繪畫藝術論文范文

時間:2023-03-24 01:03:03

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繪畫藝術論文

篇1

隨著科學技術的快速發展,對于藝術設計也產生了非常重大的影響。特別是由于信息技術的發展,使藝術設計能夠在全球范圍內進行交流和合作,推動了藝術設計的發展。對于我國的藝術設計來說,其發展過程相對比較晚,在藝術設計的教育方法和理念上還不夠成熟,較多地引用和借鑒西方的教學內容和方法,使我國的藝術設計人員在藝術設計理念上受到的相關影響比較大。在一定程度上忽略了民族傳統藝術文化的教育和吸收,使部分設計者的作品缺乏足夠的內涵和意蘊,在設計風格上往往關注表面形式,對中國傳統藝術的風格和意境的把握比較欠缺,使藝術設計缺乏中國的文化特色。相對也影響了藝術設計的道路和方法,使很多人認為藝術設計的方法相對比較單調。要想改變這種局面,就應當重視我國的傳統文化,其中民間的繪畫藝術對于我國的藝術設計來說具有深遠的影響,廣大藝術設計者可以從中得到豐厚的精神食糧。為了有效拓寬藝術設計的道路,創建出具有中國特色和文化的藝術設計。應當在藝術設計中注意對我國傳統文化的吸收,對我國民間的繪畫藝術做好傳承工作,將民間的繪畫藝術和現代的藝術設計實現有機結合。在藝術設計中要強調民族藝術和民族文化的內涵,民族文化是我國進行藝術創作的瑰寶和營養,它包含了民族長期積累的審美觀念、思想情感、道德觀念等內容,它們和藝術設計具有千絲萬縷的關系。藝術設計從某種角度上說,也是文化的展示,藝術設計的美感也是和民族文化具有非常緊密的聯系,它也是文化另外的一種傳播方式。

在我們文化和世界文化交流日益頻繁的今天,中國的藝術設計如果要想得到別人的賞識,就必須重視民族文化在藝術設計中的參與,特別是傳統的民間繪畫藝術,它是我國民族藝人經過一代又一代的藝術積累發展到了今天,包含了祖先的智慧和審美觀念,也具有特殊的美學內涵。只有加強中國民族文化和現代設計風格的結合,使傳統的設計觀念得到相應的體現和發展,才能在國際藝術設計中提高我國藝術設計的地位。我國民間繪畫藝術是中華民族優秀的文化遺產,具有獨特的藝術魅力和豐富的表現形式,表現出了鮮明的民族特色,直接反映出了民間的生活,在藝術風格上也呈現出多樣性的特點,對我國現代的藝術設計具有非常重要的影響。在我國很多設計成功的藝術品中,例如標志設計、產品包裝設計、廣告設計等設計中,都能夠看到民間繪畫藝術的身影,可以看到民間繪畫藝術對我國的藝術設計具有非常重要的影響。在民間繪畫中,通常用一些象征、比喻的手法,例如用靈芝、桃子、松、鶴等來象征長壽;用牡丹象征富貴;用竹象征平安;用石榴、葫蘆等象征多子;用龍、鳳象征吉祥。如果在現代的藝術設計中能夠把傳統的繪畫藝術滲入到其中,就容易被中國人接受,相應的也拓寬了藝術設計的道路和內容。傳統的民間繪畫藝術在我國的現代設計中已經得到了比較廣泛的應用,而且也出現了非常成功的作品,例如比較有名的北京王府井飯店標志,當我們看到這個標志時,就會從內心感到中國傳統的藝術文化,又能夠感受到現代的藝術設計的氣息。

二、加強民族文化的滲入,不斷拓寬藝術設計的道路

我國的民族文化經過幾千年的發展,具有非常豐富的內涵和內容。民族文化具有一定的共性又有歷史性,也具有社會性和多樣性的特點。我國民族的多樣性,也相對地造就了民族文化的多樣性,特別是在民間的繪畫藝術方面表現得突出,其民族性和地域性特別強,不同的地方都有特色的繪畫藝術和作品,這是歷史和社會發展的必然。對于少數民族來說,由于其在歷史發展殊的發展道路和圖騰崇拜,其繪畫藝術更加的富有民族特色,這種民族特點在世界范圍內都是非常獨特的,如果藝術設計者能夠主動地吸收和借鑒他們的民族特色,將會大大地擴展自己的藝術道路和生命,也能夠設計出具有生命力的藝術品。各個民族的繪畫藝術是藝術設計中用之不竭的藝術源泉,傳統的民間繪畫藝術具有非常的生活性,它和廣大人民的生活具有非常廣泛的聯系,這種聯系相應地又反饋到繪畫藝術創作中,所以民間的繪畫藝術具有藝術和生活等方面的內涵,在民間的繪畫作品中都包含了其設計者對生命、自然、世界的看法和理解,例如在我國原始社會中的陶罐上發現的比較簡單的線條繪畫,這種繪畫方式具有非常單一的原始性,但是它準確地反映出了當時的生產力的特點和人們在生活中的審美情趣,甚至也包含了他們的生活態度。在傳統的繪畫作品中都體現了創作者在特定的時代下的生活觀念、態度和情感,這些藝術創作往往具有非常強的原創性,可以成為藝術設計者的藝術之源。在我國傳統的民間繪畫藝術中非常重視意境的表達,這是我國傳統繪畫藝術中的瑰寶,也是中國傳統的繪畫藝術和西方繪畫藝術之間的重大差別。

在我國民間的繪畫藝術中,藝術家都不斷地尋找能夠符合自然和內心交融的繪畫方式,在繪畫的過程中,不斷追求符合自然的韻味和情趣,這和中國人的思想觀念具有重要的關系,特別是道家思想對中國人的影響——那就是道法自然,追求人和自然的和諧,使繪畫藝術和人的內心的情感表達也表現出自然的韻味,將繪畫藝術推向更深的層次美,特別是對于意境的追求和把握成為了千百年來我國繪畫藝術不斷推崇的最高點。中國民間的繪畫藝術常常能夠把藝術、哲學等融合到其中,使藝術品具有深刻的思想深度和獨特的美感。從我國遠古時期的繪畫藝術中,就體現出了中國人對大自然、對天的敬畏和向往,例如在西安半坡出土的《人面魚紋彩陶盆》,不僅反映出了當時生產水平的低下,對于繪畫顏料的選用單調,同時也通過黑和白的利用,恰當地表現出了當時人們天人合一的哲學觀念。在我國的民間繪畫藝術中,在表現形式的選擇上重視對“意”的表達,對于具體的“實”則相對比較忽略,重視繪畫藝術的意象的表達,不注重對客觀事物的詳細描繪。在藝術設計中,把現代的藝術設計和我國的傳統藝術結合,可以使設計的作品獲得雋永、永恒的價值,這在我國的一些經典的藝術作品中已經得到了體現,它們常常得到了觀賞者很高的審美評價和贊嘆,同時也使我國傳統的民間藝術受到了前所未有的重視和青睞。在藝術設計別重視藝術品的首創性,所以對藝術設計的個性化要求比較高。在藝術設計中不僅要具有世界性,也要具有民族性,民族的也是世界的。如果要想實現世界性,就必然在藝術設計中包含和概括了民族性的文化,所以實現了世界性也相應地實現了民族性。在藝術設計中,只有個性化的作品,只有民族性的藝術作品才能在世界范圍內得到認可和認同。在現代的藝術設計中,要重視從傳統的民間藝術中汲取營養,重視對傳統民間藝術的學習和對傳統民間藝術的積累,這對于我國藝術設計師來說具有非常重要的意義。因為好的藝術設計作品首先是一種文化的展示,是設計師內心文化的體現,這種文化又滲透了一個民族的美感選擇,這種美感不是突然迸發的,它來自于對我國傳統藝術文化的吸收和積累,來自于設計師自身的文化修養和內心的涵養。如果中國的藝術設計要想表現出獨特的藝術風格和特色,提高中國設計在世界藝術設計中的地位和影響,就要重視對民間傳統藝術文化的繼承,特別是我國民間的繪畫藝術,包含了特殊的歷史和文化,是我們民族藝術發展中的寶貴財富,需要正確地對待和傳承。

三、結語

篇2

陶瓷繪畫藝術從其本質上進行分析,其是在陶瓷這個載體上進行繪畫而形成的藝術,陶瓷繪畫與陶瓷裝飾不同,陶瓷繪畫主要是以陶瓷為載體,將繪畫工藝呈現出來,陶瓷繪畫主要是以線條、色彩為主進行圖形的構造,與陶瓷工藝結合在一起,形成一種藝術,一種文化精神。中國陶瓷繪畫的內容可以分為三種,第一,花鳥;第二,人物;第三,山水。在中國陶瓷繪畫內容中呈現出來的這三種內容,在陶瓷繪畫中,具有不同的涵義,例如在中國歷史中的石器時代,花鳥等圖案出現時期,將石器時代的神秘的宗教圖騰精神呈現出來。山水繪畫,呈現出來的是藝術意境,雖然山水畫受到中國水墨的影響,但是在陶瓷繪畫中,山水繪畫也呈現出來了一定的民間意味,是人們思想情感的一種表達,是人們的自我意識,也是人們希望的寄托。從中國歷史進行分析,陶瓷繪畫在明清時期發展到了一個巔峰時期,陶瓷的制作藝術、陶瓷繪畫藝術均得到了顯著的提升和發展,這一時期,創造出了非常多精美的陶瓷藝術工藝品。從明清時期的陶瓷繪畫藝術進行分析,明清時期產生的陶瓷繪畫藝術品種類、花樣繁多,其中最為主要有青花繪畫、五彩繪畫等。陶瓷繪畫在明清兩個時代中的發展,體現出了不同的特征,在明朝初期,陶瓷繪畫已經發展到相對成熟的階段,陶瓷繪畫中的紋飾生動形象,在一定程度上是延續了元朝陶瓷繪畫的風格,例如永樂宣德時期的青花瓷,紋飾纖細,以淡雅、沉靜為主。明朝嘉靖時期,彩陶發展到巔峰時期,陶瓷繪畫紋飾鮮明、多彩。清朝康熙時期,陶瓷繪畫中青花瓷的繪畫蒼勁有力,在色彩上、工藝上更加的鮮艷奪目,此時的陶瓷繪畫作品風格,相對的嬌艷,但是又不失淡雅。乾隆年間的陶瓷繪畫主要以奢華為主,陶瓷品上的紋飾線條柔和、規整纖細、精致繁縟。雖然陶瓷繪畫藝術在不斷地發展,不斷的革新,但是在其發展的過程中,始終保持著對中華文化的發揚和傳承,在陶瓷繪畫發展中,民間藝術精神發揮著積極的推動作用。

2明清陶瓷繪畫中的民間藝術精神

2.1明清陶瓷人物繪畫中的民間藝術精神

明清陶瓷可以分為官窯和民窯,不管是官窯還是民窯,其陶瓷繪畫中均體現著民間藝術精神。在明清時期,青花非常受歡迎,在陶瓷紋飾中以人物為主進行繪畫的陶瓷工藝品非常少見,但是也有一些例如高士圖、仕女圖、嬰戲圖等。我們以嬰戲圖為主進行分析,嬰戲圖中的主要內容是對嬰幼兒的嬉戲玩耍進行描述,將嬰幼兒的天真爛漫體現呈現出來,嬰戲圖具有深刻的意義。明清時期,民窯陶瓷繪畫中的人物簡單而有神,表情生動,民窯陶瓷人物繪畫,富有民間意趣,將百姓淳樸的生活真實的反映出來,同時又呈現出人們對美好生活向往的積極力量,這種民間自然和諧的藝術精神、思想精神,在官窯陶瓷繪畫中非常少見。

2.2明清陶瓷花鳥繪畫中的民間藝術精神

花鳥繪畫類型的陶瓷在明清時期非常的常見,在陶瓷花鳥繪畫中,不僅有靈動的花蟲鳥獸,還有代表地位、貴族氣質的龍鳳獸等。在明清時期官窯陶瓷繪畫中,生產最多的是帶有龍紋飾的陶瓷,龍是中華民族的圖騰象征,將龍栩栩如生地呈現在人們的面前,死后人們對民族圖騰的崇尚,也體現著民族精神。官窯陶瓷繪畫中的龍紋來源于民間藝術,是百姓對生命需求的寄托,在官窯陶瓷中龍紋繪畫,體現著富有創造性民間藝術精神。明清民窯陶瓷繪畫中,花鳥的繪畫,多體現在靈動、自由、活潑等方面,在民窯陶瓷花鳥繪畫中,體現出來的是狂野的生命力,將最淳樸的民間藝術精神體現出來。在民窯中,動物題材的陶瓷非常多,龍鳳是百姓最喜歡的動物,龍、風是生命力的象征,百姓的對龍鳳的喜愛,也是百姓對生活美好、幸福的向往。在民窯陶瓷花鳥繪畫中,體現著積極向上的民間藝術精神。

2.3明清陶瓷山水繪畫中的民間藝術精神

從明清兩代陶瓷繪畫的發展進行分析,人物繪畫、花鳥繪畫的發展相對較早,而山水繪畫的發展起步較晚,所以明清時期的陶瓷山水繪畫工藝品較少。在明清時期官窯中的山水陶瓷繪畫主要在永樂和康熙時期,在康熙時期的發展,有較高的成就。明朝永樂時期產生的官窯陶瓷山水繪畫代表作品有青花海水江崖紋三足爐,該件官窯中的山水繪畫呈現出來的是翻滾洶涌的海浪,結合三足爐自身的特點,呈現出一種雄偉氣魄的景象,具有雄視天下江山的寓意,將當時皇室的盛世、審美、精神需求等進行充分的體現。在康熙時期的官窯山水繪畫,富有文人氣息,山水景物的取景具有廣闊的視覺,在皇室使用的陶瓷中,山水繪畫圖案,具有吉祥如意的意思,例如山石、海浪等,其代表著長壽多福,在官窯山水繪畫中這些意象來自民間,體現了富有創造力的民間藝術精神。在民窯山水繪畫中,山水風景是一種繪畫裝飾,是百姓對休閑、安逸生活的一種向往。民窯陶瓷上的山水繪畫,是百姓對現實生活的一種映射,是百姓對自由生活的憧憬。民窯山水繪畫發展較晚,而且大部分山水繪畫是文人對自己情感的抒發,將其心聲向往的自由世界呈現出來,也將民間藝術精神進行了體現。

3民間藝術精神

對中國傳統文化發展的啟示中國有著上下五千年的文化歷史,在悠久的歷史長河中,民間藝術是重要的組成部分,是中國民族傳統文化,包含著中國人民的智慧和文化底蘊。民間藝術它是一個多概念的詞語,可以將其理解為勞動人們的美術,還可以將其理解為大眾美術,民間藝術是有普通老百姓自己創造的一種美術。隨著歷史的發展,民間藝術在創作的過程中,不再是簡單的審美,民間藝術的創作開始融入功利實用的動機,所以民間藝術作品大多為工藝品,而且這些工藝品在生活中,具有自己獨特的不可缺少的實用性。民間藝術的實用性體現在兩個方面,一個是精神實用,一個是物質實用。在民間藝術精神中,最為突出的有三點,第一,祈子延壽;第二、驅魔辟邪;第三,招財納福。民間傳統文化藝術精神是勞動者智慧的結晶,是其精神追求和期望,在長期的發展和時間中,逐漸地形成民間傳統藝術思想,民間藝術精神是中華人們智慧的本質,是中國文化發展中,無法替代的一種文化精神,是勞動審美、藝術創作的內涵。明清時期的陶瓷繪畫藝術,充分地展現了民間藝術精神,在陶瓷繪畫中,不僅講究繪畫的工藝技巧,材料的表現性,還需要強調陶瓷繪畫藝術的形式美、表達性,民間藝術精神在陶瓷繪畫中的融入,呈現出了陶瓷繪畫的不同藝術風格。中國擁有優秀的傳統藝術文化和歷史,明清時期的陶瓷繪畫藝術中的民間藝術精神,不僅對中國傳統藝術魅力的欣賞和學習,也是為了更好的宣傳和發揚中國傳統文化藝術。在中國傳統文化藝術發展的過程中,民間藝術精神發揮著重要的作用,促進傳統文化的發展,民間藝術精神,是中國傳統文化發展的支撐,是中國傳統文化藝術形式多樣的重要影響,也是傳統文化藝術形成的靈感源泉,發展傳統文化藝術,研究民間藝術精神,在傳統藝術文化傳承的過程中,具有重要的意義。用、體現進行研究,也讓我們認識到中國陶瓷藝術發展的民間藝術精神的重要性,讓我們知道民間傳統藝術在陶瓷護繪畫中精神之美,知道中國民間文化藝術精神,在中國傳統文化發展中存在價值和意義,讓我們不斷地傳承和發揚中國傳統民間文化藝術,發揚民間藝術精神,保護民間傳統文化藝術。保護中國傳統文化藝術。

4小結

篇3

(一)人物比例

研究者們總是對格列柯畫的人物比例失調的現象頗有說詞。一方面說格列柯之所以總是將畫面人物畫成九頭身(有的則達到12個頭長)是因為其患有錯視癥。然而,格列柯在羅馬學到了正確的人體解剖素描和幾何透視關系1,有著過硬的解剖學理論和實踐經驗;另一方面,格列柯最初接觸的圣像畫訓練是絕對不允許畫家出現比例失調的問題。當時的藝術認知尚還不能接受人物比例受到改變的先例,就連格列柯的老師提香在這方面也是尤為循規蹈矩的;最后一點,托列多的圣多明哥修道院為格列柯帶來了大量的訂件,代表著當時的舊沒落貴族并沒有對格列柯異常修長的人物比例提出質疑,且變相地承認了格列柯的這種畫風,我們有理由相信格列柯的“有意圖而為之”。對于繪畫藝術研究來說,去深究格列柯是否患有錯視癥,終究無意義,刻意拉長的人物比例到底有著什么樣的作用才是關注點。顯然,與同類畫作相比,格列柯的人物更具有震撼力,其畫中人物能夠將觀者的視平線和人物的下部置于同一平面造成仰望的效果,上小下大。觀者本身的渺小和審美對象的立體宏大與希臘人物雕塑有著異曲同工之妙。

(二)色彩

在格列柯的藝術作品中,人物表情通過色彩表達。受早期門徒訓練時的影響,不同于文藝復興時期主棕色調和提倡理性作畫的杰出大師列奧納多•達•芬奇2,格列柯將情緒方面的發泄投射到了畫面的色彩中,人物的眼神本不會說話,是個死物,在畫家筆下色彩的渲染后,眼神逐步能表達一切,給觀者一種默會3的認同,無表情的演繹是極為高超的技法。格列柯又擅長色彩詭異的冷色調,營造神秘的宗教氣氛。

(三)構圖

有別于提香的構圖的豐滿,格列柯的畫面存在一種“未完成性”。提香的畫面存在一種上升式的瞻仰和頂部構圖的戛然而止,而格列柯的構圖旨在強調一種單純為上升式的強調。在他的畫面中,動蕩的背景和僵直的身體、過度夸張的人物造型,其所望之處都能夠在觀者的腦海中繼續向畫面邊緣逐步延伸。因而說,格列柯的構圖也是為“望”這個動作服務著的。由此,我們可以發現,格列柯的仰望并不是一個簡單的動作,格列柯式專有的人物比例、色彩、畫面構圖共同為“望”作出鋪墊,從而營造出一種宏大、動蕩、永無止境的視覺效果。格列柯式的“望”與美術史上特別是中世紀宗教畫的一些藝術作品相比,具有充滿戲劇性的悲劇意識,在畫家的營造下,人物的“望”如同一把凜冽的劍,直指心靈,這同宗教帶來的效果如出一轍。

二、格列柯的畫作在他所處的時代并沒有產生多大的影響

篇4

在奧爾巴赫的一幅幅頭像作品中,我們能看到源于倫勃朗藝術的內在光輝,而他油畫中過度厚涂的表面與賈科梅蒂雕塑中疙疙瘩瘩的鑄銅皮膚之間有太多的相似,后者實際上受到杜米埃泥塑粗糲的鼓鼓囊囊的團塊感的啟示。奧爾巴赫筆下的普瑞姆路絲的天光山色,則在向康斯坦布爾致敬,用一筆旋轉抽掃出下巴或臉蛋的手法,立即使我們想起馬奈的刪繁就簡以及戈雅色調黑暗、人物怪異如噩夢般的油畫,當然,還有來自德•庫寧的啟發和影響。然而,所有這些都不是簡單的拿來,而是一種不動聲色的浸和滋潤,是消化后的再生。正如美國畫家吉姆•戴恩所說:“嚼爛它,然后再吐出來。”事實上,一個有著深厚素養的藝術家的標志,恰恰在于他能從表面上與自己藝術看似沒有什么瓜葛的作品中學到點東西,得到點啟發。“團塊中的精神”是奧爾巴赫老師邦勃格對其藝術表現的諄諄教誨,它闡明了繪畫在于通過對實實在在形的本質的認識,而表現出一種內在的形的品位。

為了達到這種藝術理想,奧爾巴赫孜孜不倦地面對少有的幾個形象進行表現研究,甚至固執地對同一形象進行鍥而不舍地反復描繪,這樣做并非玩弄筆墨和花樣翻新,而是用筆觸不斷地“觸摸”對象,捕捉對象身上那既非性格、亦非肖像,確鑿無疑而又可能稍縱即逝的某種痕跡、某種靈性、某種形意交融的狀態。在無數次地將形象涂抹重構中,使線條、形塊、調子甚至是涂擦破損后的補丁,都表達著更為深遠的傾訴,依附著某種精神的重托,彌散出一股樸實、淳厚中透著清新的藝術品位。這使我們不僅聯想到蘇丁筆下被反復描繪的家禽與野雞、賈科梅蒂筆下一律單調枯槁的瘦形人物以及莫蘭迪筆下永遠的壇壇罐罐。藝術家苦心孤詣的痕跡都具有自己明確的精神指向,奧爾巴赫將自己的藝術連通古今,從而使傳統藝術精神與現代藝術語言形成了有機融合。

自在而富有個性的線條語言

如果說“團塊中的精神”的造型理念使奧爾巴赫的作品獲得厚實凝重的體量感,那么其自在而極具個性的線條表現語言,就像經脈和血液一樣,使其作品充滿了靈性、活力和意韻,各種長短不一、自由而略帶幾分紊亂的或平直或旋勾的折彎線條與形塊、調子交織在一起,形成了其獨特的語言風格。藝術史上以線造型的大師有很多,但奧爾巴赫的線條充滿著自己的情韻,形成了自己線性語言的編排“密碼”。確切地講,奧爾巴赫的線就像密碼中的亂碼,看似紊亂無序,實則明確地勾畫出奧爾巴赫窮極各種表現可能性的掙扎面貌,奧爾巴赫的線已經融入了強烈的精神因素。比較而言,奧爾巴赫的線沒有德•庫寧的線抽拉般的恣意和灑脫,卻多了幾分風骨和凌厲;沒有賈科梅蒂線的別致有序和舒展,卻更具韻致和張力;沒有馬蒂斯線的華麗、安樂以及梵高線的筆觸感,卻更具樸質和力度。奧爾巴赫將線與形體交織在一起,又不完全從屬于形體,線條似乎隨著形體的幻影在空間交織與扭動,不斷地改變著形象,使形象彌漫出無限的意蘊,充滿著神秘和未知。

奧爾巴赫作品中線條往往給人聚散離合不定之感,這與他不懈地追求事物的內在真實有關,他不斷在形象中尋覓那種囊刮了“真實”的各個側面的形、結構密度、重量,以及對象被消化的難易度,因而,使線的運動軌跡充滿著不確定性。從其作品《桑德拉肖像》的藝術表現中,我們能夠清楚地感受這種面貌的形成過程,此畫結構的每次重來,用線從輕畫揉擦,幾乎渾然與邊界相融,到如鷹爪般凌厲的折線又回到幾乎空茫,如此反復過后,形象有著不同的生長,而每一次生長痕跡又孕育了下一次的無限可能性。在這個過程中線條似逐漸被賦予了更多的意涵和靈性,直至與作品的精神結合在一起。奧爾巴赫曾說過:“在一幅好畫里,每一處都是畫外更偉大的構想所決定的,但有時這構想直到最后才對藝術家顯現……。問題在于怎樣分辨它,然后明確它。這常常令畫呼之欲出。”奧爾巴赫追求的是一種能使畫味更濃厚的用線技法,線條已經不僅僅是線條,而是作品情緒所在、精神所在,他讓線條做到了形意并舉、形神相通,而又顯得自在和理性,達到了超凡脫俗的表現境界。

混沌意象的圖式空間

造型藝術的目的在于表現視覺形式,并將視覺形式作為特定的感覺對象呈現給觀眾,藝術家創建視覺形式會運用各種表現語言和手段,并使這種形式富有一定的意義和意味。西方現代繪畫史可以說就是形式語言探索與發展的歷史,奧爾巴赫的作品具有獨特的形式美感,其中一個重要方面,就是對畫面圖式空間的獨特建構。蘇珊•朗格對空間有過精彩的論述:“繪畫的空間僅僅是一個可見物,對于觸覺、聽覺和肌肉活動是不存在的。而對于眼睛它總是充滿了各種形狀的深不可測的空間,這是一種純粹的視覺幻象空間,是一種被創造出來的空間。而這一切離開了形狀的組織,它簡直就不存在。”

事實上,正如蘇珊•朗格所說,奧爾巴赫作品的空間就是一種純粹的視覺幻象空間,而且是一個混沌意象的圖式空間。那么,這種混沌意象的圖式空間又是如何被創造出來的呢?我們知道現代藝術家既依據有意識的思索進行作品創作,同時也依靠想象和意象,藝術家已經從他的知覺和社會的禁錮中解脫了出來,表現為更多的依據某種潛在意識來獲取創造的靈感。作為表現主義藝術家,奧爾巴赫不為具體形象外在因素所束縛,將線條、形塊、調子等表現語言按照自己的語言表達方式進行圖式建構,從其作品的形象塑造上看,奧爾巴赫放棄了對人物外在表現的刻畫,弱化了人物特征對視覺的干擾,以意象的表現手法對形象加以處理,當形象的諸多外在特征被抽離以后,形象的內在性卻得到了豐富和展現。

在混沌意象的圖式空間中,空間已經沒有特定的場所意義和時空性質,更沒有現實中的景深尺度,畫中的所謂空間不過是用柔性的線條涂抹揉擦而交織成的色層和痕跡,是一種具有形式意義的存在方式,而這種存在方式是為承載特定圖式物象所設定的,它的存在方式與價值取決于置身其中物象的存在方式。在奧爾巴赫的作品中往往作為背景的線條和色層、形象同構在一起,有時根本找不到邊界,形象似乎很難從空間中分離出來,形象本身就是這種圖式空間的有機體。整個畫面因此而呈現出特有的氣息。我們知道作品內在氣息一般是較難體現的,藝術家在表現過程中必須努力使構成畫面的各元素都浸在某種氣息之中,使之成為既是這種氣息的形成因子,又是這種氣息的展現部分。

奧爾巴赫在創作中喜歡近距離與人物面對,營造出的是一種更為平近的私人空間,然而這種近距離的對話,又是通過混沌意象的手法進行節制,使之產生既模糊而又有明確審美指向和意味的畫面。可以說混沌意象的圖式空間是奧爾巴赫藝術面貌的一個重要特征。

篇5

視覺作為人類獲取外界信息的重要途徑,能使人們感知外界物體的形狀、顏色、動靜、明暗等。對于繪畫藝術的創作來說,視覺經驗是溝通藝術家和觀者的重要紐帶。我們在欣賞藝術作品時,常常發現自己看不懂藝術家所要表達的內容,很多時候是因為我們的視覺經驗和藝術家的視覺經驗的不一致。藝術作品的理解,不僅僅要看布局、筆法、色調,更需要了解畫家所處的時代背景、師承何人、人生經歷等信息,結合創作過程進一步理解藝術作品。視覺經驗的形成大體可以主動汲取和環境影響。首先,無論是藝術創作者還是藝術欣賞者,都應該主動地去汲取并不斷更新自己的視覺經驗庫。這個過程可以通過多看實現,看不同時期、不同風格、不同類型的作品,沒有去過藝術展的藝術家是很難學會創作可供展覽的藝術作品的。每一幅作品都是一個藝術家在他特定的地域與時間以及經歷的生活中的心血凝結。通過看作品,藝術家可以在短時間內體驗另一“世界”的個體的感受,同時豐富自己的經驗與藝術創作。其次,環境的差異對視覺經驗的形成有著重要影響。環境影響人的認知,作為個體的人,必然會受到社會、家庭、文化等外部環境的影響,這些影響會讓藝術作品成為特定時期和社會的產物。對于視覺經驗的形成來說,自然環境、社會文化等諸多過程因素都會潛移默化地影響觀者的視覺心理傾向,并強化視覺的選擇傾向。在多元化融合的時代,在紛繁復雜的視覺盛宴中創造出自己的藝術風格,是藝術家所追求的,而世界的豐富多樣性,使得個體的視覺體驗也是復雜多樣的。只有對復雜多樣的視覺體驗進行整合、歸納、取舍,經過長時間的積淀,才會形成一定的視覺經驗。對視覺經驗不斷地積累,才能豐富、創造出全新的藝術風格。

二、視覺經驗對藝術體驗的概括

在欣賞挪威畫家蒙克的《吶喊》時,會發現在整幅畫面上,我們無法直觀地感受引發橋上人的尖叫的原因,畫家并沒有明確地畫出任何物體指示這是一個恐怖的瞬間,但畫面中人的動作這些元素及畫面的色調,讓觀者感到壓抑和恐慌,人們是通過視覺經驗,自然而然地體會藝術家所要表現出的情緒。這個人的動作,捂著耳朵,睜大眼睛,張開嘴巴,臉部扭曲變形,觀者由這些動作想到驚恐、由驚恐想到死亡、由死亡想到骷髏。在日常的視覺經驗中,大部分人們都會將骷髏和恐怖的事情相聯系,所以《吶喊》這幅作品與絕大數人產生了共鳴。陳丹青在他的《紐約瑣記》里寫道:“我不是在畫‘畫’——我是在畫我的‘觀看’,畫我的視覺經驗。”藝術體驗這一步驟就是要不斷地豐富自己的視覺經驗,視覺經驗愈豐富,在把握藝術作品的內容上才能更加深刻,也能預測受眾在面對成品時的觀看反應。四、視覺經驗表現藝術傳達的特質藝術傳達是藝術創作過程中的重要階段之一,藝術家通過不同的藝術手段,將自己的視覺經驗傳達給受眾,藝術的傳達方式有很多種:油畫、中國畫、素描、水粉等,視覺經驗通過什么渠道能表現得更透徹、更能使受眾理解,需要視覺經驗的幫助。以中西方繪畫的差異為例,首先我們要了解思維模式的差異,這是導致中國繪畫重內心表達,西方繪畫重客觀表現的根本原因。所以中國繪畫的介質是宣紙、水墨、毛筆,一筆下去墨遇紙而暈開,畫家依靠的是自己的經驗,行筆不求形似但求神似,中國人的視覺經驗更看重的是畫面的意境,透過表象看本質;西方繪畫以油畫為主,很長的時間都在客觀地表現事物,通過科學的分析、比例的掌握等手段,西方人的視覺經驗相對于中國更加的直觀,看到什么就是什么,聯想的不多。所以藝術家在選擇藝術傳達的方式之前,也要借助視覺經驗,什么內容適合什么類型的傳達方式也是在不斷積累視覺經驗中獲得的。

三、結語

篇6

關鍵詞:藝術創作繪畫數字化數字繪畫

1946年第一臺數字化計算機“電子數字集成和計算機”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美國賓夕法尼亞大學問世。在這60年里,隨著科技技術的進步,個人電腦進入家庭,人工智能計算機輔助設計領域不斷開發,電腦硬件的更新換代,計算機數字化也在迅猛發展,藝術家把數字技術應用到藝術創作中,從而改變了傳統藝術繪畫創作方式,也使藝術審美趣味發生了變化。

一、傳統繪畫藝術創作

1.藝術創作是以滿足人們對娛樂游戲的需求為主要目的而創造虛擬人類生活事件的文化活動過程。創作出的文化產品稱為藝術品,要想創作出公眾喜愛的藝術品,創作者要不斷提高藝術創作的語言技藝水平和創造新的語言風格。高水平的語言技藝和獨特的語言風格,能夠使創作出的虛擬事件在描繪上準確生動和別具特色,從而使藝術的表現力和感染力更強,才能夠有效地創造出一定內容和特色的藝術作品。

2.繪畫藝術是一種古老的藝術門類,是美術中最主要的一種藝術形式。它借助于可被利用的物質材料和相應的制作方法以創造藝術形象,運用筆、刷、刀、手指等各種繪畫工具以揮灑、涂抹、拓印、腐蝕等各種繪制手段,將顏料、墨汁、油墨及其他有色物質描繪和移置到紙張、紡織物、木板、皮革、墻壁或巖石等平面上,以線條、塊面、色彩、明暗等造型因素,通過構圖形成視覺形象的畫面或圖像,創造出可以直接看到的,并具有—定形狀、體積、質感和空間感覺的藝術形象。繪畫藝術從材料、工具來分,其種類主要有:水墨畫、油畫、版畫、壁畫、水彩畫、水粉畫、素描、速寫等。

二、數字繪畫藝術沿革

所謂數字化,是指利用計算機信息處理技術把聲、光、電、磁等信號轉換成數字信號,或把語音、文字、圖像等信息轉變為數字編碼,用于傳輸和處理,或以數字形式存放在計算機中,便于今后操作和處理。數字繪畫藝術是以電腦作為繪畫藝術創作工具,通過運用一定的電腦程序,進行計算機信息處理,把每個像素用若干個二進制數碼進行編碼而形成虛擬的視覺圖像,并進行輸入和輸出。

1951年首臺供商業應用的電子計算機獲得專利,除了大量深入的技術研究,也偶爾涉及音樂和視覺藝術。由于大多數研發人員是科學家,他們沒有受過專門的藝術訓練,所以早期的電子藝術的美學價值并沒有得到認可。美國年輕研究員諾爾可以算作第一批“數字藝術家”,他受到立體主義的影響,1963年用電腦繪出抽象圖案《高斯二次方程》,嘗試著在二維的畫面中表達三維的空間。此時電腦對大量的藝術家來說是一個技術上比較難掌握的機器,數字計算機繪畫作為一種新型媒介,還只是模仿傳統媒介,并沒有用來進行主流藝術創作、創造出新的美學體驗和新的價值觀體系。

隨著電腦功能被進一步開發,藝術家逐漸利用電腦作為程序控制工具,將天幕當成畫布將鐳射光束作為畫筆進行藝術創作,如德國藝術家皮尼的《奧林匹克彩虹》,美國藝術家巴拉德的《視覺化時間》。嚴格來講,他們在本質上仍然以傳統媒介為主,并非是在進行藝術與科技的探索,而是琢磨如何通過運用電腦這種時髦機械來迎合當時大眾的口味。

1990年以來,個人電腦越來越普及并且越來越容易使用,新一代藝術家對電腦操作不再陌生,逐漸將其變成創作工具或者媒介。藝術創作過程從單純地模仿傳統媒介走向利用電腦程序在電腦中創作或自動生成,達到一定的藝術效果。新的技術促成了新的媒介,繪畫和雕塑的歷史讓我們知道,每次革命均來自于概念和材料的不斷發掘和更新,數字藝術這種新興媒介的迅猛發展,改變了藝術創作方式,也改變了藝術欣賞的方式。

杜桑以來,藝術和生活的界限模糊了;數字藝術以來,真現實和虛現實之間的界限模糊了。數字藝術是以電腦為技術支撐的電子時代的新媒介,是藝術擺脫以視覺為中心的束縛過程中的一大飛躍。技術的發展促進了媒介的發展。傳統的圖的概念、內容和形式不再突出。藝術品的價值存在于通過媒介所傳遞的信息的交換之中,藝術家將把因特網當作最大的美術館來展示他們的作品,當作直接向公眾傳播作品的工具。

三、數字繪畫藝術的工具選擇

繪畫藝術的數字化基本包含兩個方面,一是設計手段的更新,它直接跟數字技術的發展相關;二是創造理念的更新,它主要是指創作者審美趣味的變化。技術是電腦硬件和繪畫軟件,繪畫軟件的構成分為矢量圖和位圖兩大類,Adobe公司的Illustrator軟件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是眾多矢量圖形設計和繪圖軟件中的佼佼者;Photoshop是制作和處理位圖圖像的最好軟件。矢量圖形最大的優點是無論放大、縮小或旋轉等不會失真;最大的缺點是難以表現色彩層次豐富的逼真圖像效果。而位圖圖像能表現層次豐富、具有逼真色彩的照片品質圖像,缺點是放大若干倍后會產生“馬賽克”現象。圖像質量決定于設置的分辨率(一個單位面積內所包含像素的個數)的高低,分辨率越高,圖像就越清晰,信息量越大,文件也就越大。提高分辨率雖然可以使圖像更清晰,但是,尺寸卻會隨著分辨率的增大而變小;反之,降低分辨率會使圖像變大,畫質會變得比較粗糙。像素數目、分辨率和圖像尺寸可通過以下公式來理解。像素數目÷分辨率=圖像尺寸。根據圖像輸出的要求,低的可設置72dpi的視頻顯示模式,高的可設置300dpi的打印機模式,還可設置高達2570dpi的照排設備模式。所以,多數藝術家采用Photoshop軟件來進行數字繪畫藝術創作。

結語

目前,人和電腦處于一種既矛盾又合作的關系中,電腦仍然在人的指揮下與人合作,藝術家利用電腦這種媒介進行創作。與傳統媒介相比,雖然數字繪畫有著自己獨特的藝術語言,但基本原理(透視學原理、明暗關系、色彩關系等等)和其他藝術形式都是相同的。在繪畫發展的歷史中,出現了千姿百態的表現手段、形式技巧和風格特色,無論哪種形式,它最重要的應是依賴視覺來感受和欣賞造型藝術,要求藝術家的藝術創作的思想性與藝術形式要完美結合,既是現實生活的反映,也包含著作者對現實生活的感受,反映了畫家的思想感情和世界觀,同時還具有美感。在數字化繪畫藝術創作中,電腦硬件和繪畫軟件是會不斷更新和貶值的,我們更應該關注數字化對創作觀念產生的影響,只有通過研究技術進而深入研究創作理念方面的變化,才是具有價值的,使人從中受到教育并得到美的藝術享受。

參考文獻:

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綜合繪畫材料的特性與美感

在創作實踐中,我們經常接觸和應用很多物理特性不同的材料,這些材料的肌理、質感及帶給我們的審美感受大有不同。各種媒材總能一目了然地透過肌理表達材料的特性,如軟的質感有溫暖、舒適感,硬的質感則具有剛強、冷漠感。又如粗糙、荒疏的材料容易產生艱澀、困難、沉重、力度的感覺,有男性粗獷、堅毅之感。相反,在細致、光潔、瑩潤的質料上則使人感受到一種精心、秩序、甜美,一種女性的溫柔與文靜。

除此之外,豐富的材料種類同樣帶給觀者不同的情感暗示。如彩色玻璃的晶瑩剔透、華麗感;貝殼的色澤妖嬈感;木材紋理別致、自然淳樸;石材光澤美觀、穩重;鋼鐵堅硬、挺拔剛勁;鋁合金輕快、明麗;塑料細膩、致密;現代纖維材料溫暖、柔和、親近。這些都是材料本身具有的獨特美,是其它材料不可替代的,甚至有些材料作品還會觸發觀者的味覺、觸覺和聽覺感受。

自然界存在著許多可利用的材料,如何發現和獲取則需要藝術家具備獨到的鑒賞力和對材料的掌控力。面對現有的材料,我們要去把握它;面對沒有被利用的材料,我們應該去嘗試它;面對司空見慣的材料,我們可以將其打破重組,使之成為新材料,產生新精神。隨著藝術觀念的不斷開闊和現成品的采用,藝術創作的媒材范圍也在不斷擴大。有時,材料本身固然具有迷人的性能和表現力,但單純展示材料表象特征不是目的,真正要做的是借用合適的材料表達藝術精神。當藝術家的情感和觀念與材料的內在精神產生契合點時,作品的表現張力是具有相當震撼性的。

材料藝術性的探索與拓展

所謂藝術性,是指藝術家通過各種藝術手段反映社會生活、表達鮮明、準確、生動的思想情感。藝術性的高低與藝術作品的思想性有著密切的關系,藝術性作為對一件藝術作品的藝術價值的衡量標準,主要是指在藝術處理、表現方面所達到的完美契合程度。針對綜合繪畫材料而言,主要包括:材料語言的生動性和典型性;材料形式的準確性和鮮明性;藝術情節的完整性;藝術手法的精當性和多樣性;材料表現的民族性和獨創性等。自從畢加索在材料藝術那兒打開一扇窗,之后的很多畫家便開始不同程度地在作品中探索材料表現力。分離派代表畫家克里姆特,在許多作品局部大膽運用蛋彩、瀝粉、貼金箔、鑲螺鋇、貼孔雀羽毛等特殊技巧,創造了一種“畫出來的鑲嵌”繪畫,大大增強了畫面的裝飾意味和造型與色彩表現的感染力。野獸派畫家馬蒂斯在晚年也曾用色紙拼貼的手法代替油彩的涂繪,這一方法也使其畫面變得簡潔明快,呈現活潑有趣的效果。超現實主義巨匠達利為了拓展畫面視覺的張力,也常實驗滲入沙石和應用紙板,擴展材料自身的語言魅力。

在現當代藝術領域中,材料作為傳統繪畫媒介的附屬作用早已消逝,脫胎換骨地成為藝術家感悟和表現客觀物象的最有力的工具和武器。當下,材料作為觀念和藝術語境的重要特征,逐漸突破了單純的畫種間和畫材間的禁錮。通過借用和吸納許多非繪畫材料的成分,獲得嶄新的藝術效果和震撼的視覺張力,像裂紋漆所呈現的不同紋理變化,紙類拼貼的自然條紋,乳膠沉重的流淌感等。在材料選擇上除了前面所提及的玻璃、石材、塑料、鋼鐵等,媒材還被廣泛拓展到稻草、泥土、鉛塊、油漆、膠合板,甚至將洗衣粉、肥皂、火藥等用于特殊效果的制作中。材料成了藝術家不折不扣的表現語言和形式邏輯主體,也成了藝術家標新立異、不斷進行形式探索的核心。

但材料的應用已不僅涉及技術方面,更多地包含著藝術家創作中觀念的更新和對新材料的理解。德國“新表現主義”重要藝術家基弗,成長于德國戰敗的沉重歷史背景和陰影之下,他選擇了一種徹底、純粹的本土藝術,充分利用各種綜合材料,包括使用油彩、泥土、鉛、石頭、模型、照片、版畫、沙子、稻草、蟲膠和其它有機材料,他所描繪的一系列風景畫充滿了痛苦與歷史追索意味。巨大的畫面,復雜的肌理,以及“合理”的材料語言,給人以震撼的視覺沖擊力,并賦予作品主題和觀念以鮮明的觸感。

因為綜合繪畫本身具有很強的形式感和表現力,媒材的多元性又為畫面增添了全新的視覺感受。因此,許多現當代藝術家在創作手段和途徑方面大動腦筋。他們經常采取間接制作效果,比如使用計算機繪圖軟件制作樣稿再噴繪成數碼照片,設計制作底紋和肌理效果,應用絲網印刷技術,塑料薄膜壓印手段,以及用汽油、煤油淋灑、點燃以達到意想不到的效果等各種方法。波普藝術家安迪•沃霍爾為了迎合信息迅猛發展的時代需要,經常利用絲網印刷進行多次復制,以此反映在美國消費文化下人們復雜的變異心態,推進了20世紀中期的材料藝術語言的探索。

有時,藝術家們發現利用間接制作手段表現出的畫面效果常令人驚喜,其重要原因之一是偶發性的存在。如材料使用后呈現的神奇的色彩層次,火藥燃燒留下的斑駁痕跡,石蠟融化又凝固后的流淌狀態。這些意外收獲都有可能成為當代材料創作探索新層面的酵素,由此打開以材料本體語境打動和感染觀者的發展新格局。

勞申伯格對材料的應用范圍非常廣泛,尤其對絲綢質地的運用手段很高明,效果讓人著迷,其實此類材料作品的效果來源純屬偶然。據說一次藝術家在工作結束后,用廢絲綢團起來擦拭機器上的油墨時,無意中發現油墨一層層地滲透進絲綢里,層層疊疊,撲朔迷離,之后憑著對材料的敏感,勞申伯格抓住這次偶發的靈感,經過多次試驗,最終解決了絲綢、絲網印與油墨的技術難題,作品達到了理想的效果。

觀念與材料的結合

何為觀念,它不是一個概念、一種主意、一些可以用語言來描述的思想,而是指人在感性活動中體現出來的思維水平和感悟能力,即充滿悟性、禪機的智慧。在力透表象的反省中,觀念性包含著藝術家對材料感覺的敏銳和滲透思想的醒悟,所以他們關注當下社會人的本質與價值、精神信仰與尊嚴,強調對現實的批判;所以他們注重藝術的情感性,通過材料形式語言中不同的暗示信息,使作品具有獨特的思想情感印記,帶給觀者各異的視知覺感受;所以他們使材料傳達出一種特殊的文化符號內涵,它承載著藝術家自覺反思和傳承中國傳統文化中智慧地對待自然、對待萬物的思想情懷。

藝術家呈現在綜合材料創作中的感悟性和觀念性的特征有兩個,一是對當下生存思考和人文關懷,二是對新舊媒介的綜合,兩者共同構成了現當代藝術家對材料敏銳的捕捉能力,這就與傳統意義上的繪畫方法和思維方式有很大的區別。除了提倡創作中應打開無意識的大門,發掘潛意識的因素之外,更強調材料探索性和手段選擇性,如何讓材料作品中的思想與手段有機結合,這就需要藝術家智慧地探尋到那些具有他所需要的媒材形態和藝術觀念高度吻合性的材料。

材料大師塔皮埃斯認為,一件藝術品所具有的感人力量并不僅僅取決于材料本身價值的貴賤,重要的是它承載著藝術家的精神。在他看來,只有將材料作為媒介把藝術引向象征,才能創造出不可見的震撼。塔皮埃斯常利用材質的美感、簡約的色彩以及肌理與刮痕等手段,表達出塔氏的神秘意境和哲學象征。《作品2號》運用水墨、石灰等綜合材料,在灰蒙蒙的紙上浮現出類似繭狀形態的白色圖形及與之相對的黑色圖形,以黑白灰和點線面的組合使一團原本雜亂無章的線條成為了開啟整個畫面的智慧和光明的思想。從他創作意識和思維觀念中看出,他的思想具有東方審美哲學的影子,這應該與他深入研讀《道德經》等東方佛道、家文化經典的個人經歷關系很大。

其實藝術家在材料創作中接觸媒材的動機無外乎有兩種,或是帶著構思去苦苦尋找他中意的材料,或源于最初迷戀材料媒介的材質美感,卻漸漸發現潛藏于內的觀念表達。不論是哪種情形,在選擇媒材時藝術家都要先對材料及其特性進行深入的思考和充分的探索,同時與自身經歷和性格喜好相聯系,找到契合點,有過此番經歷的作品必定帶有藝術家鮮明的個人風格和感染力。但這一完滿過程通常很難在短期內隨著藝術家本人的意愿實現,他們總要經歷一番實踐探索和創作意志的考驗,需要不斷的培養和嚴格的訓練,以及多個階段與材料相互磨合。

第一階段作為一種創作手段的補充,憑借材質的特征美感豐富加強藝術作品的外在表現力,這是材料參與創作的初級從屬階段。

第二階段才真正進入材料本體表達的審美階段。由于材質的本體展示有不可替代性,直接將材料特性應用于創作實體,在展示材料作品留給觀者的初步記憶的同時使“視覺潛質”得以淋漓盡致地發揮和表達。但此階段還只是媒材進入審美本體觀念的確立階段。

第三階段是物質內涵的升華階段。綜合材料創作表達中除了要表現材料的審美功能,還要通過精神觀念提升使其進入具有特殊意義的視覺語言。材料既是藝術家的記憶性物質和精神聯合物,同時又具有廣泛普遍的象征性,能否“讀懂”材料,是否把觀念和材料語言“合理”地融為一體,材料作品中是否傳達著藝術精神性,這才是藝術家在材料創作中追求的真諦和此階段最需要解決的關鍵。

有人說尚揚是中國美術界20世紀80年代以來最富于否定自己和漸進性強化材料表現的藝術家。他經常在畫布面前“折磨”自己,苦苦思索,在一遍一遍的嘗試中期待材料、技法中出現的奇跡來牽引自己的創作構想,從他的藝術歷程看所言屬實。從早期的《黃河船夫》的蘇式風格到《狀態》系列、《大風景》系列及《董其昌計劃》系列,從單純架上繪畫到使用多種材料的“綜合”,他的作品手法和創作觀念變化劇烈而徹底。

20世紀80年代初,為了表現黃土高原的拙樸、苦澀,尚揚就曾實驗使用油畫顏料和高麗紙,首次嘗試不遵守規則的游戲。20世紀80年代末創作了《狀態》系列,這一系列作品迥異于他以往的風格,紙漿、石膏、乳膠的混合物擠壓在板上或布上,然后再粘上報紙,利用材料本體的審美特性表達近乎抽象的表現風格。之后,為了以更觸目的視覺樣式呈現后現代世界的危機和它對人類身心的擠壓,尚揚的《94大風景》成了火山內部剖面中的景觀,《大風景診斷》成了由人體的病理透視膠片組構的內部影像,《深呼吸》成了以醫療教學掛圖式的肺部風景。尚揚將自己作品的精神性品質定位為對“世界這片大風景”的追問和思索,對人與環境的關系、以及人類生存前景的關注。提起《董其昌計劃》,藝術家更將焦點投向了自然山水的質變和人與自然關系的質變,以多幅圖式并置的方式呈現自然的異化,材料作品中的董其昌式自然山水不僅風化,而且消失了人與自然和諧相處的見證。

縱觀尚揚的藝術風格演變,每一次都是由有意識地關注焦點到深入創作內涵,努力探索材料與藝術觀念性的“契合點”,智慧地將觀念和材料語言“合理”地融為一體,賦予材料作品真正的存在價值。

目前,國內外已有很多當代藝術家成功穿越傳統繪畫的樊籬,無論從材料實驗還是觀念融入都蘊涵著豐富性和多元性,有些甚至將材料轉換和時空錯位揉搓到作品中,使其具有超現實主義的視覺空間和觀念范疇,這類作品又因創作過程的艱難引發觀者的深刻感悟。日本藝術家三島喜美代就將硬脆的陶質與柔軟又褶皺的紙質進行材料置換,魔術般地將陶質作品變成“陶紙”作品:揉團折疊的報紙、各種包裝紙箱和貼滿印刷品的方盒變成“紙感的陶瓷”。國內藝術家徐一暉也應用過類似的智慧性表現形式,他用陶瓷把小紅書做成圣經式的神圣書籍,周圍布滿鮮花,像祭壇一樣放在展館,體現對特定時期文化現象的反思。

綜述

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任何一種藝術形式的出現,都要依賴于當時社會和科技的發展。數碼藝術設計這一藝術形式便是隨著計算機的發展和普及,數字化時代的到來而誕生的。著名藝術家羅伯特·勞申伯(RobertRauschenberg)和設計大師喬治·開普斯(GeorgeCapps)在上世紀60年代就開始成立了專門機構研究數碼圖形與數碼藝術,從上世紀80年代美國蘋果電腦公司推出MACINTOSH電腦形成“桌面排版系統”(簡稱DTP)開始,數碼技術在藝術設計領域應用越來越受到人們的重視。數碼圖形技術的成熟帶動了CAD/CAM(電腦輔助設計/電腦輔助制造)的普及和發展,設計藝術與數碼技術才得以真正結合。隨著現代的數碼技術在藝術表現領域中開始形成自身獨特的視覺表現語言,體現出更高的藝術價值,數碼藝術設計開始進入到藝術的古老殿堂。但是當數碼藝術創作給藝術家帶來興奮和視覺的新奇的同時,卻發現因文化科技等諸多因素,產生了數碼藝術與傳統繪畫藝術美的情感差異和數碼藝術表現的不足,同時還存在一些對數碼藝術的模糊認識。通過對傳統藝術形式和數碼藝術創作文化淵源的發掘,探討數碼藝術設計創作的視覺表現和美學趨向,及其藝術創作最基本的圖形、色彩、民族文化、數碼技術等方面的要素,有助于我們正確認識數碼藝術。用傳統藝術,尤其是民族的文化藝術來豐富數碼藝術創作,以彌補數碼藝術創作中藝術文化內涵的不足,解決在現代數碼藝術創作中存在的視覺表現,以及認識和發展方向的問題,是正確表現數碼藝術創作中傳統繪畫藝術美的關鍵。

形成傳統藝術形式和數碼藝術創作審美情感的差異,首先是文化傳統淵源的不同。傳統繪畫藝術創作是建立在深厚的文化底蘊和歷史淵源之上的,蘊藏著眾多的地域風情和民族文化。傳統的藝術精粹形式豐富,包涵著深刻的文化積淀、民族的心理情感、風俗習慣、審美觀念及審美情趣。傳統繪畫藝術所體現出深遠的歷史傳統,眾多的風格流派和博大的地域民族文化,以及傳統繪畫的筆墨造型和傳統藝術的文化淵源,都在人們的心理情感交流上造成親和力,產生心靈的共鳴。而新生的數碼藝術創作是在科技和工業的基礎上發展起來的,在美學情感上缺乏傳統文化基礎,在表現形式和內容上有較大的局限,使人產生在文化遺傳上的陌生和疏遠。其次是因為現代科技的含量導致創作和表現的差異。延續了幾個世紀的傳統繪畫,尤其是傳統的工藝美術,除了在技法和材料上的創新外,還沒有受到過像現代數字化所帶來的這樣巨大的沖擊。在人們還普遍認為傳統藝術只是存在于筆墨和傳統工藝的材料技巧之間時,數碼技術這一高科技的創作方式進入到藝術設計領域,就需要有一個認識和接受的過程。傳統的創作技巧和繪畫筆墨造型,導致了人們對傳統繪畫藝術價值的認可,但是由于對數碼技術的創作形式缺乏足夠的認識和接納,引起人們對數碼藝術造型在情感上的距離。數字化圖形處理技術是數碼藝術造型創作的根本基礎。數碼圖形(COMPUTERGRAPHICS,簡稱CG)是指數碼化的作品。作為CG一個重要組成部分,矢量圖形具有數碼技術對圖形描述的“硬邊”表現風格,適合標志和標準字等方面的圖形設計,但是“硬邊”風格造成了圖形表現形式的冰冷機械。像素位圖是CG圖形的另一構成方式,是基于色彩學解決圖像的數碼基本技術,同樣,在數碼藝術創作過程中,由于數字技術的要求,視覺的感官色彩感受必須轉換到對其數字化的處理,也就造成數碼作品缺乏親和力,這些數碼技術的工整、精密導致的機械感,就是數碼作品缺乏親和力的關鍵所在,是現代數碼藝術作品所普遍存在的不足。再次,作品的表現風格的差異也是造成情感差異的因素,傳統繪畫經過長時間的發展演變,形成了眾多的表現形式和創作風格,這些傳統的藝術語言易于溝通,便于同觀眾產生共鳴,而數碼創作的機械條理導致缺乏表現語言的生動和表現形式的鮮活。申奧標志是大家眾所周知的圖形標志設計,在整個設計過程中就貫穿著一個傳統藝術風格與現代數碼藝術創作風格相融合的主題,最終使用韓美林先生手繪的筆墨表現風格來升華陳紹華先生的數碼圖形創作,為我們解決用傳統藝術精髓來豐富數碼藝術創作提供了一個很好的例證。

在數碼藝術設計表現過程中,吸收不同文化、各學科領域的相互補充、借鑒是數碼藝術發展的根本。結合民族的優秀傳統文化和藝術形式是不斷充實數碼藝術設計的魅力和生命力所在。數碼藝術創作也具有很多自身的魅力,她為傳統繪畫創作的表達和反映藝術家的創作構思提供了形象化的手段,最大限度地發揮藝術家的思維和想象力。在近50年來久負盛名的設計師中,諾曼·塞斯萊維茲(ROMANCIESLEWICZ)、田中一光、靳埭強等可以說是具有代表性的設計師,他們的數碼視覺表現語言上都是獨樹一幟,為數碼藝術設計與民族傳統繪畫相互借鑒和相互發展都做出很大的貢獻。諾曼·塞斯萊維茲的數碼設計作品表現出奇異的構思和超人的想象力,他將自然和非自然,現實和超現實,理性和反理性的事物及觀念交織、揉和在一起的非凡的創造力,他對人類自身和文化傳統的獨特思維和觀察,揭示表達主題的藝術手法,都令觀者感到激動和震駭。作品“SAINTECORCHE”(圣徒的思維)通過視覺的夸張和超現實的手法表現抽象的理念,就體現了他那奇異的構思和非凡創造力的視覺語言。日本設計大師田中一光把現代設計觀念和數字藝術的形式美揉合到日本傳統藝術里,作品帶有明顯的優雅、素凈和單純的民族文化特色,又具備了強烈的現代美感,將現代意識和傳統精神融為一體,以獨特的表現形式和視覺語言以及鮮明的個性在日本設計界掀起一場對傳統精神的再創新再創造運動。他的海報設計“染織新秀展海報”以日本傳統民族服裝和服作為設計符號,不僅體現了民族文化,而且在表現手法上又具備現代設計的形式美。靳埭強的數碼設計作品也同樣具有很強的民族特色,如:“漢字主題系列”,明顯表達了對我國文化藝術的深刻理解,他通過對水墨、書法等中華藝術精粹的準確把握,形成自己那種帶有很強東方文化的表現風格,完美地把民族傳統文化藝術揉和到現代設計觀念里面。同時在他的作品中也同樣體現出了他對數字藝術創作美的準確把握和正確認識,使得兩種觀念相得益彰,相互輝映。數字現代藝術設計是一種新生的藝術形式,她需要多學科、多知識層面的融合才可取長補短,因此了解數字化基本原理,熟練掌握數字創作的技巧,具備藝術創作能力和藝術設計的修養,是數碼技術與藝術創作設計的完善結合,是“數碼藝術家”的基本素質。

西方的傳統繪畫從文藝復興開始經歷了古典主義、印象主義、現代抽象主義,中國繪畫也經過了很多流派的演變,現代設計從設計革命開始也經歷了現代主義、后現代主義等時期,而數碼藝術設計創作是從單一的商業派生出來的,缺乏藝術創作的根基,造成人們對數碼藝術表現的認識還趨于膚淺和一些錯誤的看法,在這里主要存在三個方面的誤區,一是萬能說,認為電腦萬能是對數碼技術的崇拜和夸張,是對藝術的基本創作規律和表現形式膚淺所產生的錯誤觀點,以模仿的技術代替藝術的原創可以說是非常幼稚的認識,是對數碼技術模仿和創造的關系認識不夠。只有正確認識數碼藝術設計創作和再創造的表現特點,才能更大限度地發揮其優勢。二是純商業性,由于電腦是從科技和工業中產生的,“數碼藝術”這個概念在這里缺乏藝術的遺傳根源,不具備純粹的藝術因素,商業是數碼技術的最本質的發源因素。藝術文化在數碼技術表現的時間不長,以至于至今還很難把數碼藝術上升到一個更高的藝術美學地位。隨著數碼藝術的不斷發展和藝術創作形式的更新,其藝術價值將打破自身本來的純商業性,在藝術創作領域占據更重要的地位。三是人們對數碼藝術價值缺乏正確的認識。傳統繪畫藝術創作是建立在深厚的文化底蘊和歷史淵源之上的,蘊藏著眾多的地域風情和民族文化,傳統繪畫藝術的歷史傳承、民族風格等因素,受到廣泛的認可,其藝術價值也倍受尊重。和傳統藝術作品的惟一性相比,數碼作品批量生產的因素直接影響到對數碼作品的心理感受的不同和價值認可的降低,但是我們應該正確認識到數碼作品不僅是體現一種科學技術,而是體現一種新興的藝術現象,她有著自身的視覺語言和傳達方式,所以數碼藝術價值是不可以用傳統的價值觀來衡量的。

計算機不是人腦,但是來自人腦,應該認識到計算機是人腦的延伸和擴展。任何一門藝術的表現形式都不能說是盡善盡美的,電腦美術也同樣有其不足,但具備藝術修養是電腦美術的根本前提,電腦表現形式的不足可以改善,而藝術修養的匱乏就決定了電腦美術作品的命運。今天,我們不僅需要藝術設計者能熟練地掌握計算機各類圖形軟件的使用,而且也需要尊重藝術創作的規律,以人為本,注重美學修養,電腦美術是一門新興藝術,需要我們共同努力才能使其健康成長,這樣才能創作出更多的好的電腦美術作品。

參考文獻:

(1)〔美〕王受之.世界現代設計史(M).廣州:新世紀出版社,1995.

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不同的社會、不同的文化環境下藝術家所形成的藝術風格是迥異的。第一個:時期,藝術家由于長期處于“”時期,他們所形成的藝術風格受到當時文化背景的影響,藝術創作思想處于一種被壓抑的狀態中,這些藝術家受到周圍文化的影響,他們的思想都是標準、統一、僵硬的。在此階段內,藝術家時常會遭到迫害,而為了保全自身,他們以保持沉默為最好的辦法,由于這種狀態持續時間較長,這些藝術家久而久之伴以沉默、壓抑、甚至是膽怯的性格。在這些藝術家的作品中,我們不難發現其中隱約透漏著以一種“”的氣息,壓抑苦悶的氣味。事實上他們并沒有刻意去回憶這段苦難的經歷,只是這些已經銘刻在他們的人生中,他們終其一生也難以徹底擺脫“”夢魘的糾纏,藝術是他們求得內心片刻解放和寧靜的最好方式。所以我們這代人讀到了所謂地“傷痕文學”作品,看到了所謂地“傷痕”藝術作品時,仿佛能看到或體會到那時社會的種種弊端和知識分子們的無奈與苦痛。第二個,以文藝復興時期為例。14世紀至16世紀,在西歐與中歐國家發起的一場旨在以文化藝術為背景與支托進行資產階級改革的西方人文運動,在此次復興當中,希臘的文化藝術起到非常重要的作用,它受到新興的資產階級的青睞,在以意大利為中心的地域逐步向外拓展,在此次復興當中,西方人文主義精神得到了極大的提高,人的重要性得到了重視,原來收到宗教壓迫的思想得到了解放,人們開始重新審視世界,塑造自己的人生觀、價值觀與世界觀,藝術家通過自己的文化作品來反映此時期人們內心的變化以及他們的喜悅之情。此外,從這些藝術家的作品中,我們可以得知人們開始不再壓抑自身的欲望,開始追求自己所要追求的人生,文藝復興所要提出的人文主義精神,激勵擺脫宗教無力的訴求,表現藝術家自己的思想和感情,科學為人生謀福利,教育發展人的個性,要把思想、感情、智慧都從神權的束縛中解放出來,提倡個性自由以反對人身依附。文藝復興時期的美術就是在這個基礎上發展起來的。

從藝術家的作品中,我們還可以得知其他較為豐富的歷史文化背景知識,如:當時的人們迫切的要求體現自然與人體自我價值的精神,轉變世界對于人類的重新審視。而且,在文藝復興時期出現了很多非常著名的藝術家。如:馬薩喬,他是文藝復興繪畫發展歷程中是一位影響重大的關鍵人物。在文藝復興時期,由于政治環境及社會文化思想的解放,給予了馬薩喬足夠的創造空間,使其作品在一定程度上擺脫了擺脫了晚期哥特式繪畫的特點,即優雅風格和裝飾意味。其在自己的作品中充分地反應出造真實形象以及真實空間。馬薩喬的代表作品為:《納稅金》(1425-1428),這是一鋪主要描寫當時宗教發展形勢的大型壁畫,上面有不同的人物及場景,他將這寫內容都表現的十分的真實,并充滿體積感。在作品中,不同的人物自身所用于的不同的形態都被描畫的惟妙惟肖。通過這些人物的展示,我們可以發現他們之間的不同關系及心理狀態。人物被安排在自己應該所屬于的位置,毫無被強迫安置的意味。作品中線條的優美及自然,或許讓人物展示給觀看者一定的笨拙感,但是真實卻無不在,直線性的造型節律,更加地加強了壁畫的紀念性。獨具的馬薩喬藝術的特色。

二、經濟發展與藝術家藝術作品風格形成的關系

篇10

隨著社會的進步,人們思維的改變,越來越多的思想不斷地涌現,人們的繪畫觀念也開始變化,藝術語言的形式在繪畫中的運用也在千變萬化。中國作為一個擁有自己獨立的繪畫形式的國度也興起了向西方、向俄羅斯學習的思潮。這樣的一種學習后來對中國的繪畫語言形式形成了巨大的影響,使中國由單純的國畫的注重筆法、線條、意境的藝術語言轉而到一大批的藝術家和學者開始學習西方的焦點透視,開始用鉛筆用油畫用點線面的基本原理來塑造形象。時至今日,中國的繪畫已經是多種多樣了,思想多元化,價值多元化,藝術多元化,藝術語言也變得多元化。在這樣藝術語言多樣化的環境下,我們必須立足于傳統的繪畫語言形式,來為我們的繪畫創作打下堅實的基礎。

我們知道,傳統的繪畫語言形式有形體、明暗、色彩、空間、材質和肌理。首先,形體包括點、線、面是每一個藝術家都致力表現的主體,它承載著畫面的藝術主題和內容,展現了畫家的人文觀點和思想。在繪畫作品的“藝術語言”中,點、線、面既作為獨立的形體又是形體組成的元素,而點、線、面本身又都是由幾何學所抽象出來的概念,這使得它們具有更強的表現力。一個可視的點是一個吸引視覺注意力的小元素,點既可以被表現也可以被暗示,它可以構成一個審美中心。“點”,從物形上講,是視覺聚焦的核心;從觀念上說,是思想呈現之源。“點”,在東方哲學中,具有最大的張力和延展性。“線”,可以被描述為點的運動軌跡,是一個可視的行動軌跡,線的表現意味著畫線的人和物的精神狀態。“面”,相對于點和線來說,容易讓人理解。所以在基礎素描中就將復雜的物體概括成無數個面的組合,面相對點和線來說具有更強的造型性。“面”,同時也可以看作是點和線的集合體。點、線、面與形體是密不可分的,它們沒有明確的界限,根據不同畫面的需要可以相互轉化。“點動成線、線動成面”。因此可以說,點、線、面就是形體。

其次,明暗和色彩是自然界的物理現象。它們也是我們需要去研究的藝術語言形式之一。明暗和色彩也是通過光而產生的物理現象。在繪畫中,明暗是指畫面中物體受光、背光和反光部分的明暗度變化以及對這種變化的表現方法。從繪畫誕生的那一刻起,畫家們就沒有停止過對光的探索,光使物體產生了不同的明暗變化,也產生了色彩的豐富變化,而這些不同的顏色使人產生不同的聯想和感覺。如紅、橙、黃這些偏向于暖相的顏色,就會引起人們對太陽、火光等現象的遐想,讓人產生一種溫暖的感覺;而青、藍、綠這些偏向于冷相的顏色,則會使人聯想到天空、海洋等景色,使人產生一種涼爽的感覺。畫家們也正是利用色彩的這種特殊的表現力與其他“藝術語言”相結合,創造出了具有強烈感染力的藝術作品。繪畫意義上的色彩不僅僅是對美的顏色的發現和創造,它更是畫家的心與對象的色之間的碰撞與融合。很多畫家都善于描繪這種明暗的變化和光影下色彩的變化,并且通過光的作用來渲染畫面的氣氛,使作品更具有表現力。其中最有代表性的畫家就是被稱做“光影大師”的荷蘭畫家倫勃朗。最注重色彩表現力的是印象派。在描繪自然風景時,他們追求著光、色和大氣的表現,從而使風景畫發生了重大的變革。

其三,空間是物質存在的一種客觀形式,它由長度、寬度、高度體現出來,而任何物體都是處在一定的三維空間中的。不論是西方的風景畫還是中國的山水畫,空間永遠是畫家致力表現的主體之一。在繪畫中通常借助透視來表現空間的層次感:西方繪畫主要以焦點透視為主即畫面上只有一個視點,并綜合運用色彩、明暗等手法加強空間的層次感;而在中國的國畫中(尤其是山水畫中)視點往往不只有一個,并且其具有“移動性”即散點透視。也可以說透視的作用就是幫助畫家在二維平面上構造出現實三維空間的假象,并營造出畫面空間的層次感。所以對空間的研究也是我們藝術語言研究范疇里一個必不可少的元素。最后是材質和肌理。物質材料是一切藝術作品的載體。繪畫藝術中的各個畫種之間所使用的特定的繪畫材料使各畫種都具有獨特的表現力,如以油彩和油畫布為載體的油畫在寫實性上具有極強的表現力。以墨和宣紙為載體的國畫在意境的展現上具有極強的表現力。而造型藝術最根本的目的是要創造性地運用藝術的手段,表達藝術家對社會、人、自然和藝術的看法,所以材料也是畫家表達自我情感的一種“藝術語言”。而在繪畫中,肌理是呈現物象的質感、營造和渲染形態的重要視覺要素,它對事物認識產生了強化作用,誘惑人們用視覺去體驗物象,并產生視覺上的沖擊力。

任何真正的藝術創作活動,都是由創作者感受到某種獨特的審美經驗并運用到某種獨特的媒介構成方式將這種經驗傳達出來。繪畫作品是畫家自身情感與思想的“承載體”,而將這些情感和思想“裝載”于作品上的“工具”正是“藝術語言”。畫家借助“藝術語言”的表現力在畫面上展現自我的人文思想,反過來觀者也正是借助畫面上“藝術語言”所創造出來的“視覺效果”,來解讀畫家的思想和觀念。怎樣運用繪畫中的“藝術語言”,取決于畫家自身的藝術修養和藝術主張。觀照繪畫中的情態與語言形態,藝術家們總是在尋求繪畫觀念和語言上進行著轉型,不斷地揚棄著自己繪畫語言上那些不純凈的和停留在生活表面上的東西,從而使繪畫語言和人文思想等方面都出現新的形態。在畫家人文思想的不斷變化中,某一種“藝術語言”往往被畫家自身的藝術觀念所強化,甚至表現出“極端”。例如:弱化了色彩、明暗,將所描繪景物高度地概括為點、線、面的構成關系來抒發畫者情感的中國畫“大寫意”;利用筆觸和色彩的無序組合來表現扭曲心理的表現主義;僅僅用色彩的點、線、面構成畫面主題的抽象主義。這些都是畫家將藝術語言的語匯極端化所產生的藝術形式,而這些新的藝術語言在不同的社會環境下,被人們所接受和推崇。在這個藝術多元化的現代社會中,藝術的表現形式是多樣化的。多種藝術形式伴隨著社會的發展而產生。這些新興的藝術形式對傳統繪畫造成了很大的沖擊,一部分學生和創作者在這種沖擊下“迷失”了自我,盲目追求所謂的“流行”和“成功”,而這類作品往往由于構圖過于自然、缺少豐富生動的藝術組合,無法表現出戲劇的氛圍,使作品平淡、乏味,缺少耐人尋味的內涵,甚至表達不出作者的思想與個性,忽視了“藝術語言”的表現力。在一個觀念被看重的時代,對事物自身情感的重現常常被忽視,在一個繪畫語言被視覺圖像沖擊的時代,我們不應該盲目地追求現代思潮、流派以展示自我的“前衛”意識,而應該根據自我所要表達的主題與內容來合理地組織運用“藝術語言”,使其為表達我們的思想情感“服務”。