電影的藝術魅力范文

時間:2023-10-09 17:10:54

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電影的藝術魅力

篇1

關鍵詞 親情。友情;愛情

一、前言

電影《獅子王》是迪士尼公司于1994年6月制作的第32部動畫片。電影以它優美的音樂、動人的故事情節、流暢的畫面、深刻的主題贏得了全世界的觀眾的喜愛。本片榮獲1995年奧斯卡和金球獎最佳原著音樂和最佳電影歌曲兩項大獎。《獅子王》上映的時候,幾乎達到萬人空巷的地步,其轟動程度令其他電影公司望洋興嘆,在很長一段時間內,它都是電影史上惟一進入票房排名前10名的卡通片,成為迪士尼歷史上最成功的動畫電影。它為后來的美國動畫產生了深遠的影響。

二、電影《獅子王》內容梗概

在非洲大草原上有個動物王國榮耀石(Pride Rock)。國王是獅王木法沙(Mufasa)。他的兒子辛巴(Simba)是個天真而又充滿好奇心的小獅子,他極力在自然的偉大的生命輪回中尋找自己的位置。辛巴還有一位小伙伴娜娜(Nana)。但他的叔叔刀疤(Scar)卻暗藏野心,一心要奪取辛巴繼承榮耀石王國統治者的合法地位。為了達到這個目的,他與卑劣的土狼(Hyenas)達成了協議。為了徹底葬送辛巴,刀疤和他的土狼盟友們籌劃了一個陰險的圈套,迫使辛巴在他父親死后逃離了王國。刀疤如愿當上了國王,卻使整個王國挨餓。辛巴在逃亡路上結識了兩個好朋友,丁滿(Timon)和彭彭(Penba)。長大后與母親莎拉碧(Saran)和娜娜重逢,在朋友們的幫助下,他作為合法的榮耀獅王國之王,克服了巨大的恐懼和心理上的障礙,最后終于打敗了刀疤及土狼,登上了獅王之位,實現了他的愿望,在生命的輪回中找到了自己的位置。

三、《獅子王》藝術魅力的原因

電影《獅子王》的成功原因是多方面的,但最主要的原因是它以情動人,深刻的主題打動了所有觀眾的心。電影貫穿著一個“情”字,是情感動了觀眾,在觀眾的心中產生了共鳴。電影中的親情、友情和愛情從不同的角度與觀眾做著無聲的交流,讓觀眾在影片的發展中慢慢體會著這三種情感帶來的精神上的體驗。

1.親情

首先,電影中展現的是親情,也就是父子之情、母子之情。影片最初展現的親情是在辛巴和木法沙之間的父子之情。木法沙作為國王和父親,肩負著統治王國和教育王位繼承人的重任。作為父親他必須教育自己的兒子從小就要懂得自己的責任和義務,不斷成長起來。

溫情脈脈,父子情深。在這方面,木法沙表現出父親應具有的溫和、和藹的一面。例如木法沙與辛巴坐在巖石上望著天邊升起的太陽,談論著動物之間的關系。木法沙耐心地為辛巴解釋國王也不能隨心所欲的道理和如何看待生物之間的關系。影片動人的一幕就是父子二人坐于巖石之上的背影,一大一小,沐浴在金色的陽光中,溫馨而寧靜。

嚴厲有加,嚴中有愛。但木法沙也有嚴厲的一面。在嚴厲中流露出愛子之情。辛巴對周圍的一切都充滿了好奇,憧憬著有一天自己會像父親一樣當上威風凜凜的獅子王,對世間的險惡懵懂不知,一心要顯示自己的勇敢。當第一次遭遇危險時,木法沙及時趕到,解救了辛巴。但木法沙對辛巴的魯莽不聽話很生氣,嚴厲地批評了辛巴。辛巴認識到了自己的錯誤,體會到了父親對自己的愛。管教自己的孩子并不是一味責怪,而是讓孩子在錯誤中吸取教訓,以后不再犯同樣的錯誤。但現實是父母的一次耐心說教并不能讓孩子真正地理解父母的苦心,往往要經歷多次的磨難才會徹底成長起來。

心靈相通,父愛永存。木法沙的說教起到了一定的作用,但卻無法阻止刀疤的陰謀。辛巴的天真導致了木法沙的死。辛巴為父親的死感到自責,不知道是刀疤把自己的父親推下山崖。在外逃亡的時候多次仰望天空,想起父親說過的話:天上的星星是過去的國王在看著他們,指引他們努力地生活。最后,辛巴戰勝自我,把刀疤和土狼一伙壞蛋趕出自己的王國。當勝利來臨時,辛巴再次望向天空,仿佛是在向自己的父親述說自己的思念之情,告慰父親的亡靈不必再為自己擔心。影片的感人之處是父子的心靈相通。但孩子的成長的代價是由父親的生命換來的,因此更加令人痛惜和感嘆。

影片對于辛巴與母親的母子之情的描述不是主線,但每一個畫面都流露出母親對兒子的一片深情。如莎拉碧目送辛巴和術法沙走出洞外的眼神,充滿了柔情,父親肩負教育兒子的重任,母親在生活中負責日常瑣事。如莎拉碧和另一位獅子媽媽給小獅子洗澡,普通的畫面叫人倍感親切。不論是成人還是小孩都會從畫面中聯想到自己的溫馨的家庭生活。

2.友情

古龍曾說過:朋友是這個世界上最令人愉快的東西。友誼,更是這個世界上最不能缺少的東西。丁滿和彭彭是辛巴在逃亡路上遇到的兩位朋友。一頭猶豬,一只狐蒙,外加一頭獅子組成了一個奇特的“三人幫”。辛巴從他的朋友中獲得了快樂,從一個不諳世事的小獅子,逐漸長大,最終找到自己的正確位置。

救命之恩,惺惺相惜。電影對辛巴和丁滿、彭彭之間的友誼之情,著力渲染。首先是辛巴在逃亡路上暈倒就要被禿鷲吃掉時,二人及時趕到,救起了辛巴,并把辛巴帶在身邊。三個本是吃與被吃關系的動物,組成了奇特的三“人”世界,過起了無憂無慮的生活。辛巴對救命之恩也是感念在懷,在危急時刻(如彭彭被娜娜追趕之時)挺身而出,救朋友于危難之中。當然這次的危險只是虛驚一場。

學會生活,面對困苦。辛巴從朋友那里獲得的還有如何對待生活。對一個情緒低落的人來說,朋友的一句鼓勵,甚至比世上所有的良藥都有用。辛巴逃出來后,無法忘卻父親的死,內心非常痛苦。他的朋友雖然不清楚辛巴內心的痛苦。但卻從朋友的角度開導他,讓他學會忘卻過去,享受限前的快樂時光。辛巴于是暫時把悲傷埋在心底,重新面對生活。除了精神上的考驗,辛巴還要在生活上學會適應環境。如像朋友那樣吃甲蟲。就是在朋友們的幫助下,辛巴經歷了生活的考驗,逐漸長大成為一頭威風凜凜的大獅子,為日后的興起奠定了基礎。

團結戰斗,拔刀相助。朋友之間最看中的應該是一個義字。漢語中關于朋友之間情義的說法很多。英語中有“A friend in need is a friend indeed.”(危難之中見真心。)辛巴的兩位朋友在得知辛巴的真實身份以后,雖然對辛巴的隱瞞有些不滿,但在最關鍵的時刻毫不猶豫地站到辛巴的身邊,為伸張正義不顧自己的性命。實際上,丁滿和彭彭兩人對土狼并不構成多大威脅,相反他們是真正的弱者,但為了辛巴的使命,兩個人沖鋒陷陣,無所畏懼,巧妙地與敵人周旋、搏斗。影片對這一場景的描寫是帶有幽默色彩的。但觀眾還是被 辛巴的朋友的忠義所感動。

3.愛情

愛情是電影中不可或缺的元素。本片也不能免俗。雖然愛情不是主線,但這一情感的存在使故事情節更為完整,人物形象也更豐滿。

青梅竹馬,兩小無猜。出生不久的辛巴對外面的世界充滿好奇,不久就約娜娜一同去探險。在遭遇土狼娜娜有危險時,辛巴挺身而出,奮不顧身前去保護,盡管自己還沒有足夠的能力,但已有了未來獅王應具備的英勇無畏的潛質。在對待婚姻問題上,其實兩個小獅子對此還處于懵懂無知的狀態中,并不知道何謂延續后代。當大臣說到他們將來要結婚時,兩個小獅子非常不理解,認為好朋友怎么可以結婚,結婚是很可笑的事情。可以理解,恐怕沒有人會和兒童談論婚喪嫁娶的事情。

長大成人,意外相逢。莎士比亞曾經說過愛是一種甜蜜的痛苦,真誠的愛情永不是走一條平坦的道路的。辛巴和娜娜的愛情也是經歷了時間的考驗。由于刀疤和土狼追殺,辛巴被迫逃亡,與母親和娜娜失去了聯系。每個人都以為辛巴已經不在了。直到有一天,娜娜在出來尋求希望的路上,與辛巴意外相逢。這是一個戲劇性的重逢。娜娜在捕獵中恰巧遇到了彭彭,在就要吃掉他時,辛巴及時趕到與娜娜廝打在一起。辛巴從娜娜熟悉的捕獵動作中認出了她,二人欣喜相逢。意外重逢免不了互訴衷腸。電影此時的畫面溫馨動人,令人對生活的美好產生憧憬。但愛情永遠都沒有一帆風順的。辛巴和娜娜也為辛巴是否該討回王位而產生爭執,最后賭氣分手。

并肩戰斗,齊心協力。分手后的辛巴在一只神秘的狒狒巫師幫助下,克服了心理障礙,恢復了自信心,決定向刀疤挑戰,奪回被占有的王位。這時娜娜趕來了。她已經聽說了辛巴的巨大轉變,便趕回榮耀石與辛巴共同面對困難和危險。在朋友們及獅群的幫助下,辛巴與娜娜并肩作戰,終于把邪惡的刀疤和土狼趕出了王國。辛巴登上王位,不久與娜娜的愛情也有了結果,一頭小獅子出生了,與電影開始的場面極其吻合,開始了動物王國周而復始的輪回。

四、電影對白的特點

電影《獅子王》的成功源于多方面的原因。精彩的對白也是該片成功的原因之一。電影對白的最大特點是幽默風趣。對白中詞語的運用更是到了經典的地步。電影中的對白可分為兩個大的方面,一是語言層面上的特點,二是內容層面上的特點。在語言層面上的特點是首先運用了大量的俚語、習語等表達法,使對白簡練、明了。其次是對白風趣幽默。在內容層面上的特點是詞語與人物之間做到了完美統一。正是這些詞語的特點使電影的藝術感染力更強。

1.語言層面上的特點

首先是對白中運用了大量的俚語、習語表達法。電影對白中有許多俚語表達法。俚語的應用使人物的性格刻畫得更為豐滿,突出了電影要表達的主題。其次是對白中的修辭特點――幽默。電影對白中的幽默可以說是處處都在。電影中辛巴有兩個好朋友:丁滿和彭彭。這兩位都是搞笑能手。反派人物除了刀疤還有幾個土狼,他們之間的對白也充滿了搞笑的元素。

2.內容層面上的特點

詞語與人物性格上的統一,詞語表述內容與影片主題的完美統一,這是《獅子王》對白內容層面上的主要特點。對白中的詞語表達與影片中的人物身份和性格達到了完美的統一。例如木法沙的威嚴、莊重而不失親切的對白特點。作為國王,木法沙肩負著治理王國的重任。他與辛巴在影片開始的一場對白,堪稱經典,它把木法沙作為國王和父親的角色反映得淋漓盡致。

五、結語

篇2

    1數字特技創造電影視覺神話

    (1)數字特技可以用來創造出人們聞所未聞、見所未見、想所未想的全新的電影鏡頭。那些敢于赴湯蹈火,不怕粉身碎骨,面對驚心動魄的挑戰面不改色心不跳的英雄人物,過去只是存在于作家、藝術家及其忠實的讀者或觀眾的想象中,數字特技卻讓這些意念中的英雄須眉畢現地展現在觀眾眼前。還有堪稱經典的《烈火狂風》等影片中,那種讓熾熱的巖漿在人們的眼前怒火萬丈地奔突咆哮,并讓提心吊膽的觀眾目睹了肝膽俱裂的演員在龍卷風中隨風拋擲的逼真場景,如果沒有數字特技的支持,是根本不可能出現在銀幕或熒屏之上的。還有美國生產的《玩具總動員》、《勇敢人的游戲》、《龍卷風》等大片之所以有不俗的票房,其根本原因就在于奇妙的數字特技設計所產生的逼真而神奇的畫面效果,使觀眾領略到現實生活中無法實現更無法體會到的全新感覺。

    (2)數字特技還可以用來完成巨大的、困難的甚至危險的攝制影像。比如影片《真實的謊言》中在飛機上打斗的場面和導彈拖著人飛行的鏡頭就是演員根本無法表演的,只能用計算機特技完成;在《泰坦尼克號》影片中,龐大的群眾場面如果由演員組成,不僅要耗費大量的人力與財力,而且難以組織,同時海難的場面也不可能讓演員冒著生命危險去完成,這就需要以計算機制作出數字人代替真人表演。

    (3)數字特技使觀眾體驗到身臨其境的感覺。在《角斗士》中當羅馬競技場生動地出現在屏幕上,當血腥暴力的逼真場面非常真實地出現在我們的視線中,一個早已被煙塵覆蓋的時代就出現在我們的面前。 《角斗士》中氣勢如虹的戰爭場景也讓人叫絕,漫山遍野的鎧甲,像叢林一樣的刀劍,使觀眾同時感受到了大戰將至,箭在弦上、 蓄勢待發的緊迫感;呼嘯而來的羅馬騎兵,黑壓壓的裝甲步兵,投射器發射的火球,弓箭射出的火箭,燃燒的森林,兵器擊打在盾牌和肉體上的悶響,如此逼真的畫面,加上聲響的震撼等聲光效果的配合,觀眾就像是跟在麥克希穆的身邊親歷刀光劍影,和麥克希穆一起沖鋒陷陣,一起揮刀搏殺,這一切都是電腦的杰作,那種足以以假亂真的三維特技,使得能容納三萬多人的斗獸場變成了瘋狂的海洋,人與獸的驚險搏殺經過特技制作以后,看上去是那么地驚心動魄,帶給我們的視覺體驗也是如此的真實,我想此片因而獲得第73屆奧斯卡金像獎最佳視覺效果獎應該是當之無愧的。

    2數字特技能讓真實事件完美再現

    (1)電影中的數字技術是以現實主義的手法描畫現實,真實再現某些自然景象和動作奇觀。美國歷史巨片《珍珠港》中的轟炸場面中呼嘯的飛機,沖天的濃煙,傾覆的戰艦,落水的士兵,大多是數字技術合成而非實拍。其精妙逼真的數字處理畫面和鏡頭的生動描述,帶給觀眾強烈的視覺感受,引領觀眾進入電影主題。試想如果以實拍的手法再現這一巨大的歷史性場面,將是一項非常困難而又無比巨大的工程。然而通過后期合成技術,只需實拍不到十分之一的場景和人物,就可營造出預想中無比宏大的歷史畫面,其中一些實拍無法實現的飛行,爆炸場景,甚至是完全用數字技術虛擬出來的,這證明運用數字技術的途徑是非常成功的,因為看不出破綻的特技才是最有藝術魅力的。

    (2)讓靜態的人物做出真實的動作,可以再造歷史中根本不存在的人物形象。如《阿甘正傳》中虛構的歷史鏡頭——阿甘與肯尼迪總統握手,這就是利用藍幕摳像將演員與肯尼迪總統的歷史鏡頭合成,經過精心地修飾,達到以假亂真的效果。還有斯皮爾伯格給我們帶來的恐龍及大白鯊的奇觀,經過計算機三維動畫技術建模、利用動作跟蹤軟件賦予生成物體的動作和運動軌跡,再與實景拍攝的鏡頭合成,最終成為一個令人震憾的鏡頭。

    3數字特技打造奇觀的敘事功能與象喻點題作用

    (1)數字特技的奇觀敘事既與故事敘事血脈相通,又富有特殊的震撼力。影片《泰坦尼克號》沉船災難的奇觀為敘事的重點,當船頭翹起、船尾開始傾斜到90度,上千人絕望地驚叫著從高為230英尺的船艙跳入大海逃命時,其慘烈場景,撕心裂肺,數字特技真實地再現了海難的一幕,在驚心動魄中把故事推向了災難的!在突如其來的巨大災難面前,生死瞬間,蕓蕓眾生何其渺小,然而,正是災難的反襯高揚了人性的尊嚴和高貴,畢竟有很多很多的人在生死抉擇時,把生的希望留給了別人,把死的危險留給了自己,因而,前面的不落俗套的愛情故事才釋放出眩目的光彩。也正因為可以自如地運用數字特技合成各種圖像,制造出各種超乎人們想象的災難鏡頭,所以這無與倫比的奇異景觀使《泰坦尼克號》的敘事如此與眾不同,巨大的視覺沖擊形成強大的敘事張力,當觀眾從愛情飛翔的美輪美奐跌到空前災難的慘狀時,真的不需要更多的語言,奇觀敘事有著使人降服的感召力,前所未有的奇觀影像和奇觀敘事震撼了世界影壇。

    (2)數字特技打造的奇觀不僅可以敘事,而且能夠畫龍點睛,突出主題和有著象喻作用。“象喻”是中國古代詩學提出的一種詩性闡釋方式。它最根本的特點是借助一些生動具體、含蓄雋永的自然美的意象或意境來喻示解釋對象的內在風神和整體韻味。如《阿甘正傳》片頭片尾那片隨風飄動的羽毛,是全片最長的合成鏡頭。一組羽毛飄動的鏡頭在演播室綠屏背景前,用風扇吹動系在細線上的羽毛,然后在電腦中把幾十個羽毛的鏡頭連接在一起;另一搖臂長鏡頭含天空、城市建筑、大樹冠、街道、轎車和路邊長椅上坐著的阿甘;最后將羽毛的鏡頭去除綠色背景后與城市長鏡頭的背景合成。羽毛飛過汽車的擋風玻璃和車頂時,連羽毛的倒影都清晰可見,這種心細如發的數字特技堪稱完美無缺。片尾——阿甘將兒子送上校車上小學,羽毛從筆記本里掉落在草地上,又被風緩緩地吹起到空中飄舞,一代又一代……這片羽毛的制作費據稱50萬美元!但是,值。不僅僅是吸引觀眾視線的奇觀,激起情感的流動,而且片頭片尾反復出現構成了象征意義。飄浮無定的羽毛,使人想起美國人所言的:人生像一盒巧克力,我們永遠不會知道自己的將來到底是什么樣子?我們必須勤奮努力地去爭取。《阿甘正傳》的羽毛絕非導演隨手拈來,可見無論是東方西方,對生命的哲理思考是殊途同歸的。這為影片增添了詩意,提升了哲學品格。

篇3

關鍵詞:電影藝術 電影 譯制

引 言

電影誕生于十九世紀末,是一種綜合性藝術,在成長發展過程中,它不斷地吸取著文學、戲劇、繪畫、音樂、舞蹈、雕塑、建筑、攝影等各種藝術的成就與經驗。電影又是科學技術高度發展后的產物。高度的綜合性和生產上的高度技術要求,規定著電影藝術不同干其他藝術的許多特點。中國電影所指涉的歷史和地理范圍非常之廣,它包括中國大陸、臺灣、香港并且在某種程度上還包括海外華人社區。自從80年代中期以來,中國電影工作者們開始大膽地在世界舞臺上展示自己。中國電影獲得許多國際大獎,而且逐年增多。在文化產業中,電影作為最國際化的媒介產業,一直扮演著重要角色。從某種意義上說,好萊塢從一開始就在向全世界推銷著美國。美國電影很早就具有國際視野。20世紀第一個10年,好萊塢制片人就開始在主要的國外市場設立辦事處。第一次世界大戰開始,美國電影乘歐洲陷于戰爭的混亂中,逐漸取代法國、英國、德國等傳統的歐洲電影基地.形成國際化的電影市場。

一、簡述電影的起源與發展

1.世界電影的起源與發展

1893年,T.A愛迪生發明電影視鏡并創建“囚車”攝影場,被視為美國電影史的開端,也是世界電影史的開端。1896年,維太放映機的推出開始了美國電影的群眾性放映。19世紀末20世紀初,美國的城市工業發展和中下層居民迅速增多,電影成為適應城市平民需要的一種大眾娛樂。它起先在歌舞游樂場內,隨后進人小劇場,在劇目演出之后放映。1905年在匹茲堡出現的鎳幣影院(入場券為5美分鎳幣)很快遍及美國所有城鎮,到1910年每周的電影觀眾多達3600萬人次。當時影片都是單本一部的,產量每月400部,主要制片基地在紐約。如愛迪生公司、比沃格拉夫公司和維太格拉夫公司。1903年E.S.鮑特的《一個美國消防員的生活》和《火車大劫案》,使電影從一種新奇的玩藝兒發展為一門藝術。影片中使用了剪輯技巧,鮑特成為用交叉剪輯手法造成戲劇效果的第一位導演。第一次世界大戰前夕,鎳幣影院逐漸被一些條件較好的電影院所取代,電影專利公司的壟斷權勢逐漸消失,終于在1915年正式解體。此時以格里菲斯為代表的一批新的電影藝術家已經出現。制片中心也從東海岸移到好萊塢。第一次世界大戰不同程度地破壞和損害了歐洲各國的電影業,卻促成了美國電影的勃興。美國電影源源不斷地涌入歐洲市場。到第一次世界大戰結束時,已經建立起在歐洲的霸權地位。

卓別林于1914年拍攝了第一部影片《謀生》。立即吸引了全世界觀眾。1919年,卓別林、范朋克、壁克馥3位著名演員和格里菲斯一道創辦了聯美公司,以發行他們獨立制作的影片。20年代,美國影片生產的結構從以導演為中心逐步轉化為以制片人為中心的體制。“制片人中心”模式形成了20年代的“明星制度”.各大公司均擁有一批明星。

“好萊塢”此時己成為“美國電影”的同義語。由于在明星制度鼎盛時期有些明星的行為不檢點招致公眾的抨擊,美國電影業成立了“美國制片人與發行人協會”,在W.H.海斯的主持下這一組織制訂了“倫理法典”,以便在審查影片時剔除其中不合乎美國公眾道德觀念和生活方式的情節、對話和場面。這就是著名的海斯法典,它對美國電影的約束一直延續到1966年。

嚴格的審查制度使美國無聲電影的主要成就表現在喜劇片、西部片和歷史片3個方面。喜劇片的佳作首推卓別林的《尋子遇仙記=》(1921)、《淘金記》(1925)和《馬戲團》(1928)等。

20年代中期,豪華的電影院已基本上取代了鎳幣影院。20年代末期,好萊塢電影為戰勝商業無線電廣播這樣的競爭對手,在音響方面進行了一次革命,產生了有聲電影。

2.中國電影的起源與發展

1905年,任景豐在他的北京的照相館里拍攝了中國最早的電影《定軍山》。他拍攝的是著名演員譚鑫培所表演的京劇。鄭正秋于1913年拍攝的家庭短劇《難夫難妻》。被認為是最早的中國故事片。不過,它是由美國人布拉斯基在中國的制片廠、亞細亞影戲公司拍攝的。同年,黎民偉與布拉斯基拍攝了香港的第一部電影《莊子試妻》。布拉斯基后來又把這部片子帶到美國。因此它成為最早在國外放映的中國電影。

由此可見,中國電影從誕生之初便是跨國資本的產物。在以后的歲月里,中國的民族電影是在引進的西方的電影技術、意識形態、藝術手段的背景下產生和發展壯大的。程季華等人在1960年代初所寫的《中國電影發展史》是一項具有里程碑意義的研究。在這本代表官方觀點的著作中,中國的左翼進步電影的發展是在與外國電影、特別是美國電影霸權的斗爭中成長的。中國民族電影工業所作的生死搏斗與作為20世紀民族國家的中國的困境息息相關。除電影的生產制作之外,電影審查、制片廠的所有權、政府干預以及公眾輿論等都是建立一個新的、象征性的中國的重要方面。1927年統一中國后,中央政府很快便成立了電影審查委員會,來審查外國片在中國的上映。該委員會一直持續到1937年爆發。

在同一時期,人們都自覺地努力阻止外國人在中國擁有電影制片廠。知識分子、民眾以及政府經常組成“統一戰線”來保護弱小的中國電影TA,抵制外國的“文化入侵”。整個20世紀的中國,電影審查和對民族電影業的保護一直都維持和繼承下來。

1949年中華人民共和國建立以后,民族電影變成為國有企業。民族電影是時代中國培育大眾民族文化的一個關鍵要素。中國竭力利用電影來建立一幅民族認同的單一化圖畫。不論是從電影工業還是從電影文本或電影美學的層次都可以看到這一點。電影制片廠不再為私人所有。它們經過重新組合之后形成一個新的國家電影工業。整頓調整后形成的一些大制片廠有:長春電影制片廠、上海電影制片廠、北京電影制片廠、八一電影制片廠等,它們都受到文化部和宣傳部的監控和領導。國家對于電影的生產與銷售擁有絕對的權利。電影常常成為政治宣傳與灌輸意識形態的工具。國內外影片都受到嚴格的審查。允許中國觀眾觀看的外國電影主要都來自于社會主義國家。好萊塢電影實際上已從中國消失。

1988年,張藝謀的第一部電影《紅高梁》在柏林國際電影節上獲得了金熊獎。這是中國電影第一次在西方電影節上榮獲大獎,也標志著一個時代的終結與另一個時代的開始。

90年代中國電影進入一個新的發展時 期,因而要求有新的理論描述。它正在經歷著前所未有的國際化過程,并且在全球資本主義所創造的條件下逐漸成為跨國電影。盡管中國電影起初主要的目標是國內觀眾,但是今天它已成為世界電影市場整體的組成部分。許多起源于中國文化中心(大陸、臺灣、香港)的電影已為海外公眾所欣賞和接受。中國電影也被卷入電影工業全球化的潮流之中,加入了世界電影市場的跨國生產、放映、銷售和消費的網絡。若要使電影面向國際消費而非國內觀眾,那么著名的第五代導演張藝謀與陳凱歌等人就有必要對他們的藝術風格與電影主題有所改變。

二、電影藝術

電影經過漫長的發展過程,逐步發展成為20世紀最廣泛和最具影響力的藝術。它通過攝影機以每秒拍攝若干格畫幅的運轉速度,將被攝物體運動的時空轉換過程記錄在條狀膠片上,然后將不同的膠片銜接起來,經過顯影、定影、干燥、加工成電影拷貝的過程,制成可以放映供許多人同時觀看的影片。影片從最初拍攝一些活動的日常生活景象片斷,發展到現在已能夠拍攝豐富多彩、復雜變化的現實世界.具體形象地反映社會生活的能力和生動的藝術感染力。由于電影的樣式和片種繁多.有注重完整故事情節、刻畫人物性格的故事片:有報道某一政治、經濟、文化教育、軍事或歷史事件活動的記錄片:也有運用各種美術手段和材料制作的美術片:還有記錄舞臺藝術表演的戲曲片等等。在這些種類中又包含若干片種。如故事片中有喜劇片、西部片、愛情片、科幻片等,美術片中有動畫片、木偶片、剪紙片:記錄片中有傳記記錄片、文獻記錄片、新聞記錄片等。它包括文學、戲劇、繪畫、建筑、音樂、舞蹈等各種藝術成分。所以被稱為綜合藝術。

所謂綜合藝術,是指綜合幾種藝術成分而構成的藝術樣式。其表現特征是:集體創作。包括編劇、導演、演員、美術、攝影、錄音多個創作部門藝術創造的有機配合。電影有含文學成分的描寫和結構:有含戲劇成分的對話、內心獨白、形體動作、面部表情;有含音樂成分的歌曲和與畫面融合的視覺形象。電影的構成是用活動著的畫面和各種音響表達、表現世界各國的人和環境之間的關系以及由此形成的風俗習慣、生活方式、文化水平,且通俗易懂、明白曉暢。但是,電影的綜合性并不是指各種藝術成分的簡單相加,而是指將各種藝術形式包含的藝術成分融會貫通變成新的東西加以表現。它除具有一般文學藝術的共性特征外。還具有自己的個性特征。這在于電影藝術的表現工具與別的藝術表現工具不同。電影是用攝影機來反映的。攝影機具有真實記錄反映對象及其運動的時空轉換這一特點,由此形成特殊的電影表現手法和電影敘述語言。將各種藝術成分有機統一組合成新的藝術表現形象。正因為如此,作為藝術的電影.雖然是誕生于眾多古老傳統藝術如文學、戲劇、音樂、舞蹈、繪畫、雕塑、攝影……之后的最新最年輕的藝術,但也是迄今為止唯一可以讓我們知道它的誕生日期的藝術。自1895年12月28日盧米埃爾正式公映自己制作的世界最早的影片獲得成功至今僅百年的歷史。而古老傳統的藝術,其中有的已經歷了上千或數千年的滄桑,它們問世的時日,就連專門研究藝術史的專家學者們也無從稽考。電影和古老傳統的藝術相比。它只能算個小弟弟。但是它后來居上,后生可畏,最年輕的藝術――電影,以其無可比擬的藝術魅力,闖進了世界藝術之林.一躍而成為最富群眾性、最具影響力的、與世紀同齡的藝術巨人。其所以能如此,恰恰是由于它年輕,有它自己的優勢。

早期的電影研究家們從電影像誰這一命題出發,探討電影藝術的基本持性和電影美的奧秘。他們所持的觀點和所得的結論各不相同,大相徑庭。有人認為電影像文學.有人認為電影像戲劇。也有的認為電影像繪畫,還有的說像音樂等等。不一而足。于是便有“可見的文學”、“電影詩”、“視覺交響樂”、“沉默的旋律”諸如此類的說法,試圖從電影美學的層次上對電影美的本質做出界說。這些見解雖有其相對的合理性依據,但在今天看來,其各執一端的片面性。則是顯而易見的。電影既像誰也不像誰。電影就是電影,因為電影是吸取、包容了文學、戲劇、音樂、舞蹈、繪畫、雕塑、攝影……多種藝術的因素、集它們于一身的綜合藝術。凡此種種,說明電影吸取了多種藝術門類,并不是各門藝術簡單地相加拼湊在一起,而是經過了化合的有機的綜合整體。電影吸取了多種藝術門類而形成綜合性的審美特性,就其實質來說,乃是時間藝術和空間藝術的有機綜合。正因為如此,作為時間藝術與空間藝術相結合的新型藝術――電影,它克服了傳統的純時間藝術難以充分表現空間和傳統的純空間藝術難以表現時間的局限與不足,既可以充分表現時間又可以充分表現空間,因而具有巨大的表現潛力和藝術可能性。由此也不難看出,包容了多種藝術門類的電影的綜合性實質,還在于它是視覺藝術和聽覺藝術的綜合,它克服了純視覺藝術難以滿足人們對聽覺形象的審美需求和純聽覺藝術難以滿足人們對視覺形象的審美需求的局限,而具有可以融合視聽兩者之長的優勢。成為一門最富群眾性的藝術形式。

三、電影的翻譯與欣賞

作為我國電影事業的重要組成部分。中國的電影翻譯事業已走過了五十多年輝煌的歷程。在這半個世紀中.電影翻譯工作者給廣大觀眾奉獻出了許多優秀的譯制片,觀眾從這些優秀的譯制片中不僅領略、了解到了異國的風土人情同時也感受到了語言給人帶來的無窮魅力。許多優秀譯制片中的精彩對白已成為中國觀眾爭相傳誦的佳句。由此可見,電影作為大眾傳媒.其社會效應是無可估量的。

譯制片又稱翻譯片,顧名思義,一些國外優秀的影片必須通過翻譯方能為中國觀眾所接受。電影翻譯與其它文學作品翻譯具有共同性,即用形象化的語言來表達形象思維中高超的藝術意境。但電影翻譯又有區別于其它翻譯的特殊性,即其譯文要做到能見之于文,形之于聲,達之于觀眾。

電影譯制是一種文化事業,一種經濟產業:譯制片是一種藝術創作形式.一種大眾娛樂方式。經過譯制配音的外國電影變成了中國的譯制片,這是一個不小的變化,它在某種程度上改變了電影的性質.使它不再是純粹的外國產品,而是一定程度上的中國電影產品。譯制片是中外兩種文化交相輝映而幻化出的一個奇妙世界。作為外國電影的中國觀眾.我們懷著一顆中國心通過我們親切的母語傾聽著外國人的心聲,感受著遙遠國度的風土人情,離奇怪異卻又似曾相識。大眾傳媒使人們可以足不出戶便知天下,使文化可以打破民族、國家、疆域的限制,在盡可能廣泛的程度上得到傳播,使人們的行為習慣、價值觀念在不知不覺中發生變化。在這一過程中,電影所發揮的影響是顯而易見的。其表現出的魅力也是有目共睹的。

篇4

[關鍵詞] 《集結號》;電影美術;電影主題

一、電影《集結號》及其美學特點

《集結號》是以、朝鮮戰爭和解放初期的戰爭故事為題材的電影,訴說了一個軍人谷子地為死去的弟兄們爭取“烈士”名譽的故事——父母養他們的時候都是“有名”的,葬身荒場就“無名”了,這不公平。谷子地是一個棄兒,對于一個不知道從何而來沒有姓名的人而言,他深知無名無姓的悲哀。姓名代表了一個人的存在感、歸屬感和安全感。一個無名的人難以說他活過,一個失蹤了的人更談不上榮譽。谷子地找到了自己的使命,他要的是一種社會存在上的安全感,更是為那些生命尋找在世界上存在過的證明。[1]

導演馮小剛運用真實的電影拍攝方法,淋漓盡致地表達了作者本人的思想感情。它在鏡頭的設計、景別的運用、演員的表演、色調的選擇(場面的調度)以及后期的剪輯制作上獨具匠心,跳出了常規影片所使用的敘述手法,給受眾耳目一新和強烈的視覺沖擊感覺。

畫面構建了五次閃回的剪輯手法。首次閃回是在汶河阻擊戰若干年后的朝鮮戰場上,第二次閃回是1955年谷子地轉業到曾戰斗過的地方,第三次閃回是當谷子地來到無名烈士墓前自言自語道“爹媽都給起了名字,為什么都成了無名的孩子了”,第四次閃回是在谷子地已經找到了老部隊,汶河軍分區做出決定,追認47名官兵為革命烈士,就在他聽完王金存妻子讀的通知后,他又一次回憶起1948年在戰壕里與指導員最后的對話,最后一次閃回出現在47名烈士墓前。

導演曾四次安排四孔橋畫面的出現。橋在這部影片中只不過是一種符號的象征,它不僅揭示了主人公需要與死去的戰友溝通、與現實社會的溝通、與觀眾的溝通、與任何意想不到的問題溝通,還需要去幫助連長谷子地撫慰戰爭給他心靈留下的創傷。

電影是一種藝術形式,它的藝術目的就是使受眾深深地受到影片的思想熏陶,從而達到和電影主題產生共鳴。《集結號》就是一部非常令人糾結的優秀的電影作品,導演將自身內心感受融合于電影之中,從而深刻地描寫一個特定的時代背景下的社會現實,并且成功地刻畫出在戰火中的幸存者為死難的戰友立碑招魂的主人公形象。

《集結號》故事的流暢、邏輯的嚴密和臺詞的錘煉,同樣充滿著美學內涵。在《集結號》影片中,無論是戰場的英雄還是壯烈犧牲的英靈,這一切都只不過是剛剛開始,它像一個推進器,推動著每一個故事的情節一步步走向。《集結號》這部優秀的戰地影片,又一次開創了中國戰爭商業大片中的新領域。無論是思想意義還是鏡頭的設計或是畫面的剪輯,都達到了意想不到的藝術效果。[2]

二、《集結號》的電影美術對電影主題的影響

(一)視覺美術對電影主題的影響

色彩的運用是美術藝術形式的一種特殊的藝術手段,在《集結號》中,導演將電影美術的藝術手段使用在電影的畫面上,讓人感到在視覺上得到了直接的藝術沖擊,其處理得可謂是獨具匠心。影片的全部故事所承載的時間和空間的色彩基本上是采取了兩種明顯不同的色調進行處理的,盡管電影情節的發展是在一定的時間和空間中展現,然而,谷子地的現實生活中無時無刻不對戰爭的鐵血場面記憶猶新。影片中導演將人類在直對戰爭的死亡面前人性的徹底表現,這一悲壯、恐怖而又凄涼的藝術場景采用了青灰色進行藝術象征,頓時令人毛骨悚然,從而實現了視覺美術對電影主題深刻的影響,得到了意想不到的積極效果。

(二)美術鏡頭的使用對電影主題的影響

這部電影的最大貢獻,是中國電影終于第一次把荒廢了近半個世紀的戰爭真實還原到了銀幕上,像《地道戰》《平原游擊隊》《小花》這樣英雄主義的頌歌還很難與《集結號》相媲美。特別是前半部的戰爭場景非常逼真,音效卓越,不同地方不同槍械射擊的聲音清晰可辨,幾乎沒有長鏡頭,肩扛或手提攝像機的近距離跟拍,搖搖晃晃,讓人有身臨其境的感覺。在電影美術中搖晃鏡頭,是電影美術的一種藝術運用技巧。影片的結尾部分是一個令人產生豐富想象而又余味無窮、耐人尋味的藝術享受。例如,谷子地最后為犧牲的戰友贏得了“烈士”這樣光榮的稱號的時候,鏡頭在集結號的悲壯而又荒涼氛圍中徐徐拉開。最后搖鏡頭將鏡頭的定位停留在一座大橋上。這不是尋常的大橋,它的身旁埋葬著和谷子地生死與共的47名戰友。此時,觀眾不禁聯想翩翩,谷子地和戰友們的共同戰斗場面以及他們在呼嘯的槍炮子彈之中紛紛不幸中彈犧牲的令人毛骨悚然的場景。搖晃的美術鏡頭又落在一群散亂的隊伍中,那行軍中的一幅幅肅殺和蒼茫惶然的面孔,在皎潔的月光下留下了歷史的戰爭印記。不難想象,電影美術鏡頭的使用給觀眾帶來的藝術審美的震撼作用有多么巨大。[3]

(三)美術形象塑造對電影主題的影響

《集結號》是以戰爭為題材的電影,在整部影片中,導演運用電影美術手段塑造人物形象大多是使用灰暗的色調作為影片的基調,在塑造人物形象和刻畫人物性格的同時,渲染了電影的主題。從而有效地展示出一幕幕血腥而慘烈的典型戰爭場面,以緊張、震撼、強烈的藝術魅力襯托著電影的主題思想。

《集結號》中有一場戲是整部電影的戲眼,也是最出彩的地方。因為近距離的重炮轟鳴,谷子地連長暫時失聰,一排長在彌留之際為了保全一連謊稱自己聽到了集結號,這時士兵之間展開了激烈的爭論,這爭論是關于逃生還是死亡的一場爭論。讓我們第一次在銀幕上看到一群除了忘我沖鋒外,仍對生命充滿著眷戀的戰士。與過去電影中“高、大、全”的戰士形象相比,《集結號》里的那些啞了嗓子、灰頭土臉的士兵更讓人感到親切和震撼。而指導員王金存從一個膽怯者成為一個殉道者的成長歷程是對英雄更加符合人性的詮釋。是整部電影的一個亮點,也是塑造得最成功的典型藝術形象。

谷子地在年輕的時候就戎馬倥傯馳騁疆場,是一個有功之臣,然而到后來,他的僅有的理想為逝去的戰友們找回應該就有的榮譽還是那么困難、那么力不從心。在這過程中,他在十分的凄涼和痛苦之中夾雜著多種難以解決的矛盾,他飽受世態炎涼、忍辱負重猜忌,受盡人們各種各樣的猜忌。他為自己沒有能力替死難的戰友們討回公道而承受著巨大的痛苦。但是,主人公不屈不撓的人物性格決定了他一定會矢志不渝、堅貞不屈地為自己的理想和信念進行不屈不撓的努力和奮斗。導演通過電影美術非常嫻熟的運用成功地塑造出了主人公的獨特藝術形象,從而更加突出了電影的主題思想。由于主人公自身的社會地位低微以及具體的社會現實,迫使他不得不放下一切的依賴外界來實現自己理想的念頭。他毅然決然地采取了中國文化中的愚公移山精神,用自己的雙手去為已故戰友挖掘墳墓。此刻,主人公堅強而獨特的人物性格被刻畫得惟妙惟肖。從而突出了影片深刻的人文關懷和歌頌生命的主題。[4]

(四)電影美術中的音樂手段對電影主題的影響

在電影《集結號》中,管弦樂的使用可以說是氣壯山河、大氣磅礴,它就像鮮紅的血液在眾多的男人們的血管中嘩嘩流淌一樣,像長江、像黃河那樣一如既往的堅強信念。無論在空間和時間上有著千變萬化的改變,但是,意志和信念矢志不渝,永遠不會改變。還有,吉他音樂,它的出現立即令人感到有一種“戰地黃花分外香”藝術氛圍。因此,電影美術恰當地使用聽覺語言即音樂手段也可以襯托電影的主題思想。

三、如何利用電影美術表達電影主題

(一)重視視覺感受的表達

由于電影是視覺的呈現,在觀眾面前呈現出的視覺美感會直接影響到電影主題的表達。所謂視覺呈現,包括鏡頭語言的使用、畫面光線的處理以及場景的選擇。在《集結號》這樣一部史詩巨片中,配合主題的表現,深色的光線、靜默和悠長的長鏡頭以及恢弘的場景都為渲染無私奉獻的革命精神和偉大人性做出了重要的推動作用。

(二)重視人物形象的塑造

在這部影片中,經典的人物形象,給觀眾留下了深刻的印象,他們散發出來的是男性的陽剛之美,是無私奉獻精神之美,是大無畏精神之美。這種美好的形象,必然也是點睛之筆。在主題升華上起到了重要的作用。在這樣光輝的形象和映襯之下,還有誰能不為之動容。這樣的電影美術,就將電影所要表達的主題淋漓盡致地顯現出來。

戰爭永遠是反人性的,電影不僅探討了戰爭的反人性,同樣也揭示了政治、集體、社會的反人性的本質。團長以犧牲47個弟兄生命的代價換取大部隊撤退以及谷子地戰后的不公遭遇,就把這矛盾鮮血淋漓地擺在我們前面。我們只能在谷子地和那47個卑微的、無人知曉的弟兄身上,甚至是那出賣47個弟兄的團長和司號員身上,看到可貴的人性和血性。谷子地要砸團長的墓碑而跟司號員打起來那場戲,兩個殘廢老兵淚流滿面,感人至深。電影質問了一個以前主旋律電影所不敢觸及的問題:個人的尊嚴。

永垂不朽的英雄事跡固然可歌可泣,但令人感動并釋懷的場景更在于影片后半部分述說戰后對人物的歷史追問。有幾個場景是可以追述的,一是舊戰場已變成煤窯,谷子地回到此地以一人之力吃住在煤窯,為的是天天挖掘煤礦找尋戰友的尸體……一片偌大的墓地,墓地上豎著的木排上寫著“無名”,明明是爹媽給起了名的,怎么就成了無名無姓的呢……他們本應該是烈士,怎么就失蹤了呢……這才是影片要揭示的主題——人文主義思想,尊重生命,還生命以尊嚴。據我所知,這部影片催人淚下更多的是表現在這一部分。因為在進入電影院之前,關于戰爭場面的慘烈,各類媒體的宣傳就已經讓我們有了足夠的心理承受力,而對后半部分人文關懷情節的呈現,卻毫無準備,加上前半部分壯烈、血腥場面的鋪墊,使觀看者蕩氣回腸,哽咽在喉,熱血噴張。我相信,只要是內心對生命充滿熱情的人,無一不為這一組組電影美術場景動容唏噓、潸然淚下……

《集結號》在中國電影史上將產生重大的影響。

電影是一種綜合藝術,在體現電影主題的過程中,電影美術具有極其重要的意義,無論是鏡頭語言的運用、光線色彩的表現還是人物形象的塑造都在為凝練主題而發揮著不可替代的效果和作用。在今后的電影制片中,一如既往地重視和關注電影美術對電影主題影響的積極意義是電影發展的必然選擇。

[參考文獻]

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[2] 王茂林.淺議電影美術中的室內陳設布景[J].電影文學,2010(S17).

[3] 趙俊華,趙紫薇.百花齊放姹紫嫣紅[J].中國電影老海報,2010(02).

篇5

[關鍵詞] 藝術特色;瓦力;動畫

一、動畫電影內涵及中美動畫電影現狀

所謂動畫電影,沒有一個明確的概念內涵,在我國動畫電影一般被稱之為美術片。當然,美術片只是我國所特有的一種稱呼,在世界范圍來看,早期的動畫電影一般被理解為動畫片、木偶片、剪紙片的統稱。早期動畫片的受眾人群,一般理解為學生、幼兒。但隨著科技的發展,越來越多的電腦特技和人文情懷加入其中,使得動畫片不再是簡簡單單的童話、寓言,更多的貼合時代的、情節生動、寓意深刻的動畫片應運而生,動畫電影隨之發展壯大,并發展成了老少皆宜的一個制作題材。現當代的動畫電影和常規電影在影片長度上沒有區別,用1~2小時的時間向觀眾講述完整的故事情節。

我國動畫電影重說教輕娛樂,長期以來賦予動畫片太多沉重的道德教育內容。而美國動畫電影則重娛樂和影音效果,使得動畫電影呈現出一種輕松、愉悅的狀態。當然這并不是說,美國動畫片沒有教育內涵,相反近些年的《冰河世紀》《機器人總動員》等,在講述故事的同時,所傳達的保護環境等貼合時代主題的影片主旨給觀眾留下了深刻印象。相對而言,我國動畫電影的制作,除了電腦特技、影音影像等方面欠缺之外,故事主旨脫離現實生活,使得內容缺乏時代氣息。縱觀近幾年的國內動畫電影業,除了《喜羊羊與灰太狼》的賀歲系列以及傳統的神話、童話故事之外,鮮有優秀作品出現。

追溯美國動畫電影的發展歷程,可以說分為產生、發展、繁榮三個階段。特別是從20世紀90年代中期,美國動畫電影達到了一個,誕生了一大批家喻戶曉的經典影片,對世界動畫電影業產生了意義深遠的影響和推動。筆者試圖從三個階段入手分析美國動畫電影的發展歷程及藝術特色,以期為我國動畫電影的發展帶來些許啟示。

二、美國動畫電影初期:以搞笑為噱頭重動作

美國早期動畫電影可以追溯到20世紀初。1907年,動畫片《一張滑稽面孔的幽默姿態》的問世,可謂開創了美國動畫影片的先河。盡管影片只有短短的幾分鐘,故事簡單,制作也很粗糙,但作為美國動畫電影史上的第一部片子,可以載入史冊。此時的動畫片很少作為獨立電影進行播出,一般都出現在正式電影前的加演,其影響力稍顯薄弱。受美國國情的影響,美國人有著樂觀向上的國民性,因而在早期階段,美國的動畫片的主旋律就是搞笑、幽默,重動作輕故事。往往是虛構一個場景,然后讓主人公展現出種種滑稽的動作和尷尬的局面。《一張滑稽面孔的幽默姿態》就是這種動畫電影的典型代表作。

在美國動畫電影發展初期,也誕生了一批家喻戶曉的優秀作品,比如1929年的《大力水手》,就以詼諧的動作、夸張的表情和搞笑輕松的劇情在當時產生了極大的影響力。值得一提的是,在此階段,還誕生了一個對世界動畫電影業都意義非凡的公司,即1925年7月,25歲的沃爾特·迪斯尼和哥哥洛伊·迪斯尼創立的迪斯尼兄弟制片廠。這個制片廠自誕生之日起,就制作出了一系列具有轟動效應的動畫電影,至今都影響深遠的動畫片《米老鼠》就是這個公司在當時創作出來的卡通形象。動畫片中米老鼠的大鼻子以及劇中各種富有童話色彩的畫面和形象,深受少年兒童的喜歡。從當時的動畫片不難看出,滑稽、搞笑是該時期的主旋律,當時的動畫劇中頻添笑料與滑稽動作,對于劇情和語言倒不是特別重視。故而此階段的動畫片帶給觀眾是一種輕松、愉悅的狀態。動畫電影所賦予的使命就是調解生活氣息,賦予輕松生活狀態。

三、美國動畫電影發展階段:戲劇效果的童話世界

很難界定美國動畫電影發展中期具體始于什么年份,但一般認為從1937年后,美國的動畫電影就如同搭上列車般,進入了一個高速發展的階段。在此階段,美國動畫電影以迅雷不及掩耳之勢推出系列優秀影片,并迅速占領風靡全球。整個迅速發展和提升的勢頭一直延續到1989年。故而,我們暫且將這五十年定位為美國動畫電影高速發展階段。

在美國動畫業迅猛發展的整個階段,迪斯尼公司功不可沒。自迪斯尼公司在早期階段創作了第一部有聲動畫片《蒸汽船威利》和第一部彩色動畫《花與樹》之后,迪斯尼公司在當時的美國取得了一定的聲望。但華特·迪斯尼并不滿足于現狀,而是在此基礎上大膽創作了美國電影史上第一個長篇動畫《白雪公主》,片長74分鐘。這部動畫片在制作之時飽受爭議,觀眾對情節簡單的童話故事拍攝成影片存在嚴重的疑慮,但迪斯尼公司在影片中加入了音樂、舞蹈等很多成分,使得此動畫片一經推出受到了空前的歡迎。當時的很多名人志士均對此片給予了很高的評價。這部動畫片不僅成為美國動畫電影業第一步真正意義的動畫電影,而且還改寫了美國動畫業延續的滑稽、搞笑風格。第一次將敘事和劇情融入其中,盡管故事講述的是家喻戶曉的童話,但其大膽的藝術形式和敘事風格將美國動畫電影又向前推進了一步。迪斯尼公司也借此奠定了自己在美國動畫電影業領軍巨頭的位置。隨后推出的《木偶奇遇記》《小鹿斑比》等長片動畫相繼取得成功。但很可惜的是,第二次世界大戰的爆發,使得迪斯尼公司停止了本已初露頭角的動畫長片的制作。

篇6

關鍵詞:鋼琴音樂;電影藝術;獨特的魅力;文化淵源

鋼琴音樂以一種特殊的語言形式來表達豐富多彩的情感畫面。電影畫面也是多姿多彩情感畫面,但是它需要一種輔助形式來使電影更加的多姿絢麗。鋼琴藝術和電影藝術承載著豐富文化內涵的藝術,這樣使它們之間的聯系更加緊密。鋼琴音樂以其獨特的魅力架起了一座由電影通往觀眾的的橋梁,是一種文化的選擇,也是一種藝術的傾向。

一、鋼琴音樂具有獨特的藝術魅力

鋼琴音樂以多姿曼妙的音調,來演繹自然界的一切有生命的、充滿靈動氣息的物體。使自然界的景觀、和聲響通過音樂來表現其獨特的魅力,鋼琴音樂構筑了屬于自己的空間范疇。鋼琴音樂可以描繪出如詩如畫的自然風光,也可以詮釋人們心靈深處的情感;可以用音符來表現波濤驚駭大海的聲響,也可以寫實方法來表現抽象的畫面。鋼琴音樂藝術之所以有獨特的魅力,其關鍵是在于其具有豐富的蘊含及情感表現。用其特有的精神指引人們走入夢想的世界,展示給人們的是豐富的畫面,一次次情感的體驗。人們可以感受到音樂中包含的的喜怒哀樂等豐富的情感,將自己置于畫面中,其心理反應和音樂的真實效果聯系在一起,從而使欣賞者的心境緊隨著音樂的走勢。

二、鋼琴藝術具有一定的文化底蘊

1.鋼琴音樂之所以備受青睞,是其具有悠久的歷史文化溯源及豐富的藝術感染力。能為電影藝術的視覺和聽覺提供了一個超越時間、空間的理想的助推器。音樂對電影而言不僅是其重要的有機組成部分,而且使其縱深感能夠延伸到電影的劇情當中,以獨特的形式深化人物形象。用本身特有的音符、旋律、聲音、節奏及色彩等要素,為電影提供了雋永的意蘊和深厚的文化韻律。

2.鋼琴音樂源于歐洲,被人們視為歐洲古典音樂,主要是與18世紀中期至19世紀初的古典音樂區別, 注重強調的是它的永久不衰、百聽不厭,常常會給人以美的享受, 使人們的文化修養和精神文明有所提升。鋼琴藝術作為歐洲古典音樂的主體, 汲取了歐洲歷史和藝術的內涵。擁有強烈的歷史縱深感和蘊涵藝術美感的鋼琴藝術正是電影藝術的完美鋼琴藝術的魅力。鋼琴藝術汲取了歐洲歷史和藝術的養分。擁有強烈的歷史縱深感和蘊涵藝術美感的鋼琴藝術,正是電影藝術的完美配偶, 聲與影、音與畫的完美結合更加彰顯出電影音樂中鋼琴藝術的魅力。

三、鋼琴音樂與電影的融合

1.鋼琴音樂主要是根據影片的劇情、視頻分段敘述的影響下出現的,受影片的限制。為了劇情的需要,在恰當的時間內用來深化劇情。試聽的綜合感受主要是把電影畫面和音樂的音響相結合形成的統一體。把畫面和音樂同時展現給觀眾。電影音樂并不是單純的時間藝術,把畫面與音樂結合起來共同塑造一個具有綜合性試聽的藝術形象,并通過觀眾的審美觀念構成一個完整的思維形象。

2.現代電影是畫面與音樂的有機統一體。畫面主要是表露生活內涵的藝術,電影音樂則是以音樂的形式渲染人物性格,深化劇情的。電影藝術和鋼琴藝術所具有的功能是不盡相同的,如果兩者選擇同一個主題時,會出現音畫合一的、音畫平行、音畫對立的局面。然而,鋼琴具有獨特的魅力,很自然的就會與電影融合在一起,并且可以為其塑造其所需要的藝術形式。

3.優秀的影片常與音樂相結合。在電影作品中有很多是通過鋼琴音樂來表達的。在《海上鋼琴師》這部作品中,為了延伸劇情,就大量運用了鋼琴音樂。影片中描述了一個具有鋼琴天賦的孤兒一生所經歷過的磨難,塑造了一個集喜怒哀樂為一身的主人公形象,音樂一直貫穿著影片始終,特別是在涉及到二戰畫面時,與音樂緊密的聯系在一起,那種蕩氣回腸的畫面通過鋼琴音樂的柔腸煽情來具體表現。在主人公以衣衫襤褸的形象出場的時候,用柔和動人的曲調加以襯托。在劇情悲愴的時候,一首讓人稱嘆叫絕的鋼琴音樂使影片達到。在這部影片中鋼琴音樂始終用自己獨特的魅力牽動劇情, 引導著情節的發展。

結束語:

鋼琴音樂以其獨特的魅力應用到電影藝術中去,不僅增添了電影藝術的蘊涵,而且也為鋼琴音樂本身帶來了新的發展空間。鋼琴音樂主要是為了渲染和刻畫電影畫面的,而與電影藝術的結合是現代電影的必然發展趨勢。

參考文獻:

[1]袁科.論鋼琴音樂藝術的審美情感表達[j].時代文學(下半月).2009.(03).

[2]趙娟.鋼琴演奏中的音樂想象力[j].吉林省教育學院學報.2010.(04).

[3]劉琉.鋼琴音樂藝術的審美情感表達和魅力[j].教育藝術.2010.(02).

篇7

戲曲電影中主客體之間的距離是什么?是觀演關系距離?還是鏡頭景別之間變化的距離?或是演員調度之間的距離?要把戲曲電影中主客體之間的距離掌握的恰當好處,首先必須區分戲曲藝術和電影藝術兩者對于審美距離的不同要求。

李漁在《答同席諸子》中說:“大約即不如離,近不如遠,合盤托出,不若使人想象于無窮耳”。中國戲曲很大程度上引導觀眾關注人生命運起伏的同時,還吸引觀眾去感受藝術形象本身的美。因此,適當的審美距離是中國戲曲演劇方法誕生的必要條件。

中國戲曲藝術要求演員在表演時要“貴乎真實,而又不必果真”,要與生活保持“不即不離”的關系,這在很大程度上就決定了觀眾在觀賞戲曲時處于一種“第三者”的觀賞角度。我們關注的不僅是戲中人物的命運起伏,同時我們也在關注戲曲演員精湛的表演技藝,而戲曲演員與表演角色之間也屬于“第三者”的位置。一方面戲曲演員要極力表演角色的情感,使角色活靈活現的呈現在舞臺上,達到以情動人的表演效果。另一方面,戲曲演員又要與角色之間有“跳入跳出”的關系,使自己的表演能收放自如,不被劇中人物的強烈情感而影響自己的表演。這樣一種主體與客體的距離形成了中國戲曲獨特的審美韻味。

電影理論大師安德烈?巴贊得出了這樣的結論:“電影是現實的漸近線”電影藝術所具有的原始第一特征就是“紀實的特征”。它和任何藝術相比都更接近生活,更貼近現實。可見,電影藝術是要拉近與觀眾之間的審美距離。

電影從誕生之日起就被賦予了視聽藝術的稱謂,但是從心理學上來講,電影更是一門心理藝術。猶如音樂是聽覺藝術,繪畫是視覺藝術一樣。電影與觀眾的關系是一種互動的關系。表面上看,當觀眾來到電影院中,漆黑的環境,鏡像般的銀幕,觀眾似乎是靜止不動的;實際上觀眾的心理與銀幕上的內容產生了復雜的交流活動。用麥茨的第二電影符號學來解釋,銀幕就像一塊鏡子,觀眾從鏡像中去尋求自己的本我,從而達到一種超我的狀態。簡言之,電影藝術的最大特征就是營造夢境,觀眾在現實生活中所幻想的一切,愛情,死亡,權利,金錢,性,暴力等等是無法實現的白日夢,而在電影院的大銀幕上這些情境都歷歷在目,就是由于電影滿足了觀眾內心深處所潛藏的無意識的欲望,使觀眾一方面清楚的知道自己是在看電影,知道銀幕上都是人為的虛假影像;另一方面又猶如親身經歷一般,沉溺于銀幕上虛假的光影世界之間。所以,觀眾觀看電影時的狀態有如自己在睡夢中經歷不可思議的夢境一般。

總結完戲曲藝術和電影藝術分別的審美距離之后,我們發現兩者的審美距離從本質上來講是有一定區別的。戲曲藝術追求的是若即若離的審美距離,而電影藝術追求的是身臨其境的審美距離。那么戲曲電影的審美距離該如何把握?

首先我想提出的一個觀點就是戲曲電影不等于戲曲藝術加電影藝術的綜合體,而是應該是用電影的藝術形式對中國戲曲藝術進行創造性地銀幕再現,即是對中國戲曲藝術特有的表演形態進行記錄又使電影與戲曲兩種美學形態達到某種意義的融合的中國獨特的電影類型。這就決定了戲曲電影要有自己獨特的審美距離。

一、“角”與觀眾的審美距離

看戲看什么?也許有人會說看經久不衰的經典故事,也許有人會說看出神入化的程式表演,也許有人會說看華麗多彩的戲曲服飾。但不可否認的是,看戲在一定程度上是看名角在舞臺上的表演。一出戲可以沒有導演,可以沒有配樂,可以沒有切末,但是不能名角。觀眾之所以肯掏腰包去聽戲看戲,很大程度上是去捧角。所以紅極一時的四大名旦,四大須生才會在戲曲史名垂千古。縱觀戲曲歷史長河,留下名來的不都是名噪一時的戲曲名角嗎?陳凱歌導演的電影《霸王別姬》中有這樣一個情節,程蝶衣和段小樓來到戲樓演出,數百觀眾夾道歡迎。戲樓老板奉承的說到:“今兒觀眾可都是沖著二位老板來的,要是程老板在臺上不小心打個噴嚏,底下也得叫個兩聲好啊”可見戲曲名角在戲曲舞臺上重要的地位。那么戲曲電影要如何抓住觀眾的觀影興趣,如何保持“角”與觀眾的審美距離就顯得尤為重要了。

美國電影大師格里菲斯第一個認識到特寫作為一種新的電影技巧的重要性,尤其在揭示演員內心活動的方面的作用,使電影藝術為之一新,更是改變了整個電影的進程。戲曲電影在創作的過程中曾經走過一段歪路,很多學者認為不應該打破戲曲藝術原有最寶貴的形態,應該把舞臺上的演出完整的記錄下來。這樣一來卻喪失了電影藝術的魅力,電影藝術是可以通過不同的景別來展現不同的情境下人物的內心情感,讓觀眾與劇中人物保持著一種緊密相連的審美距離。電影景別有遠、全、中、近、特、推、拉、搖、移、跟等多種表現手法,能讓電影中的演員與大多數的觀眾處在一個最佳的距離之內;根據故事的發展,在同一場面中,改變觀眾與銀幕的距離。使觀眾能察覺到演員面部表情和內心情感的細微變化而不喪失那種欣賞時的距離感。這種表現方法是戲曲藝術在舞臺上根本無法實現的地方,在普通的劇院中坐在第一排和坐在最后一排的觀眾對于舞臺上演員的表演所接受到的信息絕對也是不一樣的。這些常常是近景和特寫的魅力所在。即使是表演功力再深的戲曲演員,也很難讓自己的表情抓住所有在場觀眾的注意力,所以戲曲電影應該大膽的嘗試運用多景別多角度的拍攝方式去調和與觀眾的審美距離,使戲曲中“角”的魅力在電影中只增不減。

二、主觀鏡頭所帶來的審美心理距離

主觀鏡頭代表片中角色觀點的鏡頭。把攝影機的鏡頭當作劇中人的眼睛,直接“目擊”生活其他人、事、物的情景。帶有明顯的主觀色彩,使觀眾產生身臨其境、感同身受的效果,進而使觀眾和人物進行情緒交流,獲得共同的感受。電影有主觀鏡頭,而戲曲卻沒有主觀鏡頭,那么戲曲電影需不需要主觀鏡頭?

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【關鍵詞】音樂之聲;電影;魅力

社會在快速發展,電影作為人類最大的娛樂項目,各種充滿特色的藝術元素也在不斷加入到電影當中,其中音樂是最重要的元素。在電影《音樂之聲》中,我們可以感受到電影發展至今的變化是非常巨大的,作為音樂電影中的經典,該電影能把角色的特點、劇情通過優美的音樂引起觀眾的共鳴,這才是電影音樂真正的美。

一、電影音樂的重要性

隨著社會經濟的發展,電影從最一開始的無聲電影慢慢發展為有聲電影。電影中的音樂往往是決定一部電影好看與否的標準之一,是非常重要的元素。由于這一原因使音樂在電影藝術之中擁有非常重要的藝術地位。著名配樂大師伯納德?赫爾曼說過:“為生活中平淡的一幕配上合適的背景音樂,不僅能制造出恐怖、歡快、痛苦等氣氛,還可以襯托出人物的性格特點。音樂能使電影上升到更高的藝術境界。”為了將電影的藝術釋放得淋漓盡致,盡顯其魅力所在,電影音樂將是一個橋梁,將銀幕和觀眾連接起來。電影音樂的創作是非常重要的,缺少了音樂的襯托,電影將毫無可看度和感人度,使電影主題得不到升華,對電影本身產生極大的負面效果。

二、《音樂之聲》的背景

首先我們可以通過回憶《音樂之聲》的故事背景來感受一下其魅力。其劇本來源于利亞?馮?崔普的真實故事,雖然作為全球最經典的音樂電影但一開始它只在美國百老匯劇院公演。直到過去了一段時間,福克電影公司才對《音樂之聲》產生了興趣,最終電影版《音樂之聲》出現在觀眾的面前,讓全世界的觀眾都了解到了這部電影。由羅伯特?懷斯這位著名導演執導,這部影片獲得了最佳音樂獎、最佳導演獎、最佳影片獎、最佳音響獎、最佳剪輯獎這五項奧斯卡大獎。該電影主要講述了一位善良活潑的修女,在面對德國納粹軍人的威迫之下,仍然堅守著對祖國的忠誠與熱愛,并用用音樂感染了在場的所有人。由于這部電影的音樂風格非常有特色,細膩感人的同時卻又蘊涵著深厚感情,使該音樂電影廣為流傳,并被各國翻譯成不同的語言。可見《音樂之聲》擁有著非同凡響的魅力。

三、從《音樂之聲》的劇情感受音樂的魅力

除了音樂美,為了展示人與自然、社會之間的和諧感,這部電影采用的人物形象是能夠融入到自然美和音樂美當中的,手法相當獨特。影片一開始就帶給觀眾一種大自然的莊重感,其優美的景色,清澈的湖水、碧綠的阿爾卑斯山、夏日湖邊月色朦朧的夜景、豪華的別墅以及極具歐洲風情的教堂,就算是一場突來的雷陣雨也能使人身臨其境,過目不忘。為了使影片中人們追求向往的寧靜美好生活和人物鮮活分明的性格特點得到升華和提煉,美妙的歌曲和動聽的音樂正是體現這種自然美和音樂美的點睛之筆。

女主人公名叫瑪麗婭,是一位活潑開朗,熱愛生活的修女,這是導演通過優美的自然景觀和歡快簡潔的音樂描繪出主角的性格特征。不僅影片中的孩子都喜愛她的善良和美麗,同時觀眾也被她的魅力所感染,這一切都歸功于影片的音樂。通過合理的劇本設計和優質的音樂搭配,瑪麗婭的的歌聲使上校的嚴厲但又富有感情的形象在觀眾的腦海中留下了深深的印象,我們可以通過以下幾段劇情來體現瑪麗婭是怎樣通過音樂感化他們的。

當時的上層社會有財有勢,孩子嬌生慣養,女主角作為一名家庭教師,上校家的孩子們對她很不禮貌。孩子們不斷地制作惡作劇來捉弄瑪麗婭,想給這位老師來個下馬威,在調皮的音樂搭配下,孩子們往瑪麗婭口袋里放青蛙,把刺球放在椅子上等,都生動地表達出孩子們對這位女老師的不滿。但是瑪麗婭用寬容善良的胸懷包容他們,并沒有在上校的面前告發他們。通過音樂的演奏,觀眾可以感受到孩子在慢慢地向好的方向轉變。

瑪麗婭作為老師擁有著善良的性格,使她能像母親一樣用內心去愛護這些孩子。當她發現孩子們雖然很敬愛他們的父親,但又同時對他們的父親感到畏懼。這時候音樂響起,她用歌聲感染了這群孩子。在優美的歌聲下,孩子們放松心情,釋放出心中的壓力。在老師的幫助下懂得了應如何去學習、生活和做人。孩子們用優美的歌聲歡迎男爵夫人的這一段劇情中,正當上校在批評瑪麗婭并準備驅趕她出家門的時候,孩子們唱出了優美動聽的歌曲,使上校也忍不住加入其中進行合唱。一曲之后,上校和孩子們深深地擁抱在了一起,上校激動地告訴瑪麗婭:“是你把音樂帶給了我,帶給了我們家,使我更加了解我的孩子。”正是瑪麗婭的音樂,使上校和孩子們能和諧相處,讓家庭充滿了活力和生機。

最后一幕,在大自然中瑪麗婭和孩子們愉快地學習,在花草盛開的山坡上奔跑,在鄉間小路上開心地騎著自行車,在碧綠的湖上劃著小船,這一幅幅如畫般的畫面配合歡快的歌聲、明媚的陽光透過音樂感動了在場所有觀眾。《音樂之聲》告訴我們,人與大自然必須和諧相處,相互誰也離不開誰。人之所以不能離開大自然是因為人類必須依賴大自然才能生存下去,大自然賦予了人類生機和活力。大自然也需要人類的襯托才能顯出其神奇之處。

除了表現人與大自然的關系外,影片還通過音樂描繪出幸福家庭的形成。上校家在瑪麗婭到來之前還存在著各種家庭危機:孩子們失去母親,缺少母愛、家庭的教育方式像軍隊一樣死板單一、父親經常外出不在家、頻繁替換的家庭女教使孩子們更加調皮,對一切事物產生反抗心理。然而通過瑪麗婭的到來并不斷在其優美的歌聲感染下,這個家庭在各方面都在慢慢地變好。昔日和睦的家庭、父親的愛使孩子們又找回了童真。一個幸福完美的家庭呈現在觀眾眼前。

四、總結

《音樂之聲》幾十年來經久不衰,正是其獨特的音樂魅力所致,在這部影片中透過音樂能感受到最簡單、最真實的親情。音樂藝術的魅力才是此片的重點。《音樂之聲》,永恒的經典。

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[關鍵詞]舞蹈;電影;運用

近年來,越來越多的舞蹈藝術被搬上了電影銀幕,通過更具現代化的方式來展現舞蹈的藝術魅力,以舞蹈為題材的電影雖然與傳統意義上的好萊塢大片在視覺效果上面存在較大的差異,但是舞蹈藝術與電影制作的完美結合同樣豐富了電影的表現形式,取得觀眾的一片喝彩。自1999年以來先后上映的具有代表性的影片有《中央舞臺藝術》《最后的舞者》《舞出我人生》等,后者更是獲得了奧斯卡年度最佳影片獎等多達12項的提名,這也標志著舞蹈題材的電影在電影藝術中去邊緣化的成功,舞蹈電影取得成功的關鍵在于區別于傳統電影的獨特視角,它將舞蹈藝術的魅力巧妙與電影元素完成了對接和融合。舞蹈界普遍為《黑天鵝》在電影中所展現的藝術魅力所折服,電影中導演神奕的刻畫以及演員惟妙惟肖的舞段令專業舞人大開眼界。下文中筆者就以《黑天鵝》為例,對電影中舞蹈片段的運用及其作用予以解析。

一、電影中舞蹈片段的選取

以舞蹈為題材的電影結合了電影獨特的敘事表達手法和舞蹈抒情的表達手法,將兩者藝術表達方式相結合對整個影片情節的推進以及主題的體現具有積極的作用。需要特別注意的是,以舞蹈為題材的電影并不是要將舞蹈片段不加選擇地搬上屏幕,而是具有很強的針對性和選擇性。以舞蹈為題材的電影發展的思路是運用舞蹈的進行時態去推動影片情節及主題的發展。所以以舞蹈為題材的電影在舞段的選擇方面具有一定的傾向性。

芭蕾舞劇《天鵝湖》是《黑天鵝》素材的主要來源,以整個舞蹈的進程為電影敘述的主題線索。電影中出現的舞段在展現舞蹈藝術魅力的同時,將電影的情節演繹得此起彼伏。《黑天鵝》中出現的開場舞段就取得了很好的效果:王子在打獵的過程中與奧杰塔公主邂逅,當時公主由于受到魔王羅特巴特魔咒的控制,白天以白天鵝的身份示人,晚上便會恢復其美貌的外表。需要一位男子用真愛去解除魔咒。這一舞段為整部影片埋下伏筆,接下來影片換片轉折到以為舞蹈演員正常的排練中來。開場片段的選擇性主要體現在以下兩個方面。

第一,經典性。影片針對的主題是女主人公妮娜如何在強大的壓力與心理障礙面前,在與黑白天鵝兩種角色的另外一名演員的較量中登上藝術巔峰的情節而展開。因此芭蕾劇中黑白天鵝變奏的舞段在影片中頻頻出現。影片中大量展現了黑天鵝32個揮鞭轉的鏡頭,同時出現在主人公的訓練與表演當中。黑天鵝的變奏能夠很好地衡量了舞蹈演員的舞蹈造詣,因此主人公要達到藝術頂峰,就必須突破黑天鵝的飾演。影片通過對同一舞段的重復呈現展示了女主人公向藝術頂峰奮斗的歷練過程。這與導演所說的“完美不是控制出來的,而是釋放出來的”不謀而合。女主人公最終實現了黑白天鵝的合一。以舞蹈為題材的電影通過對熟悉片段的重復呈現加深了影片與觀眾之間的共鳴。導演在電影中賦予舞蹈藝術的韻味通過與現實舞蹈演出不同的表現手法而展現得淋漓盡致。

第二,象征性。在影片的最后,魔王羅特巴特用魔法卷起大浪,要將深愛公主的王子置于死地,奧杰塔為了阻止魔王的行動來挽救自己心儀的王子,躍入湖中。女主人公在平時的排練中總是表現出對躍下高臺這一動作的恐懼,并不像白天鵝那種的決絕。這個片段中就很好地運用了象征性的表現手法。女主人公的猶豫是因為對黑天鵝角色理解得不夠深入,進而不能夠體會白天鵝在此種情形下的心態。因此在影片的末尾,每次女主人公臺上臺下心理狀態的變化都是內心褪變的過程,而在這個過程中著了魔的黑天鵝的表象并沒有完全覆蓋她白天鵝的本質。在表演中,“躍湖”舞段的呈現,是對影片中前面的呼應,同時也是女主人公找回自我的象征,縱身一躍使得她回歸到了自己白天鵝的本質,同時也終結了自己的生命。

二、電影音樂對舞段選擇的影響

音樂被稱為舞之魂,其對舞蹈作品的重要性不言而喻,在電影演繹中,或者為片段舞蹈選取合適的音樂,或者為其創造恰當的舞段,都是對創作者的嚴峻挑戰:成功的舞段會令整部影片獲得升華,反之,可能使影片流產。所以,舞段與音樂之間的合拍、默契、“心心相印”是舞段或者音樂選擇的難點。

藝術的表現形式也許千差萬別,但其本質都是相通的,著名舞蹈家蘇時進老師說:舞蹈與音樂,是一顆靈魂幻化出的兩朵奇葩,它們都是對藝術的美麗詮釋。在電影敘事中,我們要做的就是為兩者進行最適宜的聯姻。本節中筆者以電影音樂對舞段的選擇影響予以簡略的分析。

(一)在人物主線和音樂氛圍下的舞段創作

當前我國的影視音樂,展現出多元表達的趨勢,無論流行、民族、古典、異域都為影視工作者包收并蓄,音樂已不單是電影的附屬物,音樂利用其可以打破時空、超越規則的特性,為突出影片風格展現出創造性的意想不到的效果,并因此深刻影響著影片的主題,在此背景下,音樂與舞蹈互為補充,共同“左右”著影片的主題深化。舞段的量身定做成為必須,它必須適應音樂表達的生活氣息和個性化色彩及時代特征。這一點在影片《黑天鵝》中獲得了絕佳的詮釋。

(二)以舞蹈為核心、音樂為綠葉襯托下的舞段創作

借助音樂的風之羽翼,展現舞蹈云裳的旖旎思想,使音樂為舞段創作錦上添花、推波助瀾,最終獲得舞蹈、音樂與影片的三贏效果。

對于舞蹈作品來說,音樂作品雖然是相對獨立的藝術品,但在電影演繹中,它們是水融、不可分割、相得益彰的融合體,電影音樂的激情旋律賦予舞蹈創作以靈感,舞蹈闡釋著影片人物的內心,用肢體語言舞蹈語匯述說著潛臺詞,輕快的肢體頓挫與激越的音符共同迸發著電影主旨。《黑天鵝》中的舞段起到引、承故事發展,深化電影主題的作用,在樂曲旋律的配合下,以舞蹈的魅力,不僅為整部影片增添無窮魅力,更使電影獲得巨大升華。

三、舞蹈題材電影中舞段的運用和作用

(一)突出舞蹈題材的特點

以舞蹈為題材的電影作品是以舞蹈的藝術特性來推動整部影片發展的藝術表達手法。在《黑天鵝》《中央舞臺》《舞出我人生》中,導演心照不宣地以舞蹈排練的整個過程作為串聯電影的主題線索,整部電影表現了舞蹈排練中從演員的甄選到超越自我、實現藝術真諦的過程。通過對舞蹈者訓練以及舞蹈者生活的描述,呈現了以舞蹈者為主人公的背后的故事。電影《黑天鵝》中,以芭蕾舞劇《天鵝湖》的排練為整個故事的線索,通過女主人公在舞蹈排練及演出時的兩面性揭示了現實生活中人性所體現出來的兩面性。影片中的白天鵝和黑天鵝正是人性兩面性的主要載體,并通過集于一身的表演來表現性格迥異的藝術角色所帶來的現實啟發。通過風格鮮明的無關表演實現了雙重角色的塑造,而這一雙重角色的塑造更是象征了舞臺上所表達的人生道理。

(二)調整電影的敘事節奏

單純運用一種敘事節奏不能很好地帶給觀眾影片的起伏感,這也正是以舞蹈為題材的電影取得成功的主要因素之一。電影中的舞段不同于舞臺藝術上的舞段,它能夠調整電影的敘事節奏。因為導演運用舞段的目的是通過舞段的選擇來引起觀眾的共鳴,觀眾在這一過程中沒有自主選擇的權利,因此舞段的運用能夠在很大程度上改變傳統電影的敘事結構。讓觀眾在觀看舞蹈片段的同時潛移默化讀到了導演安插的意圖。體現了舞段為劇情服務的本質特征之一。例如,在電影《黑天鵝》中,女主人公在演員選拔中取得成功之后的第一次排練中,導演選擇的是王子與公主邂逅這一舞段。雙人舞的部分中不能體現愛情與激情的迸發是導演最為擔心的地方,而舞蹈編劇單純地用挑刺和表演來批評主人公的做法并不能夠在觀眾中產生反響,因此緩慢的舞蹈敘事留給觀眾更多的時間和空間來感受影片的意圖,使整個敘事風格更加自然。

(三)突出劇情的矛盾沖突

在電影《黑天鵝》中,影片中對沖突的發生和解決的描述很好推動了劇情的發展。舞段是舞蹈電影中矛盾沖突的主要體現形式,同樣地,沖突也是在舞段中所解決的。影片中當女主人公由于芭蕾而感受的壓力與束縛倍增的時候,甚至是她在不能夠進入角色時,她隨同朋友來到了酒吧,而在酒吧中徹底擺脫了芭蕾教條的舒服,演繹了一段釋放身心的舞蹈。從此之后,女主人公對舞蹈有了更加深刻的體會和感受,這在之前是不可想象的。通過舞段中對沖突的解決,極大促進了影片劇情的發展。

總之,以舞蹈為題材的電影中,舞段的選擇及其帶來的效果都是為電影的故事發展所服務的。網絡上對《黑天鵝》這部奧斯卡年度最佳影片的介紹中充斥著“懸疑”“驚悚”“心理片”等詞匯,但是筆者認為《黑天鵝》更多的是在展現著舞蹈者的心路歷程。本文認為片中的女主人公在自己舞蹈生涯達到巔峰的時刻結束自己的生命,與前任表演者的沒落遙相呼應。舞蹈表演者的要求是要年輕氣盛,同時又要求用豐富的生活經歷來支持舞蹈藝術的表現力,這本來就是一個很大的矛盾。電影《黑天鵝》所要表達的主旨同樣是矛盾的人生,即舞蹈演員在舞臺上的耀眼與現實生活中排練的艱辛,正如王玫在舞劇《天鵝湖記》開始之前的那段話:“舞蹈美麗而壯烈,成功所以美麗,失敗所以壯烈,于舞蹈人而言失敗者就是失敗者,曾經的失敗者就是成功者,失敗的曾經永遠都是所有舞蹈人刻骨銘心的成長印記。”

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能夠反映角色心理

在電影創造中對于人物的塑造要有著深度與深層的心理層次,才能夠構建飽滿的人物形象。我們在對電影都市設計中,可以認為服飾是對于角色的隱性特征的外表現,能夠對人物進行內心的情感宣泄,不僅能夠扮演著人物角色,還能夠同時刻畫出角色的心理特征。隨著電影內容的發展,一般角色的外在形象也會隨著人物的心理狀態的跌宕起伏進行轉變,并且能夠為故事發展提供具象的條件。在電影《雷雨》中,我們可以從女主角繁漪不斷變化的服裝中看到一個花季少女轉變為一個受到心理摧殘的婦人的心理轉變過程,并且能夠稱之為經典之作。在她少女時代,有著單純學生的打扮,通過淡紫色來表現出少女對于未來的無限幻想,當進入到周家之后,會用深紫色的服裝來表現出她處于豪宅、孤獨寂寞的心理,并且電影中也會通過修身的旗袍來表現出她的成熟的女性風韻,在故事最終以紫黑旗袍來揭示周家的最后毀滅。在王家衛的電影《花樣年華》中,一個被許多旗袍花團簇擁下的女子,有著矜持而雍容的氣質,每件旗袍都能夠表達出女主角不同的心情,而觀眾不但能夠被美麗的旗袍所吸引,還能夠對女主角的情感變化而感嘆,可以說整個影片中女主角的服裝轉變都是女主角心路歷程的表現媒介。

通過服裝彰顯時代背景

服裝作為道具,能夠在電影中表現出當時的社會背景,在電影《欲望都市》中,四位女主角每次在電影畫面中出現都穿著精心設計的服裝,可以說時髦而性感。雖然年過三十,但是依然魅力四射,有著較高的薪酬的職業與豐富多彩的生活,能夠吸引著異性的關注度與同性們羨煞的眼神。這種以服裝為載體的生活態度,能夠迎合當下職業女性的心態,她們能夠充滿魅力但是卻不依靠外貌,有著睿智的思維給予了穩定的工作與較高的薪水,可以說電影中的多種服裝能夠影響當時的流行趨勢。

電影及其服飾語言

我們在設計電影服飾中,除了需要遵循普通的設計原理之外,還需要收集劇本中能夠對時代背景描寫的人物形象資料,在服裝中必須要整體突出電影有的時代感、地方性與民族性,可以說只有演員穿上服裝才能夠成為電影中的角色。

(一)電影服飾造型設計中的表現性我們在設計服飾中,對于形式美觀的表達方式有許多種,在一定程度上來說,我們可以將電影的服裝作為布景道具的一部分,進而統一于電影主題。在服飾設計過程中,我們要講究“人衣合一”的創作理念,對于電影中的服飾也要圍繞角色進行設計。這需要從角色本身與扮演角色的演員兩方面進行考慮。一般在前期導演選擇角色的時候,都會盡量尋求與角色相適應的演員,但是演員與實際角色還是有差別的,例如有些故事內容需要演員扮演的角色年齡跨度很大,為了能夠彌補演員與角色間的距離,除了高超的化妝技巧,服裝就會有著重要的作用。在電影作品中,服裝設計還有著明確的設計對象與功能性,我們不僅需要關注到服裝在演員身上的穿著效果與制造工藝的能力與可操作性,還應當注重服裝在電影作品中的整體效果。只有能夠感受到主觀與客觀的感受有機結合的時候,才成為完整的服裝設計,在電影中展現出合乎情理的角色與內容,完整地表達作品的主題。

(二)電影服飾設計中的色彩意境服裝的色彩在整部電影中起到了決定性的作用,因此我們可以說是服裝色彩能夠感染觀眾的情緒。在電影服裝設計中需要把握好服裝的色彩基調設計與人物服裝的色彩。在電影中,服裝的色彩基調是所有服裝色彩基調的大方向與關系,能夠讓觀眾們接受電影作品中色彩的總基調,并且色彩的基調也是有著典型情緒的,同樣圍繞著電影主題與內涵而設計的。隨著當前現代科學技術的發展,在對服裝色彩設計的同時,也要恰當地與數字化技術合理結合與應用,這能夠增強服裝色彩的電影中的表現力,也能夠側面激發演員的表演欲望,進而能夠使他們更好地把握角色的感覺。例如張藝謀執導的《十面埋伏》《英雄》等電影,都在服裝色彩的設計上有著獨到之處,在絢麗的色彩下,不僅能夠很好地刻畫出角色的性格,還能夠為電影的中心增色不少。

(三)電影服飾設計中的歷史因素角色的塑造是多種多樣的,在每一部電影中的故事內容都有著特定的歷史背景,因此不同的服裝設計需要符合特定的歷史背景與文化內涵。比如我們在拍攝現代題材的電影中,需要去研究現代的時尚潮流;當拍攝歷史題材的作品中,需要對當時的人物服裝進行研究;在拍攝科幻題材的影片時,我們需要研究科幻小說中的細節描述,盡量去還原細節的服飾要求。我們在拍攝的電影作品中的故事內容與人物角色多種多樣,我們必須要掌握人物在造型中產生的審美感受的一些需求和人物的服裝形象特點與習俗,才能夠設計出相關的具有時代感的人物服飾,適應角色身份與情感的服飾。對于歷史題材的電影作品服裝,設計的原則是首先遵循歷史事實,但是卻不能生搬硬套地照抄,我們可以大膽的想象與夸張,在創作中傳承歷史文化,也可以進行現代藝術的創新,也就是我們所說的嚴謹繼承、適當改造的原則。

(四)電影服飾設計中的形式美我們在審美法則中的“對稱、平衡、節奏”等形式在電影的服裝設計中依然使用。一般我們在藝術創造中是感性的,而設計的過程是理性的。受到一些技術水平因素與其他特定的因素制約,在一些方面能夠影響電影服裝的整體構思。我們在構思方面可以從衣服的款式與色彩等因素出發進行設計,也能夠從整體的元素中進行新的元素的挖掘,都能夠收到驚艷的效果,而我們將常見的元素通過不同的排列組合,也能夠轉變傳統的設計思路,得到我們想要的“情理之中、意料之外”的效果。服裝藝術是以特殊的手段來表現電影中的人物,主要是為電影中角色服務的,能夠揭示人物的內心感受,因此電影中的角色與服裝的結合也要自然,我們不僅僅要求服裝天衣無縫,而且需要讓服飾與角色完美統一。電影中的演員只有與服裝造型進行結合,才能夠完整地塑造出電影的角色,進而能夠感染觀眾,引起共鳴,達到觀賞時候的視覺形式美。