導語：如何才能寫好一篇當代藝術論文，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

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論文關鍵詞：中國當代水彩畫的取向

 

（一）文化本土化、道路民族化

1．立足本土文化

古語云“只有本土的才是世界的”，因為以小觀大，世界文明是由各具特色的本土文明組成的；但還應該懂得“只有世界的才是本土的”，因為以大觀小，沒有跨文明的全球意識，就不能篩選、優化、提升本土文明。所以當今的本土文明應該是“全球背景的新‘再本土’”。[1]藝術本土化要建立在了解世界的跨文化的全球意識之上結合積累在個體身上的文化心理和審美心理創造出來。

筆墨當隨時代，中國水彩當從世界的角度來表現中國文化精神。他絕對不是水彩相貌的“中國畫”，而是獨有中國氣派的、開放的、貫通中西當代文化的產物。在繼承中國傳統文化和西方古典文化中講變化，在變化中求創造。要把主導中國傳統文化的價值觀與主導當代中國的現實價值觀和理想有機結合起來。

2．體現民族性特征

民族性在《辭海》中是這樣解釋的：“民族性，指作家，藝術家創造性地運用和發展本民族的獨特的藝術思維方式、藝術形式、藝術手法來反映現實生活，表現本民族特有的思想感情，使文化作品具有民族氣派和民族風格。”

中國當代水彩畫只有具備了民族性，才能從世界性范圍內的水彩行列中獲得一席地位。水彩畫無論走到任何一個國家或地區都要強調民族文化的發揚、發揮語言特色的。水彩的魅力在于它既有象油畫一樣的色彩表現力又具備中國水墨畫的自然韻味。這是任何畫種都無法取代的。

（二）語言創新化、風格多樣化

風格越是獨特，藝術觀點也就越是顯得明確。水彩畫的語言包含了情感的交融、松動的用筆、把主觀的意念融入到客觀的思想中。各種不同薄厚的水彩紙所產生的變幻的效果有所不同，帶有創新性的水彩作品使水彩畫語言帶來生動美，節奏美文學藝術論文，流動美。畫面中諸多因素都要綜合起來應用，有造型、氣韻、力度和情感等。應去嘗試新的材料、符號語匯，充分關注色彩、材質、造型自身的表現性和直觀性。梵高就是利用他的藝術天賦，運用輕快的色彩語言，抒發著靈魂最深處的傷痛感情，由此引起共鳴震撼人心。他自己曾經表明“‘畫畫不是畫物體的原狀……而是根據畫家對事物的感受來畫論文提綱格式。’又說：‘是的’，‘不真實’但比死板的事實更加真實。”

（三）觀念更新化、題材變革化

重復自己不經意，否定自己不容易。觀念更新化的水彩絕不是中國畫式的水彩，是構成，是取舍，是繪畫的型與型的關系。要畫出別人所沒有見過和超越大眾的普通視覺和手法。觀念更新化的水彩是表現基本的顯著的特征，比實物所表現的更完全更清楚。[2]中國當代水彩破繭而出需要觀念的變化來進行推動。現代藝術是革新美學，當代藝術是革新思想觀念。只有各式不同形態的風格能體現不同的思想觀念帶來的不同社會反映。水彩的題材選擇十分廣泛，最至關重要的乃是功力和眼力不夠。像王肇民老先生說過：“我認為創作有三個起碼的標準：（1）在內容上有自己獨到的見解；（2）在形式上有時代氣息和自己的風格；（3）畫得比現實更高、更美、更有社會意義。[3]

（四）理論體系化、思維時代化

1．理論體系化

當任何一種藝術門類的實踐從自然地狀態逐漸走向自覺的狀態時，就到了立論的時候了，這就必須要有相應支持的理論作為支撐，歷史上很多文藝高峰期總是有正確先進的理論為之做奠基。

“宗白華看來，作為審美對象的‘美’，其所具有的客觀存在特性是不以人的意志、主觀動機或目的為轉移的；審美活動的主體絕不可能僅只在自己心里去尋找這個‘美’的對象‘事實’，因為‘如果沒有客觀存在著美，人們做夢也不想研究美學，國家也不能提倡美育，設立美術館。”，[4]藝術家所持有的美的感受和美的取向不單來自于本身主觀意識，也來自于理論的支撐和導航，當代水彩畫之所以沒有一個完善的體系，停滯不前，理論體系不夠健全是重要原因。

2．思維時代化

一位具有時代思維的藝術家，除了要有深刻而真實的個性體驗以及獨特的藝術語言外，也必定能通過某種過人的藝術敏感捕捉到個人與時代，傳統與變化，主體語言和個性表達之間的深刻而微妙的關系。杜威認為“思維，作為人類特有的一種認識世界與反映世界的能力，它是人類在長期勞動實踐中獲得的。從藝術形成學角度來看文學藝術論文，勞動既創造了人類，也創造了藝術。”[5]

結論

小境界只能娛人耳目，大境界能夠震撼心靈。雖然中國水彩畫起步較晚，但是中國獨有的得天獨厚的民族文化為我們提供了很多靈感和空間。需要我們去粗取精，西畫中用，站在時代語境下，發揮我們長處和創造潛能，創造出符合時代性、地域性、民族性多元化的藝術佳作。

[1] 翟墨著，《融創時代·當代藝術手記》，人民美術出版社，2003，第1頁。

[2]《藝術的歷程》貢布里希著，陜西人民出版社，1987年2月版，第7頁[3]王肇民著，《畫語拾零》，湖南人民美術出版社，1983年，第6頁

[4] 葛路、克地《中國藝術神韻》天津天津人民出版社1993.8

[5] 戴維.杜威《當代藝術家水彩畫材料與技法》北京中國青年出版社1999.IPg

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國內藝術教育雖起步較晚，但發展的很快。90年代中期，大批的綜合大學、民辦院校以及設計學院開設設計專業，促使藝術教育辦學規模不斷的擴大，辦學質量也在不斷的提升。國內現有的幾所設計院校學科建設水平與教學質量比較高，在國內外的影響比較大。如中央美術學院、中國美術學院、清華大學、江南大學設計學院、廣州美術學院等都較早的引入國外先進的設計觀念、教學內容和教學手段，并結合自身的現實環境，創建出各具特色的設計教育體系，為市場培養了優秀的現代設計人才。通過分析我國高校藝術教育的現狀，具體的可以總結出以下幾個主要的問題。a.教學質量參差不齊。由于專業定位、生源質量、師資水平、辦學條件等因素的影響，高等藝術教育教學質量參差不齊的現象依然存在。b.辦學條件有待改善。

二、國內高校藝術教育的意義和作用

要建設文化強國，就不能不大力發展與繁榮民族文化，通過藝術教育來發展與弘揚中國傳統文化是搞好民族文化的重要舉措。發展藝術教育的意義在于：民族文化中的藝術瑰寶需要探尋者、搜集整理者，需要有一大批懂得藝術價值、有眼光與心智判斷民族藝術瑰寶與礦藏的人投入藝術研究隊伍。這些人要有寬廣的學術胸襟、敏銳的學術眼光與深厚的學術功力，讓他們把民族常態生活表象背后蘊涵著的那些民族特有的真、善、美發掘出來，與世界民族之林大家庭中的成員既平分秋色又共同分享。說到底，繁榮民族文化，除了外部條件，最核心的問題，便是培育出與建設文化強國發展戰略相適應的一批又一批藝術人才。國家只有具備這樣一個數量龐大、訓練有素的藝術人才隊伍，才能更迅速的發展成為文化強國。

三、國內高校藝術教育的發展對策

1.提高對藝術教育作用的認識

在當今社會經濟全球化的過程中，文化產業和創意產業迅速興起。尤其是創意產業不僅極大地促進了經濟增長方式和產業升級的轉變。而且，高校藝術教育經過密切參與社會生活與生產和學科交融，逐漸擺脫了以往的邊緣化地位，成為高校發展最快的學科之一。目前，我國在全球生產力競爭分工中我國尚處于低端地位，急需進行產業結構調整和產業升級，參與世界高端產業分工。政府為順應經濟社會發展要求，決定加快文化建設，這一戰略決策為國內高校藝術教育提供了新的發展機遇。與此同時，雖然國內高校藝術教育還落后與社會經濟發展水平，但是較好的發展基礎，也能使國內藝術教育適度超前發展，為經濟社會發展提供充足的高素質創新人才儲備。

2.重視我國傳統文化

傳統文化是一個在民族經歷長期的歷史積淀后，使文明逐步演化而匯集成的一種反映民族特質和風貌的民族文化，是民族發展歷史上各種思想文化和觀念形態的總體表征。我們認清當今世界的發展形勢，尤其是在藝術教育上面，要融合東西方文化的精髓，使藝術人才能夠擴寬視野，洞察未來社會對藝術的需求變化，推動藝術教育的持續發展和進步。正所謂“民族的，才是世界的。”因此，在當今的藝術設計教育領域我們應當特別重視對于我國傳統文化與藝術的繼承與發展。

3.重視普及教育

普及是提高的前提和基礎，藝術教育的普及工作在我國一直受到很高的重視。高校藝術教育既要以科學發展觀為指導，又要立足當前，滿足經濟社會發展需要，貫徹實施藝術教育發展規劃，重視藝術教育的普及性和基礎性，發揮出藝術教育應有的功能和作用，促進人的和諧發展。在20世紀九十年代，教育部制訂并實施《關于加強大學生文化素質教育的若干意見》，要求認識加強文化素質教育的緊迫性和重要性，而且特別強調加強素質教育工作的重點就是人文素質教育。最近，教育部又制訂了《普通高校公共藝術課程指導方案》。《方案》中要求普通高校應將藝術課程納入各專業教學計劃之中，學生至少要選修一門藝術課程且通過考核才能畢業，教育部的這一新規定，為加強高校藝術教育吹來了一股春風。

四、結語

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生產力的提高提升了我國的國民經濟水平，人們生活水平的提高使得人們在工作之余有了更多的興趣愛好去追求，當代藝術的產生滿足了人們的需求。當代藝術的群體十分廣泛，而且包含的素材種類很多，可以根據群體的不同，人們思想的不同以及不同的生活習慣來進行大概的區分。在當代的藝術作品中有一些是高校學生很容易能夠理解的，所以，在高校的美術教育教學過程中，學校及教師應當充分地利用這部分素材，進而使得學生們的藝術水平有所提高。由于社會的不斷進步和發展，人們的生活也與藝術在不斷的結合過程中，而當代的藝術更是對人們的生活產生著很大的影響。所以，將當代藝術融入美術教育教學中能夠讓學生們在學習及生活中更好地感受此藝術形式，通過對當代藝術的感受更好地認識了解社會，進而更好地融入社會。

2當代藝術的融入能夠開拓學生的視野，提高學生們的包容能力，開闊他們的思想

隨著中西文化的交流，在當今時代，我國的藝術也受到國外很多因素的影響，并將其以各種的形式體現了出來。正因為當代藝術的包容性，能夠使得它同其他的藝術做到很好的融合，所以，這種藝術作品同我們的傳統作品有著不一樣的形式。例如，在繪畫方面，科學技術的發展提升了當代的繪畫方法和手段，如我們現在常見的激光手段、數字模擬信息等。因此，學生們必須要對其進行系統地全方面學習。而在美術專業的教育教學中，學科的專業知識交叉發展使得高校在美術教學中既要讓學生提升自身的藝術水平，也要讓學生自己探尋創新點和新的靈感。

3加深當代藝術的理解及運用，豐富教育教學方式

同其他時期的藝術相比，當代藝術有著非常突出的多元性以及評價性。如果學生們對于美術的知識沒有學習透徹，很容易使其因為知識的不足導致見識方面的短淺和不足，對于很多美術知識的理解僅僅停留在理論層次而不能夠將其實際的運用到日常的生活中。針對這類問題，教師可以采用一些設計以及做一些宣傳活動等加深學生們對當代藝術的理解以及提升其運用能力。由于現當代藝術與傳統藝術不同，這就需要教師運用自己的能力提升學生的審美能力和領悟能力，將正確的美學精神傳達給學生。現階段我國教育部門對于美術教學的重視程度日益增加，很多高等學府中設有美術學院和專業，同時美術教學的性質也由以往一元化的專業辦學發展出了針對非美術專業的非專業辦學，通過一些美術鑒賞課和實際的理解課對非美術專業學生的美術水平進行引導教育，這就極大地豐富了教學方式。

4運用新媒體，充分發揮創造力

在藝術創作的過程中，每一件作品的創作產生都離不開創新能力和創造性思維。只有突破思維及其他各個因素的限制，充分地發揮創作者的創新思維和能力，才能誕生出讓人驚艷的作品。在我國傳統的美術教育教學過程中，教師通常都是根據基礎的理論來對學生們進行講解授課，這使得學生們在美術的學習及創作過程中能夠接觸的只是一些普遍常見的材料及方式，單一材料及方式的學習很容易降低學生們對于美術學習及創作的興趣，使得學生們對美術的情感層面受到影響，這種情況對于學生們長期的學習是非常不利的。時代的進步及科技的發展誕生了新興媒體。而新興媒體的產生對于此問題的解決提供了極大的幫助。通過在教學過程中對新媒體的運用，在創作中就脫離了傳統工具的束縛，學生們能夠更好地將自己的想法和創作意圖表達出來，能夠充分地發揮他們的創造思維及創造力，對于提升學生們的學習興趣及創作欲望有著很好的積極意義。因此，新媒體的出現對于現代的美術教育教學是非常重要的。在教學過程中，如果教師能夠充分的運用好新興媒體，那么學生在創作構思上就能夠擺脫傳統媒介的限制，更好地發揮創作思想。

5嚴格選取當代藝術，確保正確藝術觀的形成

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當代藝術院校的學生從入學的那一刻開始，升學壓力如影隨形；大學畢業后，就業與生活的壓力會時刻繃緊他們的神經。在這樣的期望與壓力交織下，學生渴望成功，但又畏懼困難。雖然有自己的人生目標，但對如何實現目標感到茫然。所以，很多學生將希望寄托在虛擬世界，因為在那里所有東西似乎都是他們可以“控制”的。對此，藝術院校的課程教學任務必須要從傳授知識轉變為讓學生能體會到對學習的控制，以此幫助他們體驗成功的滋味。對于課堂教學，學生需要的是獲得滿足感，而不再是掌握知識點。當課堂中不能實現這一滿足感時便會出現走神發呆、聊天、看電影、打游戲，甚至睡覺等，當這樣的情況反復出現，最終學生將對學習喪失興趣，造成嚴重的后果。因此，課堂當中的教學回饋至關重要，只有將教學目標變成回饋，一點一滴地讓他們體會到，給他們一個邁向成功的階梯，學生才愿意學習，才會有良好的教學效果。

二、如何提高當代藝術院校的教學質量

在現實的教學過程中，上同一門課的教師往往教學效果不同，甚至大相徑庭。原因何在？不是教學內容的多少差別，也不是教學手段的不同。作為一名教師，教學素質和常規的教學方法都具備，講清一個知識點是每個教師都能辦到的，而大家使用的教學設備也相差無幾。所以，決定教學質量的不是教學內容本身，而是對教學的理解和控制能力。因此，要想提升教學質量，不是一味地認真擬定教學大綱、制定授課計劃表、詳細準備教案和課件，而需要從當代學生的特點入手，真正理解他們對課程的需求，將教學目標從以往強調的知識點掌握逐漸轉變到讓學生控制學習過程，體驗成功。要想達成這些，及時有效的教學回饋是唯一的路徑。所謂教學回饋，就是在教學過程中，不斷通過學生在練習當中反饋出來的問題進行細致有效的指導，讓學生不斷改進，并最終讓他們體會到成功的教學過程。因此，教學回饋是一個動態演繹的教學方法，并且是因人而異的。重點在于不斷地鼓勵學生看到自己一絲一毫的進步，并給學生一個可操作的步驟，讓他們能對學習有所控制，并最終體會到成功的樂趣。

1.課前調查學生的現狀，了解每個學生對課程的期待

可采用問卷調查的方式來進行，根據學生和課程情況設計一個調查表，收集學生的基本信息。主要包括學生現有的基礎、選擇本課程的原因、對課程內容的選擇、對學習的態度等。數據反饋之后，還需要安排每個學生單獨談話以了解信息的真實性。就算問卷時選填的信息不準確，在談話中也可以進一步知曉他們的想法。通過談話，讓學生明白問卷中每一個項目是如何設置的，為什么要這樣設計，同時也讓他們感受到老師對自己的重視，從而更愿意和老師交流。

2.找出學生現在面臨的問題，并制定出課程目標

在課程一開始，就應該安排一個基礎性練習考查學生現有的專業水平，通過練習的結果讓學生發現自己面臨的問題并做好記錄，這時教師就需要和學生交流，幫助他們找到解決問題的辦法，從而制定出課程目標。隨之而來的，課程評價也不能再是全班統一標準的考試，因為考試只能讓學生更多地感受到壓力，所有的標準在他們看來都是強加的。對學生成績的判定標準應改為他們是否實現了自己的學習目標，無論目標的高低，實現了就是高分，只有這樣，每個學生才能看到被肯定、被認可的希望，才不會出現優生永遠高分、差生永遠在及格邊緣徘徊的情況。所以，作為教師，更多的是要鼓勵學生，認可他們的努力，引導他們將一個大的目標分解成若干小的步驟或階段性的小目標，一步一步攻克，讓他們能慢慢看到自己的成長。

3.監督過程，不斷回饋

學習目標明確了，學生在每天的課程中完成的情況如何，老師一定要跟進，及時指出問題，并給出明確、可執行的修改意見，這才是教師真正需要下功夫的地方，也是體現出一個教師教學水平高低的關鍵所在。在每個階段結束的時候，教師應該再次和學生交流，了解他們完成的情況和遇到的問題，下一階段該如何完成等。讓學生隨時能感受到自己對學習的過程和效果是能夠控制的。剛開始時他們會感覺是老師在幫助他們控制，隨著這樣的回饋不斷循環之后，學生會慢慢體會到自己對學習的控制。當他們自己能夠控制學習的時候，成功的滋味也就漸漸“烹調”出來了。

三、結語

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【摘要題】理論探討

【關鍵詞】社會學前衛/大眾文化/微觀政治/當代藝術

【正文】

在2005年7月9日舉行的第2屆成都雙年展座談會上，評論家李公明教授與王林教授對展覽提出了尖銳的批評。李公明認為展覽具有嘉年華的特點，但藝術家還是對社會提出問題太少。他強調了藝術與政治的內在相關性，認為當代藝術應該有對世界的積極回應，承擔對社會進步與公平的責任，從而繼續尋求對宏大敘事的營造的可能性。

王林則對展覽中的青年藝術家的作品和展覽策劃提出了批評，他的觀點與李公明有相近之處，即“當代藝術家距離問題太遠”。他認為不能說新一代藝術家年輕就代表了這個時代的精神，當代藝術中的政治性不能回避，中國的前衛藝術從來沒有回避過政治問題，而一個不觸及中國當代社會問題的展覽是缺乏學術性的。對于兩位評論家的批評，展覽策劃人范迪安教授回應說：“當代藝術和大眾文化相關聯是我們討論的問題，說我們沒有考慮學術問題是不對的，技術和學術我們都要考慮。”（注：所引觀點見《成都雙年展學術座談會紀錄》，柳淳風記錄整理，尚未公開發表。）

范迪安的簡要回答提出了“當代藝術與大眾文化”這一重要問題，即對于當代青年藝術家的具有濃厚大眾文化特征和個性化日常經驗的藝術表達，應該如何認識？在對現代社會進行批判性反思的宏大敘事之外，當代藝術有沒有可能從其他方向切入當代社會？這一問題的提出，反映了我們對具有后現代主義特征的當代流行藝術的文化判斷，也提供了一種對過去二十年來由“八五美術思潮”所形成的現代主義思維方式進行反思的機會。判斷一個展覽是否具有學術性，不在于一個展覽是否涉及重大的全球性問題，是否具有一般意義上的現代性的反思批判，而是看這個展覽與當代社會的視覺關聯，以及這個展覽以何種方式組織和表達這種藝術與社會的視覺關聯。在某種意義上說，從大眾文化的角度觀察并表達當代藝術對社會現實的態度與呈現，正是新世紀中國當代藝術的重要課題。相對于西方發達國家，具有深厚的歷史文化傳統并處在不算發達的現代工業與商業環境中的中國的大眾藝術，會有怎樣的特殊表達方式和視覺形態？這是我們作為策展人不能不關注的藝術趨勢。

1939年，格林柏格發表了他的最重要的現代主義理論名篇《先鋒派與庸俗藝術》，在這篇文章里，他注意到在同一社會可以并存著看起來似乎并無關系的不同事物，例如艾略特的詩與錫鍋街樂隊的流行音樂，勃拉克的畫與《星期六晚郵報》的版面，也就是所謂的“精英藝術”與“通俗藝術”的差異與并存。問題在于這種差異是否就是諸多事物的自然秩序的一部分，它是不是我們這個時代新出現的和我們這個時代所特有的？格林伯格認為，討論這一問題必須考察這樣一種關系：特殊個體經歷的審美經驗與社會歷史背景之間的關系。由此，格林伯格討論了先鋒派藝術對資本主義現實的社會批判與歷史批判的不妥協態度。這種對現實的勇敢批判卻導致了現代派藝術家對社會的自覺疏離，它既排斥革命的政治也拒絕資產階級的政治(當然，它無法拒絕資本主義的市場)。因此，先鋒派發展起來的真正的和最重要的功能是尋找一條途徑，在意識形態的混亂和激烈沖突中保持文化的運行。“先鋒派藝術家和詩人完全從大眾中退離出來，通過把藝術局限于或提高到表現絕對來努力保持自己高水平的藝術，在這種對絕對的表現中，要么解決一切相對性和矛盾，要么對這些問題不予理睬。于是，‘為藝術而藝術’和‘純詩’便應運而生，像逃避瘟疫一樣逃避題材和內容”（注：格林伯格：《先鋒派與庸俗藝術》，載《激進的美學鋒芒》，周憲譯，中國人民大學出版社2003年版，第191頁，第195頁。）。

先鋒派藝術將注意力關注于藝術語言和表達媒介自身，將經驗還原為“為表達而表達，表達比所表達的東西更重要”，這種專業上的專門化、精英化和對題材、內容的冷漠，疏遠了許多不能或不愿了解他們技藝奧秘的人。大眾對精英文化的漠不關心使先鋒派在當代文化的發展中由于缺乏群眾和市場基礎而受到生存的威脅。

在對先鋒派藝術在總體文化中的處境日漸艱難感到憂慮的同時，格林伯格注意到了工業化所帶來的另一種“后衛”藝術——庸俗藝術。根據格林伯格的歸納，它包括流行的商業性的藝術和帶有彩色照片的文學、雜志封面、插圖、廣告、通俗黃、喜劇、流行音樂、踢踏舞、好萊塢電影等(在今天，我們還應該加上電視娛樂節目、數碼影像、動漫、電腦游戲等)，這實際上就是我們現在熟悉的流行藝術與大眾文化，是一種為城市市民和住在城里的鄉下人所需要的消費文化，這些市民與民工對正統的文化價值無動于衷而又渴望某種文化娛樂，借以打發無聊與排遣城市生活的壓力。

格林伯格對庸俗藝術的生產模式做出了十分深刻的概括并且痛斥它對于志在創新的前衛藝術的巧取豪奪：“庸俗藝術為了自身的目的可以充分利用成熟文化所發現的東西、成果和完善的自我意識。它從這一文化傳統中借取技法、訣竅、策略、經驗方法和主題，并把這些東西變成一個體系，拋棄不需要的成分。它從歷史的積累起來的經驗庫存汲取自己的生命血漿。這就是人們所說的今天的通俗藝術和文學曾是昨天屬于創新深奧藝術和文學的真正含義。”（注：格林伯格：《先鋒派與庸俗藝術》，載《激進的美學鋒芒》，周憲譯，中國人民大學出版社2003年版，第191頁，第195頁。）

今天，大眾文化已成洶涌潮流，藝術與市場的關系日益緊密，本雅明所預見的復制性藝術對傳統的手工技藝的經典藝術造成極大沖擊。我們對待大眾文化與流行藝術已不能再持一種簡單的批判與聲討，而應該更深入地研究當代藝術與當代社會的復雜的美學關系。

在我看來，格林伯格對于流行藝術的全面否定(雖然他也承認庸俗藝術有時也制作出某種有價值的東西，某種帶有真誠民間風味的東西)是站在美學前衛的立場上反對流行藝術對藝術語言的資源掠奪與形式上的自由挪用。但是格林伯格沒有注意到當代流行藝術對大眾思維方式與生活態度的深刻影響，這種影響對青年一代是如此重要與深遠，與之相比，一些知識分子在專業刊物上對流行文化的批判與聲討就如同在大海中扔進幾個石塊。社會生活的潮流激變使我們和80年代以及80年代的青年之間日益陌生，而他們正是當代藝術越來越重要的參與者與接受者。一個具體的例子是，在北京“798區”舉行的藝術展覽和活動中，我看到越來越多的陌生的年輕面孔，他們對藝術的定義和態度與我們已有很大的不同。最重要的一點是在當代青年藝術家的創作中，我們看到越來越多的對于當代社會的切入與表達，有關藝術語言和技術表達的問題不再居于中心，而是讓位于對于現實生活和個人經驗的綜合性表達。換句話說，如果我們一定要尋找當代藝術中的前衛性，那么這不再是一種專注于藝術語言與媒介的“美學前衛”，而是一種重視社會生活變遷與個體感受的“社會學前衛”（注：關于這兩種前衛的概念與歷史，請參閱我的論文《前衛》，載《湖北美術學院學報》2004年第1期。）。在這一點上，中國當代藝術在經歷了90年代中期的注重藝術語言的階段后，在某種意義上又一次回到80年代后期新潮美術對于社會、政治的關心與表達（注：藝術評論家栗憲庭有一句著名的話“重要的不是藝術”，說明了80年代中國前衛藝術的社會學性質而不是美學性質。）。區別在于，80年代青年藝術家對于社會、政治的變革熱情是在歷史與傳統的背景上所產生的理想主義的宏大敘事，而今天的青年藝術家更多地從個體經驗出發，在微觀沉潛的層面上折射出時代與社會的劇烈變化。

借用語言與文學的概念，如果說，80年代的前衛藝術還具有一種古典主義與理想主義的情結，它的表述方式更多地像一種演說與宣言。這種演說與宣言，具有古典主義的宏大敘事特征，是一種單方面的自我表現，它所面對的，是藝術家想像中的文化傳統，作為一種叛逆與革命的對象，藝術家在自己的實驗藝術中象征性地完成了對傳統的批判與摒棄。

當代藝術中的價值觀發生了轉換，當代青年藝術家的表達方式更多地具有一種自語與對話的特點。觀察成都雙年展的作品，我們可以看到70年代和80年代以后出生的青年藝術家的普遍狀態。這一代與80年代新潮美術家的最大區別，在于他們沒有那種胸懷祖國、放眼世界的英雄主義與救世理想，而是將個人的生活和大眾文化與影像圖像作為重要的藝術表達資源，在平凡的日常生活中用異樣的眼光觀察物象，從中獲得異樣的感受。當然，這種感受沒有前輩畫家在作品中表現出的那種由堅定的理想與價值教育所形成的不容置疑的確定性，我們在這一代青年畫家的作品中看到若干游離與恍惚，曖昧與自戀。在他們的作品中，也會流露出無言的茫然和對前景的困惑，但從整體上來說，他們在作品中對于閑暇與享受的表達更具有一種對世俗生活的體驗、認同與投入。而他們在藝術表達方式上已經由于當代藝術信息的豐富來源和材料的多樣化，具有了更大的自由度與綜合性。

意大利藝術評論家奧利瓦在《超級藝術》一書中提出了“熱超前衛”(HotTransavanguàrdia)和“冷超前衛”(ColdTransavanguàrdia)的概念，這大概是借用了現代藝術中的“冷抽象”與“熱抽象”的概念。他所提出的這兩個概念不是平行的共時性概念，而是先后的歷時性概念，即“熱超前衛”的一代人以使用語言的方式來利用強調藝術價值的機會，這種語言求助于歷史，以此作為其分離于日常用語的標志。而當前的一代人卻采用一種綜合的、或然性的方法，即對材料和語言選擇中的固有難題做出直接的反應，哪怕這些材料和語言是根據同樣的疏離以及折中的能力來加以使用，奧利瓦稱之為“矯飾主義者的模仿”。他指出“時下的藝術家們按雙重意向來操作，即首先選用可辨認的事物，并將其加工處理，使之在與觀眾的目光相遇時起刺激作用；其次是采用形式化的場所和建設性方式，使之能夠以新近精煉出來的距離感和意圖來環繞其作品”（注：奧利瓦：《超級藝術》，毛建雄、艾紅華譯，湖南美術出版社1998年版，第10—11頁。）。在這里，他實際上區分了早期現代主義的精致語言的前衛藝術與后現代時期受到大眾文化影響與滲透的缺乏修養的流行藝術。

當代藝術的傳播越來越依賴于藝術信息的獲取和藝術活動的配套操作，大眾媒介、收藏與市場日益成為具有評論價值的重要因素而發揮著影響力。當代藝術家已經意識到通過展覽與大眾媒介建立自己的符號系統即商品品牌識別系統，從而增加藝術神話的附加值的重要性。為此，選擇社會熟悉的大眾文化符號并對已有的傳統文化資源加以挪用，是一個與大眾和傳媒建立緊密的消費聯系的公關策略。

美國藝術史家T·J·克拉克注意到前衛藝術的這種復雜性，也就是前衛藝術與“現代性”的關聯：“在1860年—1918年間作為藝術的一些前后聯系，前衛藝術的豐富性可以依賴它給予平面性的這種復雜和兼容的價值——必定從其他地方而不是從藝術中得出的價值——而重新得到描述。它將使那種平面性作為‘大眾化’的同義詞——因而將某種東西精巧地、清晰而顯著地構想出來。或許它表示了‘現代性’，因為平面性意味著用幻覺召喚出的廣告、商標、時髦畫片和照片的純粹兩維性。”（注：T·J·克拉克《克萊門特·格林伯格的藝術理論》，見《波洛克及其之后》，紐約哈珀與勞出版公司1988年版。）

現在的問題是，我們如何看待這種與大眾文化具有血緣關系的流行藝術？還是在成都雙年展的座談會上，陳瑞林教授的觀點對我們可能會有啟發，他認為：“我們不需要對藝術家提出過多的要求，現在主流的意識形態的消解，家長里短也能推動社會的發展，實際上改變社會的還是大眾藝術。改變社會思維方式的還是流行藝術。我對大眾藝術、實用藝術比較感興趣。讓民眾感受藝術，也是好的。大家不要太刻意，現代藝術是很寬松的。”（注：所引觀點見《成都雙年展學術座談會紀錄》，柳淳風記錄整理，尚未公開發表。）這一觀點反映了后現代主義思想對中國知識界與藝術界的影響，流行藝術已經并且將會獲得更為寬容的發展環境。

在后現代主義看來，今天已經不再存在具有重要意義的先鋒派，也就是說，不再有令人震驚的藝術和受震撼的社會之間的那種張力，這是一種普遍的觀點。它證明了在西方社會，先鋒派已經取得了勝利，社會本身已經接受了創新與變革，但這恰恰導致了“前衛”的制度化，并賦予它不斷推陳出新的任務。美國社會學家丹尼爾·貝爾注意到西方藝術經過現代主義的前衛洗禮，已經獲得了一種文化沖動力，即藝術“已呈現出一種追求新穎和獨創性的主導性沖動，以及尋求未來表現形式與轟動效果的自我意識，這就使得變革與創新的設想本身遮蓋了實際變革的成果”（注：丹尼爾·貝爾：《資本主義文化矛盾》，三聯書店1989年版，第79頁。）。

后現代主義者認為前衛已經死亡，理由是在當代藝術中，形式革命的空間已經發掘殆盡。而前衛藝術極端強調的個性在現代社會中具有很大的虛幻性，個人并不能把握自己的命運。福柯認為，現代主義強調的主體性并不存在，所有的主體性都是虛幻的，個人在整個社會的權力關系中存在，為這種關系所分類、排斥、客觀化、個體化、約束以及規范化，個體接受社會權力的制約和社會規范，自覺內化，這是一種被動的“生產性的主體”。但福柯也強調個人要從被他人改變轉向自我轉變，從而發展出以分散、多元對抗統一性的“微觀政治”。“微觀政治”是反體系性的、反中心的、多元化的，是強調主體行動的自覺性的，“必須把政治行動從一切統一的、總體化的偏執狂中解救出來，通過繁衍、并置和分離，而非通過剖分和構建金字塔式的等級體系的辦法，來發展行為、思想和欲望”（注：福柯：《反俄狄甫斯序言》，轉引自道格拉斯·凱爾納《后現論——批判性的質疑》，張志斌譯，中央編譯出版社2001年版，第70頁。）。

在福柯的著作中，主要討論的是現代社會中的個人如何被分類、排斥、客觀化、個體化、約束和規范化，個人處在全方位的社會權力網絡體系中，每一種人際關系都是一種權力關系，個體似乎處于悲觀的無助地位。但在福柯的晚期，他注意到了這一點，從強調“統治技術”轉向強調“自我技術”，即強調個人如何被他人改變轉向強調如何實現自我改變，他呼喚一種在社會微觀層面發展起來的多元的自主斗爭，用一種后現代的微觀政治學概念取代了現代的宏觀政治學概念。通俗地說，當分散的個體不具有對整體社會中心權力的控制權時，他可以通過個性的自由與解放來獲得對自我的控制權。這種“微觀政治”以兩種反話語形式獲得自己的批判性策略：一種是“話語政治”，即邊緣群體通過抵制將個人置于規范性約束下的霸權話語來解放自我，獲得自由；一種是“生物性政治”，即個體擺脫規試性權力的束縛，通過創造新的欲望形式和形式來重塑軀體，從而顛覆規范化的主體認同和意識形式。將“”與“欲望”提升到一種文化與政治的高度來切入社會，是當代藝術對于傳統價值的一種和平顛覆的后現代策略，這就要求我們對當代藝術中的“”和“欲望”從社會學的角度還原它在現實生活中的大眾基礎，這也是我們了解行為藝術與身體藝術的一個切入點。

展覽現場

在我看來，當代藝術對于社會的切入，正是從個體與微觀的層面上，對傳統價值與觀念的解構與重建。由此，無論是有意識還是無意識，當代青年藝術家在認同、參與、體驗甚至享受當代生活的外表下，正在發展出一種對傳統社會結構和價值觀具有解構性的藝術圖像系統。以卡通一代、張小濤、楊帆、UNMARK、曹靜萍、陳可、羅丹、吳雪蓮、孫皓、牟柏巖、陳昕等人為例(更早一些時期，四川的陳文波率先使用塑料式女性形象表現商業復制對當代生活與個人情感的模式化塑造)，他們的作品都反映出我們時代的社會變遷與卡通文化、數碼影像對當代青年的深刻影響。在與青年藝術家的交流和對話中，我注意到，正是通過流行文化的符號，他們的個性化日常生活經驗得以表達，在這種表達的背后，是一代青年價值觀與倫理觀在微觀層面的張力性沖突，以及他們在這種沖突中試圖重塑自我的努力，福柯在《論倫理學的系譜學》一書中說“我們必須像創造藝術品一樣創造我們自己”，也許我們可以將這句話轉換為“我們必須在藝術創造中創造自我”，這種重建主體性的努力是為了爭取個體的自由，所謂“自由”，是指個體可以擺脫對一個已逝世界的懷戀，或者說可以不必在今天重新復制過去的規范模式。

篇6

一、《致橡樹》的文本細讀

《致橡樹》主要是描寫了愛情的美好，是舒婷在1977年寫成的，本詩主要描寫了愛情的偉大和無私，對詩人的內心世界直抒胸臆，展現了一種獨立、平等的愛情觀。在經歷了之后，詩人有著與別人對生活不一樣的理解，舒婷通過女性獨特的視角對時代的脈搏進行把握，呼喚人們對美好愛情的向往。這種直白的表達方式對當時的人們來說是比較震撼的，對于喚醒心靈、解放思想來說具有非常重要的意義。之前人們已經對《致橡樹》有了很多的解讀，甚至今天還出現了一些庸俗化的理解。所以，隨著時代的發展有必要對《致橡樹》進行文本細讀，還原其中蘊含的深層次的含義。

根據人們對舒婷寫作背景的考察，人們發現《致橡樹》所誕生過程中的一些小細節。在剛結束的一天下午，舒婷與她的偶像蔡其矯在鼓浪嶼的沙灘上來散步，兩個人之間的交流是沒有任何的隔閡的。當兩人在談到男女關系的時候，兩個人的意見出現了不一致，蔡其矯說“天下美女多數四肢發達、頭腦簡單，而才女卻往往長得不盡如人意，縱然有那既美麗又聰明的女性，必定是潑辣精明的女強人，望而生畏啊”，蔡其矯這一番抱怨，引起了舒婷心中的不滿，經歷過上山下鄉的舒婷對這種歧視女性的看法是持反對態度的，她一直在反思著女性的獨立價值。回到家后她立即寫下了這篇《致橡樹》，通過幾次轉載，在廣大青年中廣為傳頌，產生了深遠的影響。那么《致橡樹》對愛情的價值觀方面的影響究竟體現哪里呢？

《致橡樹》是以女性的視角來切入書寫的，在文字上一開始就突破了傳統的束縛，對女性的獨立意識進行了深入的描寫。“我如果愛你”就表現了女性其實是和男性一樣擁有獨立的選擇權和話語權的。緊接著詩人對傳統愛情的表達方式進行了否定，如凌霄花、鳥兒到日光、春雨等這些不對等的男女關系是不應該存在現代的愛情中的。在用詞上，詩人也是比較決絕的，如用了“絕不”“也不”“也不止”，表現了對舊時代的強烈抗議。在詩歌的第一層理解上，詩人在心理上是極度渴望沖出歷史的束縛。

在那個精神極度匱乏的時代，當女性在第一人稱表達自己的情感的時候，其實已經是邁出了非常重要的一步，在詩人心目中正常的男女關系應該是怎么樣的呢？在對詩歌的第二層理解上，詩人把“木棉”引出作為女性的象征物，借此來抒發自己心中的愛情理想。“我必須是你近旁的一株木棉，作為樹的形象和你站在一起”，“站”字的運用表現出了女性的獨立品質，因為在傳統的眼光中女性一般都是柔弱、依附的，是從屬于男性的。而詩人選擇了“木棉”對“橡樹”的表白，說明了他們倆的各自獨立、彼此尊重、相互支撐、同呼吸、共命運。這種愛情觀的主要內涵是雙方的獨立、平等和相互尊重，女性在追求愛情的道路上也是有著自的，有著自我實現的需求，這在馬斯洛的需求層次理論中也有著很深的體現。由此可見，舒婷的《致橡樹》通過以女性的視角表達了女性意識的獨立性，在女性立場上為我們樹立了一個反叛的女性形象，傳達出了自己的愛情觀和人格尊嚴。

二、《致橡樹》的當代意義

《致橡樹》從發表到現在已經過去了三十年，在這三十年間，對文學的欣賞也發生了很多的變化。“朦朧派”的詩人已經快被人們遺忘了，詩歌在文學上已經沒有了相應的地位，寫詩和讀詩的人群嚴重萎縮，現在讀起來《致橡樹》已經成了對那個時代的懷舊。那么，《致橡樹》中所追求的愛情觀是不是也過時了呢，還有沒有存在的價值？下面我們對《致橡樹》當代意義進行詳細的分析。

曾幾何時，《致橡樹》也被一些批評家評定為文學的“口香糖”，嚼過之后就沒有味道了。不過我認為這其實不對的一種評論，雖然那個時代的文學匱乏造成了我們對這些“朦朧派”詩的崇拜，現在雖然時代變了但我們也不能否認它存在的營養價值。在物欲橫流的今天，人們的愛情價值觀出現了一些極端的情況，社會流行著這樣的一些愛情觀，比如“寧可坐在寶馬車里哭也不要坐在自行車上笑”，還有諸如宣稱要找“男人中的精英、精英中的人才、人才中的王子”的“物質女”，這樣的物質型的價值觀是讓人擔憂的，人們在感情中的遭遇的危機也逐漸變得越來越多。愛情本來是本來的東西，如果物質聯系的太緊密，那就失去了愛情本來的意義，在多元化的價值觀下，人們很容易迷失在尋找的叢林中。所以今天來重新審視《致橡樹》還是有著比較積極的當代意義的：

首先是愛情觀的重新構建，真正的愛情是純粹的，是男女之間心與心之間的交流，情與情之間的碰撞，這樣才能構建純正的愛情觀，進而是構建純正的家庭觀。其次是重新樹立大家的道德思想，明確時代的責任。要把個人的理想和時代的責任聯系在一起，這就是大家所明確的時代精神。

篇7

雕塑藝術是使用一定空間來呈現靜態或動態的形體,通過物質實體來塑造藝術形象,以最清晰化的方式呈現出作品本身傳達出的思想,它離不開材料。材料是藝術創作的物質前提,作品的形體和精神依附于材料,雕塑家對材料的選擇與使用,直接影響到作品形體的構成和觀念的形成。

在雕塑藝術中沒有材料,美就沒有形象性、具體性和直觀性,就不能功能于人的感觀而成為審美對象。材料是藝術創作中的物質和技術的載體,在當代雕塑創作中缺少材料的支撐必定造成藝術語言的貧乏。雕塑家注重材料本身的美感價值,把自己的思想情感凝結在材料之中,通過材料所構成的外在形式,借助材料的文化含義、社會作用來傳遞內心體驗。

二 當代雕塑藝術創作中料語言運用的特點

隨著當代藝術觀念的產生,材料語言由材料作為形式使用逐漸變為材料作為觀念使用,使雕塑在材料使用上有了無限可能性,人們的審美和欣賞活動更加直觀,具有強大視覺沖擊力的雕塑作品變得更佳符合當代人的審美需求。這種藝術語言離不開對于材料的處理和表現,雕塑家的創作觀念存在于對材料的理解與處理中。

(一)肌理與質感

雕塑藝術的魅力在于強烈的感染力和表現力,不僅體現在它強烈的三維空間的形體上,還通過外在的表面肌理和材料質感體現出來。不同材料所具有的不同質感、肌理、形態、比重、色澤、強度等性能,對其主題表達、造型處理、制作程序、加工手段、應用范圍等會產生各異的影響,從而形成不同的藝術風格和審美差異。

材料肌理主要分為:自然肌理和人工肌理。自然肌理是指材料天然存在具有的紋理,如石材的粗糙表面、木頭的年輪、鐵的銹。許多雕塑家在創作時都會把自然的紋理作為一種重要的裝飾,使雕塑呈現不規則的流動變化,增強作品的表現力和感染力。人工肌理是指由創作者根據作品的表達需要,根據自己的主觀意志人為產生的紋理組織。雕塑家對材料人工肌理加工痕跡成為藝術家在創作過程中精神活動的物質性記錄與再現,使人們深切感受到作品精神的形成軌跡,領悟到作者的創作意圖,從而獲得更多的審美體驗。如十屆美展韓子健的作品《秋山圖》就是運用金屬材料焊接產生的特殊紋理表現山石的造型,將山體局部經過打磨產生的光滑、白凈的肌理來表現水的質感,使得簡單的形態顯得豐富多彩。

材料質地的致密與疏松、純凈與夾雜、柔軟與堅硬等不同特性,都蘊含著與主題造型相關的因素。對材料不同質感的選擇與應用,直接影響到創作的構思以及作品形體的構成。采用不同材質創造出來的雕塑形象已不單純是普通的形象,而是具有生命作用的精神映像的雕塑。如隋建國的《殛》,作品是在工業用橡膠運輸帶上釘了幾萬顆釘子,使這個軟墊在一定的距離之外看似一塊地毯,通過鐵釘刺穿工業橡膠的暴力和工業橡膠由被動的承受姿態,傳達出他自己對存活環境感悟。又如李秀勤的《被開啟的記憶》,通過粗礪的巨大松木與金屬盲文點的結合,仿佛隱喻了存活與死亡,聚合與分離的思想,材料選擇的運用體現出雕塑家個體對生命作用的追問。

(二)文化含義與社會作用

當代雕塑家深層次發掘材料的特性,在材料中尋找社會文化含義,使材料成為文化與精神的載體,材料語言的運用不僅能使我們感受人類的共同歷史,而且能與廣大觀者在心靈上達成共鳴。從某種作用上說材料語言是具有生命力的,它作為一種特定屬性的載體,不僅與歷史連接,而且還蘊含著豐富的生命涵義。如展望的《園林烏托邦》,作者采用不銹鋼材料給觀眾展示了一個精神家園,巧妙運用鏡面不銹鋼晶亮浮華的假性外貌特征,轉變了人們常見的園林形態,給人們提供了一個符合工業時代的符號,作者通過這種材質的表現揭示了人文主義精神含義的同時也與現代工業城市建筑相得益彰。又如隋建國的《結構》,是鐵與石頭的連接和對抗,給人以對抗和沖突,反映壓抑與反壓抑、封閉與反封閉之間的關系,有著較強的文化指向。

(三)多樣化表達

隨著時代的進步,藝術家對材料在雕塑中的語言研究進入了一個新的階段。雕塑概念被解構,藝術家開始重視材料給觀眾帶來的和樂趣,對材料的技術處理更加深入,所涉及的材料種類越來越廣泛,比如布、棉、線、可變性非固態物質等,有時就連動植物和人的身體也變成藝術家手中的創作材料, 材料的內涵已不只是傳統材料中的土、木、金、石了。

新材料不斷的出現,使得材料在當代雕塑藝術中的運用方式更加多元化,視覺效果更加豐富、新穎,使觀眾開始以一種新的目光去觀看作品,對雕塑材料的有了重新的認識,也構成了一種時代文化的象征。例如,傅中望的《異質同構》,通過對材料認知和選擇,以中國古代營造法式有的凹凸樺卯方式,搭配材料,石、木、金屬,從本土文化入手,在傳統文化中尋求突破。又如施慧的《老墻》,將紙漿澆淋在棉繩和竹片上,如蜘蛛網一樣,營造出歲月封塵的效果,同時還有著當代隱喻的作用,帶給人們某種奇詭和神奇的視覺感受。

篇8

多元化社會文化是由各種獨立多數的文化現象組合而成，主要包括主導，高雅，大眾等文化形式，內容豐富，如果從客觀角度出發，可以將其內容分為以下幾點，具有一定意愿性符合社會大眾需要的是主導文化，強調社會人文關懷和追求個性的是高雅文化，高雅文化主要指的是人類對相關知識學習的理解和欣賞。例如，古典音樂，芭蕾舞和古典音樂劇等等，一定程度上放映了人們生活的情趣和興趣愛好。都市文化指的是伴隨社會的發展而發展的人類需求，個性化和時尚性是它的主要特征。例如，時尚雜志，廣告，影視連續劇等等，民間文化的主要特點是地方性和民族性較強，它在一定程度上代表了當地的民族文化和居民對未來的展望，具有溫情的感彩。例如，民歌，年畫，風箏和京劇等等。如果從時代角度出發，還可以分成現代，傳統或者東西方文化等等，這些文化充斥在一起，組成了豐富多彩的多元社會文化。

2藝術設計技術研究的主要內容

藝術技術是人們通過物質和藝術手段，設計出符合人們要求和目的的藝術產品，滿足人們的精神和物質世界的需求，藝術設計的本質內容是創造文化，獨立性和理智性是它的主要特點，藝術設計使人們創造藝術的過程，是在人類生活的基礎上，開展具有一定精神文化氣息的活動。例如，我們生活中比較常見的服飾藝術設計，產品外觀藝術設計，園林保護藝術設計等等。設計者和設計品是藝術設計技術的行為主體，藝術技術水平是一個設計者全方面高素質的體現，創造藝術的過程中需要設計者的創作靈感和審美能力，創造出符合大眾審美，做工精湛的文化藝術品是對設計者的基本要求，藝術設計作為一種生活文化創造的表現形式，它的內容在方方面面都展現了社會文化的多樣性和文化特質。

3藝術設計技術教育的多元化發展方向

3.1發揚多元化的藝術設計技術理論知識學習在藝術設計領域中，由于受到不同文化的影響，設計者在設計過程中的設計想法和設計產品的突出特征也有所不同，具有很強的差異性，尤其是在國內外的藝術教育學校中的差異最為明顯，培養全能型的技術應用人員是我們藝術技術教育的重要任務，藝術設計專業在我國屬于發展中的學科，在課程的綜合素質教學和培養人才方法上教學模式都比較單一。學校在藝術學科的課程上，應該以學校的社會文化環境為基礎，發展具有自身特色的藝術專業，將學校的藝術學科和專業在多元化的社會文化教育體系中進行結合，讓學校的藝術設計學科開設的專業課能夠相互影響，相互補充和融合，讓學生更清楚地了解各個文化的魅力，在不同的文化特點中找到相同點，從而找出符合自身藝術設計特點的發展方向，加強專業課學習的多樣化，提高專業藝術設計技術的整體水平。

3.2發展多元化的藝術設計資源配置多元化的藝術設計資源配置對提高藝術設計專業和藝術學科的發展具有一定的積極促進作用，首先高素質的師資隊伍是發展藝術設計技術的根本要求，目前我國藝術設計教育的教師隊伍主要是由合同制教師和專職教師組成，專職教師主要從藝術設計的實踐，研究和歷史發展三方面為主要教學內容，這些教師的自身要求普遍比較嚴格。例如，藝術實踐方向的教師主要是專業的設計師，教學生學習藝術史論的教師是視覺設計方面的史學家等等，而合同制教師主要負責的是學生藝術設計技術方面的研究和學習，此類教師具有豐富的實踐教學經驗和堅實的技術知識，為學生解決藝術設計中遇到的難題，提高學生的整體技術水平。其次，完善的教學設備是學生將理論技術知識賦予實踐的主要手段，現階段我國很多學校并沒有藝術學生專用的工作室和實驗室，很多學校對于此類資源的認識不清，資金不足也是主要的一個限制因素，加大我國藝術類學生的動手操作能力是提高藝術設計技術水平的重要條件。例如，可以為藝術系的學生建立一個完善的學習研究教學資源平臺，為教師生提供一個創新的教學空間，如圖書館，數字設備，智能電子數據庫等等，通過這些手段的實施，來滿足學生和教師學習科研的需求。利用豐富的教學手法和高品質的圖形資源來提高學生的課外自主學習能力，加強他們的創新精神和實踐動手操作能力。

3.3培養藝術設計學生多元化的專業能力藝術設計學科專業性比較強，學生畢業后用人單位對學生的要求也比較高，由此可見，培養全方位的高素質藝術設計學生顯得尤為重要，對提高設計技術水平也有較大幫助，多元化的文化模式是藝術專業發展的強大推動力，在多元的社會文化發展環境下，設計藝術的特點根據不同地域和歷史文化而發生變化，提高學生的藝術創造能力和思維創新精神是當代藝術學生應該具備的專業能力。首先，教師應該對專業教材進行深度的研究，利用學生的自身情況，發展靈活的教學模式。例如，鼓勵學生課外閱讀，通過專業藝術論文或者是學習報告來進行競賽，增強學生的良性競爭意識。其次，教師應該將學生自身知識和多元化的社會文化進行整合，通過留題目的方法，把學生劃分為小組形式，讓學生根據自身的條件進行分工合作，從而解決問題，這種方法一定程度上鍛煉了學生的團隊合作能力和自主學習能力，讓學生在團隊中互相幫助，相互學習，讓學生在德智體美勞全方面發展，為以后的藝術學習做好基礎。最后，學校可以與相關專業對口的企業和公司進行合作，為學生提供良好的環境和平臺，讓學生通過實習單位舉辦的各種活動，增強自身文化學習意識，把理論和實踐相結合，從而提高學生的創新能力和動手操作能力。

4總結