沒有頭腦的人才會做的事：隨便哪個同學讓他打掃衛生，他都會立即去拿勞動工具，把地板掃得一塵不染，默默為班級付出；無論何時同學向他借錢，他都會二話不說借給別人，可那些錢卻很少再回到他手里；兒童節班級同學合照需要一個人來幫忙拍攝，他毫不猶豫的站了出來，班中又傳來了嘲笑聲，笑他放棄合影的那股傻勁；照片洗出來掛在后面的墻上，里面唯獨沒有他的影子，但又有幾雙眼睛發現了呢；老師早班會課上表揚他不拘小節、熱心坦誠，講他的品質值得每個人學習；我們私底下卻仍然叫著他“傻子”……

我知道他其實并不傻

后來，老師把我和他安排為同桌，兩人的交流漸漸多了，我知道了他其實并不是真的傻。當我問起他為什么每次都一口答應同學做這做那時，他笑著說：“我父母離異了，但爸爸走之前，反復叮囑我“一定要做個好人，做個能使身邊人快樂的男子漢！”我知道，爸媽分手就是因為媽媽覺得爸爸這個人太老實，老實的有點兒傻，和他在一起完全沒有生活的樂趣。盡管媽多次提醒我別學爸，可我認為爸爸啥都沒做錯，也許從媽的角度看，他可能是“傻傻的”，但周圍人都很喜歡他呀！所以我一直記得爸爸離開前說的話。”我被感動了，原來在一切之后竟深藏著這么個不為人知的故事。

那年的圣誕節我硬拖著他拍了張照，“咔嚓”，留下了他傻笑時的瞬間。交給他照片時，我說，你一定要記住這個花季許下的承諾，要做個好傻人！他使勁點了點頭，片刻，我覺得他一點兒也不傻了……

我不會忘記傻傻的他

來年的陽春三月，不知道因為是么原因，他突然跟我說要轉學。我剎那間驚住了，嘴巴不由自主的動著卻沒有說出一個字。半晌，他拿出了那張在學校拍下的唯一的照片，把它交給了我，我問他這是干嗎，他說不帶走它有兩個緣由：一是想給我留下第一個也是最后一個紀念；二是怕看到這照片又會懷念這所校園和同學，老師。“你真傻耶！”我擠出勉強的笑容，“都要走了，還編個那么不像樣的理由讓人只會記住你的……”說到這兒我有些哽咽，完全說不出口那個字。“說呀，怎么停啦！”他仍然像若無其事一樣的追問我。“傻！”說完后，淚水終于抑制不住迸涌而出。“我知道你會這么說的！但我傻得可愛，能使大家開心，對不對？千萬別忘記我呦，傻傻得我呦！”他好像毫不在意，臉上依然保持著招牌時的笑容，但我卻依稀看到從不輕易落淚的他兩頰有了幾滴透明晶體。我后悔以前罵他“傻”了，有點舍不得他離開……

篇10

導讀：7月19日，“瞬息?永恒――卡地亞時間藝術展”在上海當代藝術博物館開幕。作為紀念中法建交50周年系列活動之一，此次展覽以制表工藝為主題，邀請了國際著名設計師吉岡德仁先生擔任策展人，通過跨越一個多世紀的180余件珍貴時計杰作，全方位呈現了東西方文化藝術在時間領域對美的無盡追求。

“瞬息?永恒――卡地亞時間藝術展”為大眾呈現了一場時間與藝術的盛宴，貢獻了跨文化間的藝術交流與對話，旨在為大眾呈現分秒瞬息間的藝術創造力，傳頌時計藝術品普世永恒的價值。正如當代館館長龔彥女士所說：“當我們望向宇宙時，我們正在望著它的過去。這是時間讓我們感受到的世界。那么，當我們面對一個計時器時，我們又看到了什么？這是‘時間藝術’展將為我們揭開的謎團。”談及策展人吉岡德仁，龔彥女士贊賞有加，“他來自一個能夠將純粹物化到極致，將時間化入勞作的國度。他對時間的解讀和闡釋，平添了我對這個展覽的好奇。”

作為卡地亞典藏展覽的一部分，“瞬息?永恒――卡地亞時間藝術展”是其全球藝術之旅的第28站。自1989年首次展覽以來，卡地亞典藏的足跡遍布全球各大權威文化藝術機構，曾先后受邀在紐約大都會博物館、倫敦大英博物館、巴黎大皇宮等地展出，為法國藝術文化在全球的交流傳播起到了推動作用。同時，它也與中國有著深厚淵源，曾分別于上海博物館、北京故宮博物院、和遼寧省博物館展出。時值中法建交50周年之際，卡地亞典藏再度來到中國，希望在引領中國觀眾享受時間藝術的同時，探索西方時計藝術品的演進歷程及跨文化影響，從而推進中法兩國之間的文化交流。

如同一次跨越時光的旅行，“卡地亞時間藝術展”是對公眾開放的規模最大的時計藝術品展之一。其首場展覽于2011年在制表業誕生之地――瑞士蘇黎世的貝勒維博物館舉行，隨后移師新加坡藝術科學博物館。此次首度來到中國，“瞬息?永恒――卡地亞時間藝術展”通過卡地亞典藏作品、大師工藝、制表精粹、復雜機芯、創新技術，以及多媒體影像和制表師、工藝師的現場演示，從歷史傳承、風格演進、美學設計等多個角度，為廣大觀眾提供了難能可貴的機會，探索制表領域藝術與工藝的演進發展與文化影響。

作為一個公益性藝術機構，上海當代藝術博物館（簡稱當代館）在收藏、研究與展示當代藝術品的基礎上，為眾多年輕策展人與新銳藝術家提供了實踐和操作的平臺，同時為公眾接觸、欣賞和理解當代藝術提供了時尚化的空間場所與友好界面。上海當代藝術博物館副館長李旭先生說道：“此次卡地亞時間藝術展是一次難得的藝術與文化交流，通過藝術的形式對時間進行解讀與闡釋。尤其是在中法建交50周年之際，這次展覽作為一場東西方藝術之間的對話，迸發了跨文化之間思想碰撞的火花。”從法國遠道而來的卡地亞形象、風格及傳承總監皮埃爾?雷諾先生則表示：“我們很高興受到上海當代藝術博物館的邀請，也非常感謝吉岡德仁先生為此次展覽所做的特別設計。這場關于時間藝術的展覽仿佛一段時光之旅，呈現了卡地亞一個多世紀以來在制表領域的豐厚傳承、設計哲學與美學造詣。希望所有有興趣的觀眾都能親臨展覽，感受時間藝術的獨特魅力。”